Um Cabra Bom de Bola em 3D (GOAT)

Se tem uma coisa que gosto demais é ir conferir um filme com uma grande expectativa e ela ser suprida com louvor, pois desde o dia que vi o trailer de "Um Cabra Bom de Bola" já fiquei muito esperançoso pelo que veria na tela, afinal une animação com filme esportivo, e mais do que isso, com a pegada do basquete que é um dos esportes que mais gosto de conferir, ou seja, a união perfeita, que para ajudar foi produzido pelo mestre das cestas de 3 pontos, Stephen Curry, em sua primeira empreitada em longas animados, que não meramente trabalhado o protagonista se parece muito com ele (pequenino se comparado aos demais jogadores, mas um craque das cestas a longa distância!) só que de uma forma bem irônica na versão original ele dubla o personagem mais alto na animação (Rafa, a girafa - ironia total!), ou seja, brincou bastante com seu dinheiro. Claro que o longa poderia talvez ter ido mais além como acontece com as produções de grandes animações como a Pixar, Dreamworks e Illumination, que geralmente ao vender os longas para os vários países muda os letreiros conforme vai ficar no país, mas não é nada que atrapalhe, apenas daria um show maior, pois a maioria dos nomes foi trocado para ficar mais agradável, e ter esses nomes novos na tela seria espetacular.

A história acompanha Zeca Brito, um cabrito com grandes sonhos que tem a oportunidade única de se juntar aos profissionais e jogar "Berrobol" (Roarball) – um esporte misto de alta intensidade e contato total, dominado pelos animais mais rápidos e ferozes do mundo. Os novos companheiros de equipe de Zeca não estão muito animados com a ideia de ter um cabrito em seu elenco, mas Zeca está determinado a revolucionar o esporte e provar de uma vez por todas que "os pequenos sabem jogar bola!".

É interessante observar que aqui tivemos dois diretores estreantes, Tyree Dillihay e Adam Rosette, porém já estiveram em diversos setores artísticos de grandiosas produções, ou seja, não estavam ali sem saber o que fazer, e ao pegarem o livro de Chris Tougas mostraram para o mundo uma ideia insana de basquete com muita imponência, afinal o Berrobol tem a mesma pegada do esporte, mas com muito mais violência, ambientes hostis e tudo o que um mundo selvagem pode entregar, de tal forma que por um leve momento a trama chega a ser um "Zootopia" numa cidade fanática pelo esporte, indo em vários outras jogarem com todo o regulamento tradicional que quem conhece o esporte vai pegar as referências, e tendo uma boa pegada, a equipe conseguiu não se parecer tanto com o longa da Disney, pois tem traços mais marcantes e ousa mais na tela sem querer ser algo bonitinho, e assim acaba chamando muita atenção. Porém quem não for fã de filmes esportivos, com seus motes de superação e tudo mais, pode ser que se canse um pouco, já os fãs, é emoção atrás de emoção.

Quanto dos personagens diria que foram muito espertos nas qualidades de cada animal, no jeito de jogar, com forças e habilidades diferentes, além do estilo da torcida, dos mascotes e tudo mais que é bem conhecido do esporte, mas um ponto mais do que satisfatório foi a dublagem de Rafael Sadovsky para seu Zeca Brito ter um tom mais nortista, com trejeitos divertidos e uma entrega sensacional na tela, pois o personagem original se chama Will Harris, o que aqui ficaria meio estranho, mas super funcionou a adaptação e o resultado agradou demais. Também tivemos a pantera Jaque Fonseca que no original é Jett Filmore, e que Priscila Amorim deu um show de traquejos emocionais nos tons de voz e fez a personagem ser sua realmente. Ainda tivemos bons momentos com o rinoceronte Alex e suas duas filhas, a girafa Rafa com seu tamanho imenso e estilão meio rapper, e a avestruz Olivia Bastos bem colocada com seu jeito de se esconder, além do técnico Denis meio inseguro no começo, mas depois soltando o bicho. Mas sem dúvida o grande ponto marcante entre os secundários ficou para o adversário principal do time, o cavalo Manga Larga que com suas tranças e penteados marcantes botou muita banca no longa.

Como já falei, um ponto bem marcante da produção ficou a cargo dos traços mais parecidos com o do cinema oriental, tendo até boas texturas nos ambientes, mas com um ar mais de rua mesmo, sem precisar fazer com que tudo ficasse bonitinho, e as quadras diversas foram insanas, com pedras, gelo, fogo e floresta, tudo bem imponente, tendo os famosos bares/restaurantes aonde o pessoal vai para torcer, e um final bem imponente em quantidade de "figurantes", ou seja, a equipe artística trabalhou bastante para termos muitos detalhes na tela. Quanto ao 3D, diria que ficou bem fraco, tendo um ou outro momento com profundidades cênicas, servindo mais para dar a perspectiva das quadras e do jogo, que com um ritmo acelerado não teve tanta grandiosidade na tecnologia, então dá para conferir tranquilamente no 2D tradicional.

Enfim, o longa ainda teve boas canções, boas dinâmicas e envolveu bastante, tendo apenas o defeito dos nomes nas camisetas que valeria terem trabalhado um pouco com isso para as versões de outros países, que aí sim seria o longa mais perfeito do ano. Mas ainda assim recomendo ele para todos, e claro para levar a criançada para ver que mesmo sendo baixinho dá para virar um grande jogador (vide o próprio Stephen Curry!). E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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A Sapatona Galáctica (Lesbian Space Princess)

Costumo falar que as animações são literalmente o estilo que se pode fazer qualquer coisa que der na cabeça do diretor, pois é algo livre e que aceita algumas maluquices sem ficar forçado, e hoje chegou para conferida o longa australiano, "A Sapatona Galáctica", que estreia em alguns cinemas agora dia 12/02, e traz uma proposta muito ousada de animação adulta (ou seja, não vá levar as crianças para a sessão) brincando com boas sacadas do mundo feminino, tendo situações e dinâmicas bem colocadas, e o mais divertido tendo como vilões homens heteros brancos, ou seja, algo bem fora da caixinha, que soube tirar onda e envolver com uma boa pegada de desenho. Fora que tem muitas outras coisas que não vale ficar soltando spoiler, mas que certamente fará muitos rirem dentro de tudo, além claro de canções bem colocadas. Ou seja, é daqueles filmes que você fica se perguntando inicialmente quem foi o maluco que pensou tudo isso, mas depois da conferida fica até querendo mais, e quem sabe role, pois tem espaço para desenvolver mais coisas, e o principal, sem forçar a barra, afinal o contexto aqui é livre para tudo.

O longa nos conta que a princesa lésbica espacial parte em uma missão na gayláxia para resgatar sua ex-namorada das garras dos homeliens héteros brancos. Com uma nave problemática e uma amiga cantora gay pop, ela descobre que o verdadeiro poder vem de dentro.

Diria que para uma estreia em longas de animação, as diretoras e roteiristas Emma Hough Hobbs e Leela Varghese, foram bem ousadas e souberam desde o começo aonde desejavam chegar, ao ponto que seu filme não tem um momento que fosse sutil, tendo tudo bem direcionado, cheio das nuances, e claro não duplos sentidos nas coisas, mas múltiplos sentidos da melhor forma para se discutir o tema: que é na base da brincadeira. E claro que esse ataque direto foi muito sábio, pois podia dar extremamente errado na tela, ainda mais com um desenho mais cru, sem texturas ou profundidades computacionais, usando o bom e velho 2D na tela, e isso não chega a incomodar de forma alguma, pois o que vale mesmo na trama são as histórias e dinâmicas, então poderia ser até com palitinhos que daria muito certo, e assim veremos aonde elas chegarão num próximo trabalho.

No contexto dos personagens posso dizer que ficou muito engraçado ver os homeliens héteros com suas paranoias, a protagonista Saira teve uma boa pegada, mesmo sendo chorona e insegura demais, e forçaram um pouco demais na Kiki, e fiquei um pouco com pena da Willow, que com toda sua cantoria chamou muita atenção na tela, mas como tudo foi muito bem encaixado na tela, o resultado geral acabou sendo satisfatório de ver, só diria que alguns personagens secundários ficaram muito fora do elo, e talvez valeria alguma explicação melhor para tudo, e claro não poderia esquecer de falar da nave, que foi muito bacana também na entrega.

Visualmente o desenho 2D não deixou nada a desejar, tendo os diversos "mundos", com sacadas do ambiente feminino, masculino, das difíceis entradas e saídas, do vazio entre ambos os lugares, todas as sacadas entre membros e usos, e tudo mais que nem dá para ficar detalhando muito sem que o texto fique digamos "quente", então vale reparar em cada detalhe minucioso da história e como tudo foi representado na tela, pois funcionou demais.

Enfim, é uma animação muito diferente do usual, que tem pegada e funciona bastante, que quem curte animações adultas com boas doses irônicas e cheias de intensidade vai se divertir bastante e quem sabe até torcer por uma continuação. E é isso meus amigos, fica a recomendação para quem estiver nas cidades que o longa estrear, e eu fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Synapse Distribution e da Atomica Lab Assessoria pela cabine, então abraços e até amanhã com mais dicas.

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Sirât

Confesso que desde o dia que o diretor espanhol veio com o gracejo de falar mal do longa brasileiro fiquei com muita vontade de conferir ele logo para saber se realmente ele tinha motivos para isso ou era apenas um fanfarrão, mas como o longa só estreia no final de fevereiro, fiquei ligado nas campanhas das distribuidoras para quem sabe encarar uma cabine. E eis que chegou finalmente o dia de conferir ele, tanto que hoje nem iria ver nada, mas não deu nem tempo de aparecer a cabine que parei tudo o que estava fazendo e lá fui conferir "Sirât" com a expectativa que fosse algum drama pesado do mesmo estilo que todos os concorrentes da categoria Melhor Filme Internacional. Porém não imaginava que o longa fosse com uma pegada bem mais experimental, no melhor estilo das raves no deserto que muitos gostam de ir para "experimentar" sensações, e para quem não me conhece digo apenas duas coisas: não curto raves e não sou fã de filmes experimentais, ou seja, fiquei o longa inteiro esperando um algo a mais que não ocorre, e o que posso falar de cara são três coisas: que dentre todos os filmes experimentais que já vi, esse sem dúvida foi o melhor; que o longa tem duas cenas impactantes de nível máximo, e só, de tal forma que nem sei o motivo dele ter sido sequer colocado entre os cinco melhores filmes internacionais do ano. Ou seja, é o famoso filme que alguns vão entrar na vibração e se conectar demais, mas os demais vão sair da sessão pensando o que foram fazer ali.

O longa nos mostra que pai e filho chegam a uma rave nas montanhas do sul do Marrocos. Ambos estão em busca de Mar — filha e irmã —, que desapareceu meses antes em uma dessas festas intermináveis. Cercados por música eletrônica e por uma sensação crua e desconhecida de liberdade, eles distribuem a foto da jovem repetidas vezes. A esperança vai se apagando, mas os dois persistem e seguem um grupo de frequentadores rumo a uma última festa no deserto. Conforme avançam por esse cenário escaldante, a jornada os obriga a confrontar seus próprios limites.

Diria que o diretor e roteirista Oliver Laxe tinha muita consciência de onde desejava chegar com seu filme, que era de ser uma experiência explosiva totalmente fora dos padrões normais, aonde a essência emocional funciona bem na tela, porém é o famoso estilo que precisa entrar no clima que ele propõe, pois demora quase uma eternidade para os atos saírem completamente do elo da rave, que quem gosta até entra no barulho, afinal só quer dançar e viajar com os sons, mas quem não é desse estilo vai se incomodar e por vezes até desistir do longa (no caso quando chegar nos streamings). Ou seja, faltou desenvolver mais os personagens do que apenas a essência, e assim sendo o resultado é mais visceral pela forma do que pela entrega.

Quanto das atuações, tirando o pai Luis que é vivido por Sergi López e o garotinho vivido por Bruno Núñez Arjona, os demais jovens acredito que tenham sido pessoas reais dessas raves, pois usaram seus próprios nomes e estilos, não tendo muitas expressividades clássicas de uma atuação mais crua, apenas vivendo tudo o que o longa foi lhe permitindo e entregando até que bem suas essências, de modo que Sergi pôs tudo em jogo nos seus atos mais densos, fazendo trejeitos emocionais bem colocados e conseguindo impressionar pela pegada na tela, enquanto todos os demais, como já disse, vivenciaram o road movie pelo deserto trabalhando suas personalidades sem precisar de muitos diálogos, mas sim brincando com o que tinham que fazer apenas.

Visualmente, por ser uma trama meio que de road-movie, temos muitas paisagens no meio do deserto, com montanhas, desfiladeiros, muito barro, areia, e claro a rave, uma pequena casa no meio do nada, e claro os dois ônibus dos jovens e o carro simples do protagonista, que deram uma "adaptada" para que ele seguisse nos caminhos rudimentares que o longa se passa, tudo com uma fotografia bem bonita num tom de amarelo meio avermelhado de terra, que acabou funcionando bastante na tela.

Enfim, é um longa que tem o seu valor, que é interessante pela proposta, mas é o famoso ame ou odeie, aonde vai ser difícil ter o meio termo. Confesso que analisando como crítico, a ideia em si é bem feita, e as duas cenas (com uma já sendo mostrada no trailer, mas que eu não tinha visto, então pra mim foi uma surpresa) são incríveis, sendo algo que vale os aplausos e a premiação do júri de Cannes, mas analisando como espectador que não gosta de experimentais e de raves, é algo que facilmente nem sairia do longa num streaming nos primeiros minutos. Sendo assim fica a dica para quem gosta, e claro para quem for conferir ele, a partir do dia 26/02, para gabaritar os longas das premiações. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Retrato Filmes e da Atômica Lab pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Looke - Muti: Crime e Poder (The Ritual Killer)

Seguindo botando em ordem alguns filmes que não chegaram no interior e eu queria ver, hoje foi dia de dar o play no "lançamento" da semana da plataforma do Looke, "Muti: Crime e Poder"! Esse eu cheguei até a ser convidado para a cabine, mas na capital somente, não vindo nada para cá por ser algo exclusivo do Cinemark, ou seja, o daqui como só passa dublados nem quis brincar com os moradores do interior. Dito isso, fiquei com muita vontade de conferir ele na época, por ser um estilo que gosto bastante: o suspense policial, e o longa tinha um potencial imenso para ser daqueles marcantes ao misturar cultura africana com uma pegada criminosa se passando em dois países, junto de um dos melhores atores do mundo que é Morgan Freeman. Porém, aqui ele ficou bem secundário, sendo até importante nos atos finais, e o longa recaiu para o lado novelesco, algo completamente incomum nesse estilo, o que resultou em uma trama meio que arrastada e sem grandes focos para chamar atenção. Ou seja, ficou parecendo que o diretor tinha tanto material no roteiro, e mais uma tonelada filmada, que ao montar se perdeu por completo com o que desejava entregar, e assim não conseguiu empolgar de forma alguma.

O filme segue o detetive Boyd, que, incapaz de lidar com a morte de sua filha, embarca em uma caça a um serial killer que mata de acordo com um ritual tribal brutal chamado Muti. A única pessoa que pode ajudar Boyd é o Professor Mackles, um antropólogo que esconde um segredo terrível. A linha entre a sanidade e a loucura diminui à medida que Boyd se aprofunda no mundo do assassino e entende a cultura por trás do ritual.

O diretor George Gallo gosta bastante do estilo investigativo policial, porém ele é meio exagerado na quantidade de assunto que deseja desenvolver, o que acaba ficando uma bagunça meio que forçada com tantos personagens e dinâmicas que nem sempre soam importantes na tela. Ou seja, ele até pode brincar com essas essências, mas talvez transformando suas ideias em séries e minisséries, deixando para os longas tramas mais contidas, aonde mostrasse aqui somente a desenvolturas dos investigadores e do professor, não necessitando colocar a ideia do passado do protagonista, os conflitos com os delegados, que dava facilmente para que o longa ficasse resumido e funcional na tela, e claro impactando mais com toda a entrega.

Quanto das atuações, diria que Cole Hauser foi bem escolhido para o papel, porém o papel foi mal desenvolvido para o longa, pois seu Lucas Boyd tem personalidade e se somente focassem na busca do assassino e as dinâmicas do caso, ficaria incrível as pegadas expressivas dele, mas quiseram contar seu passado, o lance da morte da filha, da briga com a esposa, de seus traumas e exorcismos pessoais, ou seja, quiseram enfeitar demais a essência do personagem, e o resultado acabou desapontando na tela. Já Morgan Freeman não entregou tudo o que costuma entregar para seus personagens, pois aqui seu Dr. Mackles tem uma pegada histórica interessante na tela, e até desenvolve alguns momentos chamativos, mas teve o mesmo problema que o protagonista de uma forma quase que inversa, pois no final quando o policial italiano informa as conexões até fica claro a essência de seu personagem, mas não ao ponto de funcionar, e o ator não se impôs como casualmente faz, o que ficou um pouco a desejar. E falando do policial italiano que Giuseppe Zeno fez, seu personagem num primeiro momento parece que será importante, mas logo depois desaparece, tendo alguns momentos meio que perdidos apenas para dar as conexões, ou seja, seria melhor ter ido para os EUA na captura ou nem usarem ele na trama.

Visualmente o longa teve alguns bons momentos com os rituais, algumas autópsias interessantes que poderiam ter ido mais além, e também algumas perseguições dentro de um prédio, além de cenas em bares e numa mansão bem imponente, porém a equipe não valorizou quase nada, tendo apenas o elo das facas afiadíssimas e algumas poucas dinâmicas mostrando a cultura africana, que foi mais explicada pelos diálogos do que pelo filme em si, ou seja, dava para desenvolver melhor o trabalho da equipe de arte.

Enfim, é um longa que facilmente poderia ter ido muito mais além, pois o gênero de suspense policial sempre pede para brincar mais com o público, porém o diretor não quis usar todo esse elo, e acabou se perdendo com a entrega. Ou seja, vale como um passatempo razoável que quem gosta do estilo até vai curtir alguns momentos, mas não empolgou como poderia. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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Amazon Prime Video - Pequenas Cartas Obscenas (Wicked Little Letters)

Muitas vezes alguns filmes não aparecem nos cinemas do interior e acabamos esquecendo deles, mas outros nem vemos os trailers e acaba sendo uma novidade total que até achamos que é do próprio ano quando vamos dar o play no streaming, e depois levo o maior susto ao descobrir que era lá de muito tempo atrás!! E hoje eu precisava achar um bom filme, pois dar play em algo que vai me decepcionar depois é algo triste demais, e foi aí que achei esse "Pequenas Cartas Obscenas" dentro da plataforma da Amazon Prime Video, imaginando que fosse algo novo, mas depois que vi o cartaz que estreou nos cinemas em 23/07/2024, realmente vi que foi mais um que nem sinal de vida teve por aqui, nem trailer, nem nada, mas isso não importa, pois é daqueles longas tão bem interpretados que você fica pensando como alguns artistas podem ser tão bons, enquanto outros são tão ruins! Dito tudo isso, o longa tem uma pegada tão maluca que nem em sonho imaginaria que um conflito desse porte pudesse ter sido real, mas foi, com tantos xingamentos, que aqueles que quiserem aprender alguns novos esse é um bom momento, mas tudo bem sacado dentro de um conflituoso mundo das antigas aonde o puritanismo predominava e o machismo também, sendo bem marcante pelas boas dinâmicas entre todos os personagens.

O longa nos conta que em Littlehampton, uma cidade litorânea inglesa de 1920, moram a profundamente conservadora local Edith Swan e a turbulenta migrante irlandesa Rose Gooding, que são vizinhas. Elas e outros residentes do bairro começam a receber cartas perversas e obscenas que são, além de incomodativas, involuntariamente hilariantes. Sem precedentes, Rose é acusada de tal ato. As cartas anônimas provocam um alvoroço nacional e segue-se um julgamento em cima de Rose que corre o risco de perder a guarda de sua filha caso seja condenada. No entanto, quando as mulheres da cidade, lideradas pela policial Gladys Moss, começam a investigar o crime elas mesmas, elas suspeitam que algo está errado e que Rose pode não ser a culpada, afinal.

É muita verdade que a diretora Thea Sharrock decolou após o seu primeiro longa, "Como Eu Era Antes De Você", mas aqui ela mostrou uma outra faceta sua ao trabalhar um estilo de humor negro com pitadas investigativas e sem colocar traquejos forçados, mas sim uma trama real bizarra que consegue fazer cada detalhe fluir melhor, e que num primeiro momento você já desconfia quem seria a pessoa que está escrevendo realmente, mas que a diretora soube brincar bem sem entregar tanto no começo, e depois fazer o ponto de virada certo com a investigação mais de forma imponente para realçar  o machismo do país na época e todas as dinâmicas sem precisar remover os palavrões maravilhosos usados para xingar as pessoas na época. Ou seja, a diretora foi sutil e direta aonde precisava sem enfeitar o doce, o que acaba sendo gostoso de ver na tela.

Quanto das atuações, não existem palavras para definir o quão expressiva e sábia de estilo é Olivia Colman, pois ela sabe transformar uma personagem simples como a sua Edith Swan em algo gigantesco, cheia de traquejos, de minúcias nas entregas, e seu ato final é de um teor que merece todos os aplausos possíveis, pois incorporou todos os anos de prisão da personagem para se soltar com tudo, ou seja, deu show. Já Jessie Buckley entregou uma Rose completamente solta, sem preocupações com estilos ou sínteses pessoais, fazendo uma mulher bem diferente para a época, mas com personalidade e imponência nos seus atos. Ainda tivemos bons momentos com Timothy Spall com seu Edward bem robusto de entrega, Anjana Vasan fazendo uma policial bem cheia das nuances com sua Gladys, e Joanna Scanlan trabalhando sua Ann com um estilão mais brucutu que foi até divertido de ver, ou seja, um elenco de apoio bem encaixado para dar vazão nas cenas das protagonistas.

Visualmente a trama foi bem simples de locações, tendo uma vila de casas bem juntas e simples, aonde de um lado temos a família mais fechada, com tudo organizado, do outro lado temos a casa da protagonista com um estilo mais desleixado, mais simples ainda, sem praticamente nada, vemos também uma prisão sem grandes luxos e um tribunal bem lotado para o caso coberto pela mídia da época, ou seja, um trabalho de época bem estruturado e que consegue chamar atenção.

Enfim, é um longa gostoso de conferir, com boas sacadas e um humor que muitos não são tão fãs, mas que brilha com estilo e consegue divertir na tela junto de um bom mistério, que certamente valeria ter ficado um pouco mais escondido para brincar mais com os espectadores, mas ainda assim é um bom filme que vale o play. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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O Som da Morte (Whistle)

Gosto demais de conferir três estilos de terror, aqueles que fazem você pular a cada dois segundos (me irrita, mas eu gosto!), aqueles que você sai da sessão ultra-arrepiado pensando em como vai pegar o carro no estacionamento no fim da sessão, mas principalmente para me deixar muito feliz é só o longa ter algum sentido, algo que você possa pensar naquilo como algo "plausível", e hoje "O Som Da Morte" foi exatamente encaixado nesse último tipo, pois usando uma ideologia antiga a trama brinca com a ideia de que quando nascemos, a nossa morte também já nasce nos procurando, ou no caso com um destino bem definido de como iremos morrer, só que ela tem uma data para nos encontrar, isso pode ser amanhã ou daqui sabe lá quantos anos, só que usando o tal apito macabro, você indica o atalho pra ela, e pronto, você já vai morrer em breve como iria morrer no seu destino (exemplificando melhor, se você estivesse destinado a morrer por uma pedra na cabeça aos 60 anos, apitou o treco com 18, logo em seguida a pedra vem te buscar e te deixar com os 60 anos esmagado - esse exemplo não ocorre no longa!). Ou seja, tem toda uma ideia bem trabalhada, e claro como todo filme de terror, os protagonistas vão brincar com o tal apito que te procura, e também vão buscar meios de não morrer logo que descobrem o tal ritual, aí talvez seja o maior defeito do longa, pois usa a base de praticamente todos os demais filmes, mas ainda assim não estraga o resultado. E digo mais, esperem uns minutinhos na sala, pois a cena logo após os créditos iniciais é bem macabra!

A sinopse nos conta que um grupo de estudantes disfuncionais se depara com um Apito da Morte Asteca amaldiçoado. Logo eles descobrem que usar o objeto causa um som aterrorizante que prevê suas futuras mortes.

O diretor Corin Hardy ficou bem famoso tanto pelo lado positivo quanto pelo lado negativo, após seu último filme, "A Freira", porém com isso vem recebendo boas ofertas de trabalho, e claro chamando público para seu novo filme (mesmo com promoção de ingresso mais barato, não esperava ver tanta gente numa última sessão de um filme de terror! O que é muito bom!), e aqui ele mostrou que sabe fazer algo maior do que apenas dar sustos, pois o longa causa bastante com a ideia, e principalmente ousa com algumas mortes bem fortes na tela, que claro poderia ter um primor técnico um pouco maior das atuações e das dinâmicas, mas ainda assim o resultado surpreende bem e agrada, mostrando que um terror "barato" pode chamar atenção quando se tem uma história envolvente e chamativa. Ou seja, é daqueles diretores que sabem deixar suas marcas na tela, e principalmente mostrando ousadia foi além do que era esperado, fazendo com que o público prestasse bastante atenção (não vi pessoas saindo da sessão fora do final, felizmente!) e ao final as expressões aparentavam terem gostado assim como aconteceu comigo.

Agora o principal ponto negativo do filme ficou a cargo das atuações, pois infelizmente nenhum dos atores chamou a trama para si e agradou de uma forma convincente o que precisava fazer, tendo uma ou outra surpresa na tela, mas nada que impactasse realmente. Fiquei um bom tempo tentando lembrar de que filme conhecia a protagonista, mas jamais lembraria que era a garotinha de "Logan", que aqui já mais adulta, Dafne Keen trabalhou com uma culpa na personalidade de sua Chrys que chega a ser até meio depressiva na tela, de tal forma que talvez o diretor quisesse isso nela, mas acabou ficando um pouco estranha de ver. Da mesma forma Sophie Nélisse colocou sua Ellie até tendo algumas nuances mais "médicas" já que trabalhava no hospital e sonhava virar doutora, mas o papel acaba não sendo muito desenvolvido, e com isso também ficou um pouco apagada. Já Sky Yang ficou mais destacado pela paixonite de seu Rel, e certamente será lembrado por sua cena final, pois o impacto foi bem generoso com seus atos de loucura (que de cara pensaria da mesma forma que ele), e a intensidade chamou atenção. E falando em chamar atenção, daria um bom destaque para Jhaleil Swab com seu Dean e Ali Skovbye com sua Grace, também pela intensidade de suas cenas, além de inicialmente parecerem de boa com tudo, mas depois demonstrando medo e correndo pra valer da morte com bons trejeitos. Ainda tivemos dois que foram importantes apenas pelas suas mortes, mas que deram seu nome na tela, que foi Nick Frost com seu Mr. Craven, um fumante compulsivo e Stephen Kalyn com seu Mason incinerado.

Visualmente diria que a computação trabalhou muito bem em conjunto com alguns efeitos práticos, e claro com a maquiagem, criando boas dinâmicas na tela, mortes bem chamativas no melhor estilo da série "Premonição", tendo como principais ambientes uma festa de terror meio parecida com um Halloween, a escola, a casa dos protagonistas e uma siderúrgica, sem grandes chamarizes, mas tudo bem trabalhado para que impactar nos atos mais fortes.

Enfim, fui esperando nada e acabei muito surpreendido com o que vi, sendo rápido e sem enrolações, apresentando a ideia logo de cara, e depois uma explicação bem encaixada para não termos que pensar em ideologias e tudo mais. Claro que poderia ser muito melhor com um elenco mais chamativo e com algumas facetas mais amplas, mas aí seria outro filme. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais textos e dicas, então aproveitem que os cinemas estão em promoção de ingressos e vá conferir.

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(Des)controle

Um dos melhores feitos que os diretores nacionais tem feito nos últimos anos foi tentar fugir do drama novelesco, que infeliz dominou muito nosso cinema no passado, e que é um estilo fácil de desenvolver na tela. E meu principal medo ao conferir o trailer de "(Des)Controle" era que forçassem tanto a barra na tela ao ponto do filme recair para esse formato, pois tinha todas os possíveis clichês do estilo sendo trabalhado em um único filme, porém como a trama é baseada na história real da produtora Iafa Britz, optaram mais em trabalhar a essência imponente da fraqueza na luta contra o álcool e as facetas que muitas vezes um vício proporciona, do que criar personagens e abrir mais o leque. Ou seja, vemos o famoso só um gole virar uma bomba depois de muitos litros na cabeça, e a perca total do controle que a personagem acaba sofrendo. Claro que o filme é bem amarrado, porém ele se alonga e repete muitas vezes para enfatizar o que desejava mostrar, então mesmo tendo espaços divertidos, por vezes cansa um pouco, mas felizmente não fica ruim de conferir.

O longa nos mostra que Kátia Klein é uma escritora bem-sucedida que enfrenta uma crise criativa às vésperas da entrega do seu novo livro, ao mesmo tempo em que descobre a falência do seu casamento e administra o acúmulo das demandas dos filhos e dos pais. Sobrecarregada e em busca de alívio, ela passa de uma simples taça de vinho ao total descontrole, sendo gradualmente engolida pelos excessos do vício.

Diria que as diretoras Carol Minên e Rosane Svartman souberam usar bem a vida de Iafa Britz, pois como ela é uma das produtoras de maior sucesso no país, a maioria do meio a conhece bem, e claro que sua presença produzindo algo que viveu, deu mais brechas para que tanto a equipe quanto a protagonista conhecesse e se envolvesse mais com a personagem real. Ou seja, vemos na tela o famoso retrato que talvez alguns não gostassem tanto de mostrar, mas que pintado da forma abstrata e correta acaba fluindo e funcionando para que outros sigam o rumo melhor, mostrando que até mesmo uma diretora de novelas consegue fazer algo sem ser novelesco.

Quanto das atuações, fazia tempo que não via Carolina Dieckmmann tão solta na tela, de modo que sua Kátia Klein teve muita personalidade e entrega, principalmente por talvez estar próxima da verdadeira "Kátia", porém valeria ter trabalhado um pouco mais sua versão de outra personalidade, pois ali a explosão ficou bem clara que dava para ir além. Como é um filme aonde a protagonista é mais importante do que a própria história em si, os demais personagens e atores acabaram um pouco apagados, de modo que Caco Ciocler com seu Zeca certinho demais, Irene Ravache com sua Esther simpática e Daniel Filho com seu Levi, acabaram não chamando tanto para si, porém tivemos bons momentos de Júlia Rabello com sua Léo, sendo mais do que uma agente, e sim uma amiga, e também os garotos Stéfano Agostini com seu Eduardo e Rafael Fuchs Müller com seu Bernardo agradando bastante com o que fizeram.

Visualmente a trama teve muitos momento na casa da protagonista, saindo garrafas de vinho de onde você menos esperar, tivemos várias cenas em boates, bares, praias, e até mesmo numa livraria para um lançamento com um robô completamente desnecessário para a trama, mas que resolveram brincar com a ideia, e acabou servindo, além da organização de um bar mitzva bem rapidamente com uma sacada legal dentro da ideia dos encontros.

Enfim, é um filme simples, bem feito e que funciona bem dentro da proposta, porém dava para arriscar mais e chamar ainda mais atenção para os conflitos que o alcoolismo entrega, mas aí certamente a trama iria para um outro rumo. Então é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas como quase toda sexta, lá vou eu para mais uma sessão, então abraços e até mais tarde com outro texto.

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Destruição Final 2 (Greenland 2: Migration)

Lá naquela confusão total que foi o ano de 2020, um dos primeiros filmes que assistimos ainda de máscaras nos cinemas foi "Destruição Final - O Último Refúgio", que na época eu estava completamente desesperado por um longa do estilo e acabei dando uma nota até alta demais, mas no dia foi o que rolou comigo, de tal forma que hoje, por incrível que pareça, não fui esperando algo que me surpreendesse, pois tinha uma pulga na orelha me dizendo que seria algo tão pequeno que iriam desenvolver e encher de situações, do tipo que seria algo que mais 30-40 minutos no longa original ficaria perfeito, que foi exatamente o que aconteceu, pois temos 98 minutos com até uma boa quantidade de ação na tela, mas são situações tão malucas: com uma pessoa fugindo correndo de uma tempestade com raios mortais (quem já tentou correr de uma mísera chuvinha sabe que não dá certo!), atravessar pontes de cordas e escadas bizarras com ventos e tremores, uma queda de vários fragmentos quase arrastando as pessoas que estão segurando nas árvores e o carro não sai voando, fora uma guerra do tipo 3ª Guerra Mundial rolando e não tomam meio tiro nos protagonistas, ou seja, forçaram a amizade de uma maneira que não deu pra amenizar na crítica. Então, se você não ligar para isso e gostar do estilo, pode ir conferir tranquilamente, mas do contrário, é sair da sessão xingando tudo.

Ambientado cinco anos depois do apocalipse, o longa revela como os Garritys conseguiram criar uma vida no bunker na Groenlândia que passaram a chamar de lar. Contudo, quando a integridade do seu abrigo é ameaçada, John se vê obrigado a buscar uma alternativa para garantir a segurança da sua família. Partindo em uma jornada incerta rumo à Europa, os Garritys vão encontrar na superfície desafios novos e maiores, que só serão superados se eles se mantiverem juntos.

Ao menos não fizeram uma arte maior de trocar o diretor, pois se o diretor Ric Roman Waugh tivesse filmado tudo junto talvez saísse algo menos maluco, como acabou acontecendo, pois volto a frisar que ele acabou exagerando demais nas situações fora de um curso aceitável (aí vão vir falar que se fazem algo com muita ficção eu reclamo, e se fazem algo muito natural eu reclamo, mas tudo tem sua base para que eu não reclame!). Ou seja, tirando o exagero, vemos que o diretor tem estilo ao menos para filmes de ação com tudo o que se possa imaginar, de modo que se futuramente vierem a procurar ele para algo, já conheçam tudo o que sabe fazer, e nesse sentido o longa mostra ao menos uma potência, pois até dá para se desesperar nas cenas das pontes, da guerra e até das árvores, mas faltou aquele momento que realmente impactasse para valer, e aí acabou apenas sendo ok o trabalho do roteiro em si, que claro o diretor desenvolveu.

Quanto das atuações não tivemos nada de muito além na tela, tendo claro Gerard Butler com seu estilão imponente, trabalhando seu John como se fosse o ser mais importante no bunker e em tudo, afinal é o protagonista, tendo alguns atos de entregas forçados como tradicionalmente faz, mas convence ao menos na tela, e isso é bom. Também tivemos a brasileira Morena Baccarin mais uma vez entregando personalidade para sua Allison com atos meio que espaçados, por vezes saindo de foco para que o protagonista aparecesse mais, mas sendo imponente e chamativa, o que funciona para filmes do estilo. Quanto aos demais, diria que o jovem Roman Griffin até tentou ter algumas cenas mais chamativas com seu Nathan, mas não convenceu, da mesma forma Nelia Valery acabou sendo rapidamente introduzida na tela com sua Camille, tendo talvez um chamariz para um relacionamento com o garoto, mas sem ir muito além, sobrando então para a simpatia de William Abadie entregar seu francês Denis na tela (felizmente não forçaram que na França se fala inglês o tempo todo!) com poucos atos, mas sendo ao menos marcante.

Visualmente é inegável que nos foi entregue uma produção gigantesca, que mesmo sendo forçada de situações, tem efeitos bem trabalhados e chamativos aos montes, sendo o famoso road-movie acelerado com cenas imponentes de tsunami, de guerras com muitos tiroteios e explosões, tempestades fortíssimas, terremotos e tudo mais, seguindo bem o que vimos no primeiro filme, só que com proporções mais assustadoras de um certo modo, ou seja, a equipe de arte, e principalmente a equipe de computação gráfica trabalhou muito bem.

Enfim, é um filme que volto a frisar que dava para ter sido inserido no final do primeiro com mais alguns momentos e o resultado ficaria incrível, mas como resolveram lançar esse algo a mais na tela, com uma duração nem tão longa, poderiam ter caprichado um pouco mais na história para ser convincente ao menos. Vale apenas como um bom passatempo, para aproveitarem a Semana do Cinema com ingressos mais baratos, mas não vai ser nada que você lembre daqui alguns dias que viu. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Netflix - Uma Carta à Minha Juventude (Surat Untuk Masa Mudaku)

Costumo embarcar bem em longas mais sentimentais, porém gosto de ser surpreendido quando entregam aquele algo a mais que vai além da emoção preparada, e hoje precisava talvez de um filme que me fizesse quebrar algumas situações para embarcar, de tal forma que o longa indonésio da Netflix, "Uma Carta à Minha Juventude", parecia que seria a trama ideal para o momento, por trabalhar órfãos e até mesmo o luto como um baque possível para ter boas dinâmicas. Porém acabaram fazendo um filme tão linear e previsível, que a emoção acaba não acontecendo como deveria, e isso não me deixou com um filme ruim para conferir, pois as dinâmicas até que tem um bom sentimento na tela, mas a linearidade e a previsibilidade não foram suficientes para fazer com que o espectador quebrar o eixo total, e isso pesou no resultado.

O longa nos conta que um jovem rebelde tem o seu caminho traçado com um cuidador introspectivo durante a sua passagem por uma instituição de acolhimento. Apesar de todas as dificuldades, os dois passam a criar uma relação sincera e os traumas de seus passados se tornam o combustível ideal para a manutenção dessa amizade. Promovendo uma reflexão sobre as fases da vida, o longa mostra como as experiências da juventude podem moldar toda a fase adulta.

Diria que o diretor Sim F. trabalhou a história real de um modo simples, porém efetivo, pois a história em si funciona, é bem contada e até mostra um certo envolvimento dos personagens na tela, tendo interpretações bem dirigidas dos pequenos e construindo as dinâmicas com uma leveza simples, porém efetiva. Claro que passa longe de ser algo memorável o que fez, talvez pelo roteiro ser simples também, mas o resultado acaba sendo honesto e funcional, que abre a proposta e cria algo "de homenagem" a uma pessoa que fez a mudança acontecer.

Quanto das atuações, os personagens velhos no começo e no final não me encaixaram bem, parecendo até um pouco artificiais na tela, então vou optar por nem falar deles, mas já entrando diretamente em Agus Wibowo fazendo um Simon inicialmente com um carisma até negativo, introspectivo e fechado, não dando aberturas para nada na tela, até a virada no cemitério com o garoto, passando a ser alguém incrível, cheio das nuances, e sendo daqueles que você realmente tem vontade de abraçar até seu ato de fechamento, ou seja, foi bem demais no que fez. O garoto Millo Taslim entregou muita personalidade para que seu Kefas fosse intenso, tendo leves incômodos pela forma que fez algumas dinâmicas, mas sabendo bem da vida do jovem dá para entender. Outra que foi bem na tela, mas um pouco mais em segundo plano foi Aqila Herby com sua Sabrina mandona, cheia de traquejos, e que foi até engraçado que a versão adulta ficou muito parecida com ela, então souberam escolher bem o elenco. Ainda vale alguns leves destaques para Willem Bevers com seu Wahyu fazendo boas conexões, e também para os garotinhos Halim Latuconsina com seu Boni e Jordan Omar com seu Romi, mas sem irem muito além.

Visualmente a trama ficou bem fechada dentro do orfanato, saindo poucas vezes para ir na escola das crianças e também na funerária aonde trabalharam um visual meio carismático demais para um lugar desse estilo, mas nada que irritasse tanto quanto o estilão do dono, e dentro do orfanato tivemos alguns bons momentos nos eventos beneficentes e alguns exageros nas refeições, mas sem grandes chamarizes, valendo claro ver os ensaios do coral e toda a dinâmica em cima da música famosa Kidung que toca umas dez vezes ou mais no longa.

Enfim, é um filme bacana, honesto e que entrega bem a proposta na tela, mas que faltou emocionar mais para que ficasse bem melhor, e assim sendo diria que não atingiu o objetivo que eu procurava hoje que era de me envolver mais com um longa, e assim sendo recomendo ele com algumas ressalvas a mais. E é isso pessoal, eu fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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Zafari

A proposta do longa venezuelano "Zafari" é bem simples, porém fortíssima, até onde a fome não nos transforma de animais racionais para irracionais? Principalmente quando diferentes situações passam a acontecer, como falta de luz, de água e de qualquer indício de melhorias para se conseguir o básico. E acaba sendo daqueles filmes que você se prende nele, tenta pensar no que faria, como a situação poderia ir para outros rumos e tudo mais, com facetas bem expressivas pelos protagonistas, mas com um contexto tão atual e real, que poderíamos passar horas discutindo toda a temática entregue, ou seja, vem tantos sentimentos com o que vai acontecendo, desde o início conflitivo com as pessoas do outro lado, toda a essência do animal recebendo comida e eles não tendo, a junção de classes no mesmo ambiente, e as negociações e roubos, até o desespero final sendo marcante pelo lado animal dominar sobre o racional, com imposição e impacto funcionando como uma experiência maior do que apenas um filme.

A sinopse nos conta que num pequeno zoológico em Caracas, a chegada do hipopótamo Zafari é comemorada por vizinhos de diferentes classes sociais. Uma família acompanha as comemorações da janela de seu apartamento em um condomínio decadente de classe alta. Em meio ao caos gerado pela escassez de alimentos, água e energia elétrica, a família precisa resolver problemas cotidianos enquanto tenta encontrar uma solução para deixar o país. A mãe, Ana, percorre o prédio à procura de comida nos apartamentos abandonados, mas ruídos estranhos pelos corredores escuros a amedrontam cada vez mais. Num mundo cada vez mais selvagem, Zafari é o único que ainda tem o que comer.

Já tinha falado bem da diretora e roteirista venezuelana Mariana Rondón em seu longa anterior "Pelo Malo", e aqui ela volta a entregar muito com seu estilo, sem precisar criticar elos políticos ou dinâmicas do seu país de uma forma escancarada, mas brincando com a faceta do terror/suspense e colocando tudo como uma distopia fora do comum, acaba abordando situações que muitos sabem que acontecem por lá, e sendo uma das poucas realizadoras do país no momento, conseguiu envolver toda a situação com uma cadência primorosa e cheia de nuances, aonde a ideia vai além, mas que sem deixar o fio solto acaba segurando o público com a essência e com todas as dinâmicas. Ou seja, é um filme aonde vemos a mão da diretora em cima de uma ideia alegórica, mas que não deixa a realidade e a discussão fora do ar, e isso é brilhar com poucos instrumentos e acertar sem forçar.

Quanto das atuações, a protagonista Daniela Ramírez fez uma Ana atuante e marcante, transmitindo bem a sensação para o espectador de como as coisas estão andando, tentando fazer e trazer a comida para sua família, indo nos imóveis vazios e vendo o que conseguia para seu meio ficar mais normal como uma mãe de família faria, e com olhares densos e incrédulos foi mudando a concepção de tudo conforme se viu jogada, ou seja, fez bem e chamou para si a responsabilidade, agradando e se impondo. Da mesma forma, Francisco Denis trabalhou seu Edgar meio que de forma mais jogada, parecendo aceitar o rumo que as coisas estão tomando, mas não querendo se rebaixar, até o ponto que se perde por completo pelo desespero social e depois pela fome em si, e assim o resultado impacta e o ator soube passar bem a essência na tela. Entre os demais, diria que as expressões de Varek La Rosa com seu Bruno foram bem marcantes, mas poderia ter trabalhado alguns diálogos para chamar mais atenção; e Samantha Castillo fez uma Clara bem densa e cheia de traquejos para não se deixar levar na tela, trabalhando diretamente qualquer diálogo em sua direção.

Visualmente posso dizer que o longa foi muito rico de detalhes, tendo diversos apartamentos abandonados por onde a protagonista vai entrando e procurando comida e o que pudesse levar para seu apartamento, com destaque claro para os guardanapos natalinos que acabaram ocupando dupla função, tivemos o contraste entre os dois prédios, a forma de viver em conjunto bem indisposta entre as duas classes sociais, uma floresta rica ligando ambos os lugares, e claro o hipopótamo robusto tendo sua comida roubada pelos grupos. Ou seja, é o famoso filme que tudo serve para representar em detalhes uma decadência e a situação aonde os personagens vivem, com cada elemento sendo muito bem usado pela direção, não fazendo o trabalho da equipe de arte ser jogado em vão.

Enfim, é um filme bem interessante, com uma proposta intensa e marcante para refletir sobre não só a situação de um país, mas talvez de muitos num ambiente distópico futuro, que vale a conferida para algo a mais do que apenas um entretenimento, mas que também agrada como algo gostoso de ver na tela. Então fica a dica para a conferida a partir da próxima quinta 05/02 em cinemas selecionados, e eu fico por aqui hoje agradecendo a Vitrine Filmes e a Sinny Assessoria pela cabine, então abraços e amanhã com mais dicas.

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Alerta Apocalipse (Cold Storage)

Confesso que hoje fui ao cinema esperando outra coisa, depois do tanto de propaganda que vi antes das sessões de vários filmes, sobre "Alerta Apocalipse", pois no trailer e na propaganda citava "Zumbilândia", citava produtor disso, diretor daquilo, roteirista daquele outro, mostrava toda uma pegada chamativa e tudo mais, de tal forma que a sala para um sábado a tarde de fim de mês estava razoavelmente lotada, mas embora seja um filme com efeitos até bem trabalhados e atores chamativos, rápida demais, que não consegue se desenvolver na tela, entregando um fungo, uma história do passado, uma acelerada para o presente, ladrões, mortes e conversas de soldados, fim. Sim, resumi o longa em meia dúzia de palavras, e não estou sendo sucinto demais, pois ficou parecendo que no trailer tinha até mais história do que o próprio filme. Ou seja, não é algo ruim o que é mostrado, mas ficou sendo praticamente uma amostra de algo que pensaram muito e resolveram cortar tanto que não sobrou para a tela, ficando frouxo demais para empolgar, o que é uma pena.

O longa segue a história de Robert Quinn, um agente bioterrorista do Pentágono que é o único capaz de deter um estranho organismo altamente mutante. Este organismo escapa de seu armazenamento em uma instalação governamental, causando uma epidemia global e potencial destruição em nível de extinção. Quinn se reúne com um grupo improvável de civis que lutam por sua própria sobrevivência; juntos, eles são a única esperança de salvar a humanidade. Além da ameaça biológica, eles enfrentam desafios internos, incluindo desconfianças e conflitos pessoais

É interessante observar que esse pode ser considerado mesmo o primeiro longa dirigido por Jonny Campbell que já ganhou muitos prêmios por suas mini-séries e filmes curtos para a TV, de modo que talvez por isso ele quis fazer algo tão rápido na telona, porém ele esqueceu que filmes podem sim serem curtos de essência desde que se desenvolva bem tudo na tela, não precisando de explicações e dinâmicas para isso, ou seja, ele pegou o texto de David Koepp, que é um dos roteiristas mais aclamados de produções de ficção, e adaptou como um resumão para média-metragem, o que volto a frisar que não ficou ruim de ver, mas fazendo uma comparação esdrúxula seria como se você pagasse uma viagem para ver uma super luta de dois grandiosos nomes de peso, e ao soar o gongo o cara dá um soco e o outro já vai para o chão, ou seja, hoje nas lutas até temos várias antes para não se perder a viagem, mas em um filme isso é algo que não deve acontecer. Claro que não queria um filme de 3 horas enrolando, mas se vai se classificar como um longa-metragem, ao menos faça valer o ingresso, o que acabou não acontecendo, pois nem dá tempo de você se impactar com o fungo da trama, muito menos com as mortes, e menos ainda com a salvação.

Quanto das atuações, diria que Liam Neeson foi usado de uma maneira divertida dentro do seu estilo, fazendo com que seu Robert tivesse uma certa imposição e preparação para resolver qualquer problema do Pentágono nas áreas mais remotas, não exigindo muito do ator que fez até os traquejos tradicionais que a velhice representa nas costas. Tivemos um Joe Keery com seu Travis mais falante do que papagaio perto de estádio, chegando a incomodar o tanto que fala, mas sabendo brincar bem nos atos mais desesperados. E tivemos uma Georgina Campbell bem disposta a entregar tudo com sua Naomi, demonstrando curiosidade e desenvoltura em muitos atos, sabendo se jogar para o filme fluir. Quanto aos demais diria que valeu a entrega rápida de Lesley Manville com sua Trini, e o jeitão zumbi maluco que até antes de se transformar Rob Collins já estava suando em bicas.

Visualmente o longa não desaponta nem um pouco, tendo assim como o nome original diz um grande depósito frio, aonde as pessoas levam suas tralhas para ficarem guardadas por anos, sendo montado em cima de uma grande estrutura militar antiga, que na primeira parte do filme nos mostra nos anos 70 a captura do fungo em algo caído da NASA, depois tivemos bons momentos com os zumbis e até dentro do interior do corpo vendo como o fungo se alastra e domina o corpo que foi invadido, tivemos boas explosões corporais, e muito vômito e gosma, além de bichos cheios de dinâmicas interessantes, ou seja, o melhor do filme é o conceito visual e sua entrega na tela, que valeria muito mais tempo sendo mostrado.

Enfim, é um filme que tinha potencial, mas que ficou resumido demais com toda a pegada que tinha para entregar algo imponente, expressivo e até mesmo mais irônico se quisessem brincar mais ao invés de deixar ele com uma cara "séria", mas ainda assim é um rápido passatempo, então quem não ligar para histórias exageradamente resumidas, vale a conferida. E é isso pessoal, hoje o dia não foi tão produtivo como parecia, mas fechei os filmes dos cinemas, amanhã volto para as cabines e streamings da vida, então abraços e até breve.

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O Primata (Primate)

Acho engraçado quando fazem terrores que entregam mais violência do que tensão, pois acabamos conferindo tudo sabendo que não vai chegar a lugar algum, apenas tendo sangue escorrendo pela tela com um fechamento máximo de vermos todos da tela mortos ou alguém sobrevivendo para contar em alguma continuação. E o mais interessante do longa "O Primata" é que boa parte do que acontece já tinha sido mostrada no trailer, ou seja, já fui conferir esperando os devidos atos serem apenas sinalizados na tela. Claro que a violência em si consegue impactar quando muito bem feita na tela, mas aqui tudo é bem básico, e assim saí da sessão apenas do mesmo jeito que entrei.

A sinopse nos conta que uma jovem chamada Lucy retorna da faculdade para passar alguns dias de férias na casa da família no Havaí. Nesse reencontro, Lucy se reúne com o pai, a irmã mais nova e o chimpanzé de estimação Ben. Ben foi criado como um membro da família pela falecida mãe de Lucy, que era uma cientista e acolheu o animal desde pequeno. O que deveriam ser férias de verão tranquilas ao lado dos amigos e parentes, torna-se uma aterrorizante luta pela sobrevivência quando Ben é mordido por um bicho silvestre e contrai raiva. Agora, todos serão obrigados a buscar refúgio no único lugar temido por Ben: a piscina da casa, enquanto o animal causa um terror absoluto entre os presentes.

O diretor e roteirista Johannes Roberts soube brincar com o estilo, entregando bons atos de gritos e estraçalhamentos de corpos, com uma entrega até que bem trabalhada misturando computação e animatrônicos, mas faltou trabalhar um pouco mais os personagens para que não fossem tão fracos e jogados para impactar o público. Ou seja, vemos um filme cheio de intensidade, mas que é vazio de chamariz, é assim ao final já nem estamos torcendo tanto pelas pessoas sobreviverem, pelo contrário, até torcemos pro macaco matar logo elas, é isso é algo "ruim".

Já falei que as atuações foram fracas, mas vale dar leves destaques para Johnny Sequoyah com sua Lucy meio sonsa, mas conhecendo o macaco bem; também tivemos Jess Alexander com sua Hannah meio apática, porém se impondo em alguns momentos; e também tendo alguns atos de linguagens de sinais, o que funciona bem em filmes assim, o ganhador do Oscar, Troy Kotsur com seu Adam, mas sem ter algo que fosse extremamente chamativo na tela. Quanto aos demais, suas cenas estraçalhados foram melhores do que falando, então melhor bem falar nada.

Visualmente a equipe usou muito sangue cenográfico, tivemos mortes marcantes, é uma locação bem intensa da casa em cima de um penhasco, de modo que valeria trabalhar mais o ambiente, pois era um lugar bem bonito, e um outro detalhe que abusou das cenas escuras, o que sempre vale em terrores, mas não dá a qualidade necessária.

Enfim, é um filme interessante, que tem pegada, com uma história simples e atuações fracas, aonde o resultado até vale como um passatempo forte, mas nada demais. E é isso meus amigos, fico por aqui y, mas vou conferir mais um longa hoje, então abraços e até mais tarde.

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Socorro! (Send Help)

Nem lembro quando foi o último filme raiz mesmo do Sam Raimi, pois meio que optou apenas pelas produções ao invés de botar a mão na câmera e causar realmente como fazia no seu auge, mas aqui com "Socorro!" temos daquelas tramas violentas, com sacadas cômicas bem apropriadas para o tema, e que dá para imaginar o longa feito de diversas formas possíveis, aonde vemos intensidade e desenvoltura por parte dos protagonistas, e que como costumo dizer, acaba sendo até bacana imaginar a ideia do filme se acontecesse conosco (Eu resumiria o filme em uma frase bem simples: só sobrou eu, vamos embora e cancela o restante do resgate!). Ou seja, é um longa que tem uma ousadia bem colocada na tela, que força um pouco a amizade com algumas situações, mas que no resultado completo acaba agradando.

O longa nos conta que Linda Liddle é uma funcionária exemplar e inteligente de uma empresa comandada por um chefe intransigente e machista chamado Bradley Preston. O relacionamento profissional conturbado da dupla será levado ao extremo quando os dois colegas viram os únicos sobreviventes de um acidente de avião. Presos numa ilha deserta no meio do nada, Linda e Bradley são obrigados a enfrentar os velhos ressentimentos de sua relação e trabalhar juntos para tentar sobreviver nas condições inóspitas do local. O que, porém, eventualmente, ocorre é um jogo de poder e hierarquias que vira de cabeça para baixo as dinâmicas pré-estabelecidas entre os dois. Uma série de reviravoltas, então, coloca Linda e Bradley numa batalha pela predominância enquanto esperam um resgate.

Claro que a história em si, principalmente pelos atos finais, vai lembrar um pouco "Triângulo da Tristeza" (e isso é um spoiler imenso), mas o diretor Sam Raimi soube criar tantas desenvolturas antes dos atos finais, mostrar situações de inversão de valores de dominância, que o filme tem ao mesmo tempo pegadas cômicas e cheias de astúcia, com atos densos, violentos e de sustos, aonde a essência em si mostra muito do jeito tradicional que conhecíamos antes de virar diretor de fama, e assim o resultado acaba sendo muito satisfatório principalmente por isso. Ou seja, vemos uma trama aonde tudo leva a possíveis discussões, de como argumentar alguns problemas, de como tratar e ser tratado em diversos ambientes, e claro, estar preparado para o pior, pois aprender em um meio hostil é algo que ninguém irá lhe dar todos os caminhos das pedras.

Quanto das atuações, foi bem bacana praticamente usarem só os dois protagonistas, tendo alguns personagens de enfeite no começo e no miolo, mas completamente esquecíveis, ou seja, deixaram para que a dupla entregasse tudo e mais um pouco. E começando a falar de Rachel McAdams, que  a equipe de maquiagem conseguiu deixar ela feia para sua Linda, mas que a protagonista foi se soltando, criando vértices e desenvolturas como realmente uma experiente "Survivor", aonde vai criando as devidas nuances para chamar o papel de seu, e o resultado acaba florescendo e divertindo na tela, ou seja, em poucas palavras deu show. Agora quem apareceu bem diferente na tela foi Dylan O'Brien com seu Bradley, de tal forma que não reconheci o ator em momento algum, mas mostrou que ainda tem imponência e acabou sendo daqueles chefes que qualquer um desejaria matar ao invés de ajudar, e claro que conforme ele foi entregando suas nuances, mais passávamos a conhecer suas astúcias que sempre falhavam, ou seja, encaixou bem demais com o que precisava fazer.

Visualmente trabalharam bem o escritório bem tradicional, a casa da protagonista com seus vários livros de sobrevivência, e no avião ainda mostram sua inscrição para o tradicional reality do estilo, ou seja, prepararam bem o espectador para tudo que viria a acontecer depois. Criaram bem um acidente aéreo impactante com cenas fortes de mortes, e depois na ilha vemos as construções de sobrevivência, as comidas que fazem, dicas de frutas e animais com venenos, sacadas com armas e até algumas caças, que funcionaram bem na tela. Não conferi o longa em 3D, mas é notável a quantidade de cenas colocadas para vir em primeira pessoa ou até mesmo com elementos fora da tela, então quem for conferir com a tecnologia pode vir falar depois nos comentários se realmente ficou legal de ver.

Enfim, é um longa que funciona, diverte, mas que tem um final meio que premeditado bem antes de acontecer, forçando um pouco demais a barra para aceitarmos certas situações, porém é violento do jeito que gostamos, e com sacadas divertidas para rirmos, então agrada e vale a recomendação. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Song Sung Blue: Um Sonho a Dois

Costumo dizer que é tão legal conferir filmes biográficos de pessoas que nunca sequer ouvimos falar, pois você não fica esperando acontecer as coisas que sabe, e tipo a cada reviravolta ou acontecimento você vê seu queixo caindo e vai pegar ele no chão. E sequer um dia na minha vida pensei em quem fosse Relâmpago e Trovoada, quanto mais de que eram os intérpretes mais famosos do cantor Neil Diamond (que eu conheço 2 músicas dele e nem sabia que era dele!), mas que conseguiram transformar em um filme tão bacana e impactante com "Song Sung Blue - Um Sonho a Dois", que o resultado acaba fluindo fácil e de forma gostosa de conferir e descobrir a vida desses dois músicos que tiveram muito impacto nos anos 80/90. Uma coisa que recomendo, e que vou falar bem pouco, é que não procure conhecer nada antes de conferir, para que os impactos sejam bem funcionais com você, pois realmente eles foram bem azarados em algumas situações, e o filme agrada justamente por mostrar o quanto o apoio em uma dupla é muito necessário, e sendo assim agrada.

Baseado em uma história real, o longa acompanha a jornada de um casal azarado de Milwaukee, Mike e Claire Sardina. Mike Sardina era um imitador do cantor Don Ho quando, numa feira estadual, conhece Claire enquanto ela sobe no palco para se apresentar como Patsy Cline. Ambos músicos com aspirações grandiosas, a dupla acaba se tornando um ícone local quando formam uma banda de tributo a Neil Diamond, uma decisão que muda por completo a vida dos dois artistas. Nessa jornada musical, o casal experimenta o sucesso e a desilusão.

É interessante observar que o estilo do diretor Craig Brewer é mais puxado para a comédia, principalmente pelos longas que fez anteriormente, mas aqui usando como base o documentário que Greg Kohs fez em 2008 sobre a banda, conseguiu trabalhar bem o ritmo, não imprimiu um musical nato aonde os personagens falam cantando (felizmente), mas sim uma trama musical sobre uma banda, sobre os problemas familiares, e claro sobre o não desistir quando tudo parece perdido (aliás o trailer mostra já uma das cenas complexas, então se não quiser estragar a experiência, nem veja o trailer). Porém acredito que assim como eu, muitos também conhecem poucas canções de Neil Diamond, e acabarão surpresos tanto pelas canções bacanas mostradas, quanto pela desenvoltura dos protagonistas cantando, atuando e sendo marcantes, ou seja, uma direção primorosa em cima da história, que claro foi enfeitada para ficar mais densa na tela do que a vida real dos personagens, mas ainda assim muita coisa foi verdadeira na telona, e o diretor acertou em muitas escolhas.

E continuando a falar das atuações, Kate Hudson conseguiu merecidamente sua indicação ao Oscar pelo papel de Claire, pois a atriz foi imponente em diversos atos, nos momentos a base de remédios foi intensa e marcante, e além de puxar um carisma imenso em diversos atos, ao ponto de que o protagonista quase chega a ficar apagado, mas felizmente se doou muito e acertou na entrega, e o mais legal é que vendo a verdadeira atualmente, parece ainda mais com a atriz. Já vimos várias vezes Hugh Jackman cantando no cinema, e aqui seu Mike ficou bem colocado, e entregando um personagem mais seco na tela, com presença e intensidade, mas parecendo não ter a química emocional que o papel pedia, ou seja, foi bem no que fez, mas podia ter ido muito além. Quanto aos demais, vale dar destaque para Michael Imperioli com seu Mark como um bom amigo, Jim Belushi com seu Tom bem emocional e divertido, Fisher Stevens como o empresário e dentista do protagonista, mas principalmente quem deu muito show na tela pelo ótimo envolvimento foram Ella Anderson com sua Clare, e o garotinho Hudson Hensley com seu Dana bem marcante.

Visualmente o longa teve uma representação cênica de época bem bacana com roupas, estilo de shows e principalmente pelas locações em si, tocando em bares, teatros e até mesmo na abertura de um show do Pearl Jam com um Eddie Vedder novinho cantando com eles (que John Beckwith entregou), além claro das cenas mais densas e fortes após o acidente, aonde representaram muito na tela com um realismo bem bacana.

Enfim, é daqueles filmes que com poucos ajustes se tornaria uma obra de arte, mas que da forma entregue ainda é bem interessante e gostoso de conferir, que claro deixo aqui a trilha sonora completa com os protagonistas cantando, recomendo claro o filme para quem curte o estilo. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Amazon Prime Video - Dupla Perigosa (The Wrecking Crew)

Costumo dizer que tem dias que o que mais precisamos conferir não é um longa que nos faça pensar e refletir, ou até mesmo ver uma grande obra intensa e marcante, mas sim algo totalmente para passar o tempo com uma boa dose de pancadaria e com cenas que você olhe e fale: "estão de sacanagem com minha cara", e releve, afinal está ali apenas para curtir e deixar rolar. E hoje era um desses dias, depois de ficar dois dias com extrema preguiça de dar play em algo nas telinhas, vi o lançamento da Amazon Prime Video, "Dupla Perigosa", e o dedo do play saiu apertando sozinho, e felizmente o filme não é ruim, claro que passa longe de ser algo memorável, mas cumpre com a proposta de pancadaria com alguma história, e assim agrada quem curte o estilo. Agora gostaria de saber o motivo que o diretor usou tantas cenas em plano-sequência, pois ficou parecendo uma obrigação técnica, que não atrapalha o resultado, mas é tão desnecessário fazer o dublê e/ou o ator ensaiar a cena 200x antes que tudo funcione ao invés de cortar e depois montar, que fiquei encucado.

O longa acompanha dois meio-irmãos precisam trabalhar juntos para desmascarar uma conspiração cabulosa que envolve a morte do pai da dupla no Havaí. Irmãos distantes, Jonny e James precisam se reconectar após a perda misteriosa e inesperada do pai. Enquanto um é um policial inconsequente, o outro é um disciplinado membro da marinha. Enquanto eles buscam pela verdade, segredos há muito escondidos revelam uma conspiração que ameaça o laço familiar.

O mais bacana de tudo é que o diretor Angel Manuel Soto começou grandioso com "Besouro Azul", um projeto audacioso que acabou dando mais ou menos certo de um modo positivo, e aqui ele pôde se soltar mais, brincando com cada elemento da trama, conseguindo passar uma química bem bacana entre a dupla de brucutus, e mesmo exagerando nos planos-sequências, soube entregar algo fácil e divertido de acompanhar, aonde nem mesmo os personagens se levaram muito a sério. Ou seja, é daquelas histórias que você fica se perguntando quem em sã consciência pensou em colocar esses dois como meio-irmãos, e mais ainda trabalhar com a Yakuza no Havaí, e o resultado mesmo sendo maluco dá certo como um bom passatempo deve ser.

Quanto das atuações, posso dizer de cara que Jason Momoa estava tão solto e se divertindo com seu Jonny, que até mesmo nas cenas mais fechadas ele jogava alguma piadinha solta, fazia alguma traquinagem, e ainda botava banca, ou seja, brincou com o personagem fazendo o que gosta. Por um outro lado, Dave Bautista anda querendo bancar personagens mais sérios, e sabemos que não é algo que combina com seu estilo, de modo que seu James funciona mais para contrapor o outro protagonista, e claro para sair batendo, fora que a barba lhe deixou velho demais pro personagem, mas isso é algo que não atrapalhou no resultado final, pois esse jeito mais fechado acabou sendo engraçado de ver. Agora gostaria de saber qual diretor de elenco falou que Claes Bang combinava como o vilão do filme Marcus Robichaux, pois até passou uma banca de empresário rico, mas nas cenas de luta e tensão ficou falso demais na tela, não combinando tanto com o papel. Ainda tivemos alguns gracejos com um elenco invejável, tendo a brasileira Morena Baccarin como namorada/esposa de Jonny meio que de enfeite, mas sendo bem usada na perseguição, Jacob Batalon sendo um ajudante cômico do grupo, e até a garotinha do filme do Stitch, Maia Keloha fazendo suas dancinhas na tela no final.

Visualmente o longa teve boas cenas nas casas dos protagonistas, tendo na de Jonny uma luta exageradíssima cheia de quebra-quebra, sendo bem imponente, também tivemos uma perseguição numa rodovia que ficou computadorizada demais, com carros voando e rolando com tiros e tudo mais, sendo bacana para o estilo de filme, mas poderiam ter caprichado mais para não ficar tão falsa, e na mansão do vilão primeiro tivemos uma festança e depois no final muitos tiros e porradas, com o pessoal da Yakuza forçando um pouco a barra esperando o mocinho ir em direção a eles, tudo em fila organizado demais, isso sem falar na abertura do pai andando pela cidade numa festa de Ano-Novo chinês no Havaí todo rm plano-sequência bem orquestrado, mas sem necessidade.

Enfim, é um filme forçado, porém bacana e divertido de assistir, contando também com uma trilha-sonora engraçada para os diversos momentos da trama, que já disse e repito que serviu bem como um passatempo para quem esperava exatamente o que o longa iria proporcionar, então bom play para todos. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve, afinal nessa semana temos muitas estreias, então abraços e até logo mais.

PS: a nota até poderia ser maior, mas os atos computacionais e coreográficos me incomodaram um pouco demais como crítico, então não pude relevar nesse sentido.

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