Costumo dizer que as comédias dramático-românticas argentinas/uruguaias costumam ser tão cheias de dinâmicas que impactam bem mais na essência do que na história em si, mas quando resolvem não se deixar levar pelo estilo novelesco acabam ficando bem interessantes de ver na tela. E hoje depois de uma caça bem grande entre os streamings resolvi ver o longa "Nada Entre Nós", que mesmo sendo um lançamento, pode ser encontrado bem escondido dentro da HBOMax (aliás achar os lançamentos por lá é quase uma briga, só recebendo mesmo a programação nos e-mails para caçar na busca) e traz com uma pegada diferenciada o relacionamento de dois executivos numa convenção de resolução de problemas de uma companhia. Ou seja, é daqueles filmes que você nem sempre consegue se enxergar ali, mas que interpreta bem pela pegada dos personagens, sendo algo sutil, mas que funciona na tela, não indo para rumos forçados, mas também sem causar, o que acaba sendo inteligente pela proposta em si.
O longa conta a história de Guillermo, um trabalhador executivo que vive na Cidade do México, e Mercedes "Mechi", uma empresária de Buenos Aires. Por mais que eles tenham famílias aparentemente estáveis, os dois trabalham para a mesma multinacional e se encontram em um evento corporativo. Logo de cara, Guillermo e Mechi se sentem atraídos um pelo outro e esse sentimento avassalador os leva a questionar as escolhas que fizeram ao longo da vida. No meio disso, a empresa passa por uma grande crise e eles precisarão encontrar o limite entre desejo e profissionalismo mostrando como um encontro inesperado pode transformar o destino de duas pessoas.
Diria que o diretor e roteirista Juan Taratuto foi bem na dinâmica escolhida para seu longa, pois ele não quis um romance simples cheio de cenas docinhas que fizessem o espectador apenas suspirar, mas sim trabalhar as dinâmicas de um encontro com uma paixão rápida que ambos sabiam que não dava para ir muito além, mas que vivenciariam os momentos de uma forma gostosa bem encaixada. Ou seja, é daqueles filmes que você vê o texto mais realista como um amor de momento do que algo fantasioso que pode se esperar ruir um casamento ou uma desenvoltura própria que alguns diretores gostam de colocar, e que usando de poucos ambientes e dinâmicas, aqui a essência foi mostrar que pessoas bem diferentes conseguem se envolver através dos erros, e isso foi bem bacana de conferir.
Quanto das atuações, gosto do estilo calmo que Gael Garcia Bernal entrega em seus longas, e aqui seu Guillermo mostra algo tão costumeiro das novas gerações, que é o excesso de trabalho, de pensar em tudo que o zumbido nos ouvidos acaba sendo um reflexo da exaustão, e que muitas vezes a maioria dos médicos diz que não é nada, e o ator foi sutil, emocional e até bem galanteador nas suas entregas com o personagem, de modo que sem se jogar tanto conseguiu chamar a atenção. Do outro lado Natalia Oreiro foi mais explosiva com sua Mechi, tendo um estilo com mais nuances abertas na tela, passando até mais sentimentos com sua forma de expressar na tela, e isso foi bacana de ver pelas escolhas do diretor em trabalhar um pouco mais as dinâmicas de sua família, ou seja, o filme quase foi mais dela do que do outro protagonista. Quanto aos demais, foram meros figurantes com falas, não tendo quase nada que valesse destacar.
Visualmente o longa teve mais cenas dentro do hotel, com algumas dinâmicas nos quartos dos protagonistas, no restaurante de café e alguns momentos em lugares paradisíacos como uma praia e uma cachoeira próximo do local, não tendo grandes feitos no conceito artístico, usando mais a referência em cima de uma camiseta ganhada da empresa aérea que perdeu a mala da protagonista, e também alguns atos em um centro de compras clandestino sem grandes facetas também.
Enfim, é um bom filme, simples e efetivo na proposta, que talvez pudesse ter ido mais além, mas que entreteve bem, e que mesmo não sendo meu estilo favorito de filmes conseguiu me manter assistindo, então vale a recomendação para quem curte. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais textos, então abraços e até logo mais.
Muitas vezes vemos nos jornais e até mesmo em filmes o complexo caso dos refugiados que fogem de seus países em guerra através de botes para tentar chegar na Europa, e muitas vezes acabam morrendo no meio do oceano sem comida ou qualquer condição decente de sobrevivência, e vem sempre dois questionamentos na mente entre muitos outros, primeiro o que leva a pessoa a entrar numa empreitada maluca dessa, e segundo como agir diante de uma situação dessa, pois os países europeus já estão ficando lotados, alguns grupos são favoráveis, outros já tratam como algo mais conflitivo de culturas, mas ainda assim fica a principal dúvida como você poderia ajudar, o que faria, e por aí vai. Usando dessa base e juntando com a história real que aconteceu entre 2016 e 2024, o longa alemão da Netflix, "23.000 Vidas", acaba sendo tão denso e realista de entregas, que lá pela metade cheguei a pensar que estava vendo algo documental ao invés de uma ficção baseada na realidade, e essa entrega dos atores foi tão bem alocada na tela que mostrou sentimento de presença e uma boa conexão dos jovens com a ideia do longa, ou seja, é um filme que talvez ficcionalmente não funcione tanto, mas que pela entrega das dinâmicas acabou funcionando até mais do que parece, sendo interessante a conferida.
A trama conta a trajetória de um grupo de jovens que decidiu agir diante da crise humanitária de refugiados. Determinados a fazer a diferença, eles transformaram a indignação em ação concreta. Sob o nome de “Juventude ao Resgate” (Jugend rettet), os jovens arrecadaram dinheiro e compraram um navio antigo. Com a embarcação, eles partiram para o Mediterrâneo e conseguiram salvar a vida de 23 mil pessoas. O título do filme, portanto, é uma homenagem a cada uma dessas vidas resgatadas pela coragem e pela solidariedade.
Diria que faltou para o diretor Markus Goller coragem de abrir mais o leque da biografia para um vértice mais ficcional, pois dava para valorizar tanto algumas cenas, criar mais dinâmicas, e até mesmo fluir um pouco para dentro do julgamento, fazendo com que o filme fosse quebrado com os depoimentos mostrando os resgates, que acabaria dando bem mais vida e personalidade na tela, além de não desgastar tanto os atores com excessivos diálogos, mas ainda assim ele soube transpor bem para a tela a história dos rapazes e suas desenvolturas, ficando realista até demais ao ponto de me confundir achando que estava vendo um documentário e não uma história baseada. Ou seja, temos a famosa frase que errando ele acabou acertando, pois em termos funcionais houve o acerto, mas dava com pouquíssimos ajustes para ser daqueles filmes que lavaríamos a sala assistindo.
Quanto das atuações deram uma boa surra no protagonista, pois Louis Hoffmann começou a trama arrumadinho, com uma personalidade jovem, cheio de vontade para que seu Lukas salvasse o mundo salvando os refugiados da morte no oceano, mas sabemos o quanto é desgastante ver as pessoas morrerem, sofrerem, e principalmente estar no meio do mar por longos períodos, de modo que a equipe de maquiagem conseguiu mudar até as feições do rapaz com cabelo e tudo mais, ou seja, ele literalmente se jogou no papel, provavelmente viveu algum período com o verdadeiro Lukas, e assim conseguiu chamar a responsabilidade quase que inteira do longa para si, indo muito bem no que fez. o longa teve ainda muitos outros bons atores, cada um dando sua vivência na tela, com destaque para Frederick Lau com seu Sören bem impactante, a capitã do navio vivida por Maria Dragus, entre outros.
Visualmente a equipe foi muito esperta, pois teve apenas uma cena com o mar completamente revoltado, aonde provavelmente filmaram em estúdio, e as demais cenas de resgate foram de dia, com mar calmo, tendo os botes lotados de figurantes, mas fazendo todo o processo certinho, e tudo mais, além disso tivemos algumas cenas de reuniões e dinâmicas no escritório que fizeram, além da casa do protagonista, tudo com bons detalhes para representar os ambientes, mas sem irem muito a fundo nas épocas, o que por ser algo atual também não precisou de muita coisa. Ou seja, a equipe foi simples na entrega, mas efetiva com o que desejavam passar.
Enfim, é um filme que volto a frisar que faltou detalhes para ficar mais chamativo, e principalmente conseguir emocionar o público com a história, sendo o fechamento tão corrido e narrado na versão do julgamento que nem merecia quase ser mostrado, mas que funciona para refletirmos como alguns possuem tanta coragem de se jogar no mar para fugir de um país, como outros possuem tanta força de vontade para ir atrás de salvar pessoas, e outros apenas julgam, então fica a dica para ver e pensar. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.
Confesso que estava com muito medo do que veria no novo longa "A Odisseia", pois não era o estilo de filme que o diretor Christopher Nolan costuma fazer, baseado em um livro gigantesco, que nas mãos de um diretor que já tem o costume de fazer filmes extensos poderia virar algo com horas a fio ou uma correria generalizada para entregar tudo, fora que ao começarem a pipocar as principais críticas das sessões de imprensa estava tudo muito fora de consenso com alguns apaixonados pelo que viram e outros botando mil defeitos. E como costumo dizer, ir com expectativas baixas ajuda demais, pois como estava com todos esses temores, acabei largando o meu queixo lá na sala Imax do cinema, afinal a grandiosidade da obra em si, junto de um elenco de grandiosas estrelas do cinema, com um som que fazia todas as poltronas tremerem quase como uma 4DX, tendo uma história realmente sendo contada, sem ser daqueles filmes que tentam passar morais ou reflexões ou todo esse modus operandi chato a beça que virou moda, resultou em algo que saí apaixonado e até com vontade de já rever o longa (coisa raríssima), ao ponto que não tivemos momentos resumidos jogados na tela, não tivemos cenas para enfeitar o doce, sendo algo tão redondo na tela, que mesmo sendo extremamente recortado, com idas e vindas da história, funcionou perfeitamente. Ou seja, é daquelas obras memoráveis do cinema, aonde você se impacta com tudo, e que de forma alguma deve ser visto apenas em casa, tendo de ir na maior sala possível de sua cidade, seja ela nas melhores tecnologias de imagem e som, pois vai compensar e vai ser diferente demais.
O longa é um poema épico atribuído a Homero que acompanha as aventuras do herói grego Odisseu em sua volta para casa após a Guerra de Troia. O guerreiro enfrenta criaturas míticas e deuses em sua jornada épica de retorno onde sua esposa Penélope o aguarda. O rei de Ítaca descreve sua trajetória esbarrando com seres como o Ciclope Polifemo, as sereias e a feiticeira/deusa Circe.
Nem precisaria falar nada do diretor e roteirista Christopher Nolan, pois seus filmes são obras visuais tão marcantes que a sua assinatura já faz o longa ir parar entre os preferidos de muitas pessoas, e aqui posso afirmar que ele conseguiu um feitio raríssimo de um livro gigantesco ser colocado na telona com tantos personagens e não deixar praticamente ninguém nem nenhuma parte ficar desaparecido ou ofuscado, fora que sofreu as mais duras críticas pela escalação de alguns atores que muitos acreditavam ser apenas para lacrar, cobrir cotas e tudo mais, mas que funcionaram bem na tela, não atrapalharam em nada o desenvolvimento da trama, e principalmente deram um tom diferenciado para o filme, ou seja, poderia ser até um animatrônico no lugar que não faria diferença desde que funcionasse para a proposta, e assim o diretor o fez. Além disso, sabendo da grandiosidade da obra, o diretor usou das principais tecnologias do mercado, filmando tudo em amplos ambientes, usando a computação somente aonde deveria realmente ter, e com isso brincou com os ângulos de câmera (praticamente matando o diretor de fotografia para carregar o trambolho gigante que é uma câmera Imax 70), mas conseguiu dar perspectivas e entregas tão perfeitas para cada ato, que você não se cansa de ver um filme de quase 3 horas, que parece ainda maior pela quantidade de história mostrada na tela, ou seja, é a perfeição em forma de filme.
Falar das atuações é algo que poderia ficar longo demais pela grande quantidade de excelentes atores, então apenas digo de cara que todos funcionaram muito bem em cena, não parecendo estarem com medo de seus personagens, dominando o ambiente e sendo responsáveis pelas cenas que tinham que botar suas interpretações. E seguindo dessa lógica, muitos tem falado que Matt Damon entregou um Odisseu morno demais, e diria que para o que o filme pedia ele caiu muito bem nesse sentido, pois é alguém desgastado com tudo o que aconteceu, sobrevivente de seres míticos e tudo mais, e principalmente lutando ainda bem, ou seja, ele fez o que o papel determinava e conseguiu segurar os olhares para seus momentos, então acertou. Na outra ponta tivemos Tom Holland com seu Telémaco cheio de trejeitos, porém ingênuo demais até para um jovem futuro rei, e aí embora tenha gostado do estilo que ele entregou, talvez alguém com uma presença mais forte daria um tom melhor na tela, mas volto a frisar que dentro da ideia toda do diretor acabou funcionando. Já Robert Pattinson soube entrar tão bem na personalidade de Antínoo que acabamos ficando com raiva de seus atos, e até torcendo para ver ele levar um belo safanão do protagonista, ou seja, ele conseguiu trazer força para o papel e se marcar na trama. Ainda tivemos muitos outros bons atores, com Anne Hathaway sendo perfeita com sua Penélope, Himesh Patel entregando um Euríloco imponente e cheio de expressões, Charlize Theron sendo bem dupla com sua Calypso, Samantha Morton bem colocada nas entregas de sua Circe, John Leguizamo cheio de dinâmicas marcantes com seu Eumeu, e até mesmo Zendaya trabalhando sua Atena quase como um reflexo da mente perturbada do protagonista funcionou bem, ou seja, todos foram perfeitos.
Visualmente o longa ficou incrível, sendo daqueles que quase dá para emoldurar frame a frame em um quadro e ficar apreciando, contando com cenas de batalhas épicas, monstros gigantes, palácios, templos, animais, muitas cenas em mares revoltos, figurinos e armas imponentes e chamativas, e sabendo ainda que o estilo do diretor é filmar o máximo que puder em locações, toda a ambientação toma proporções fora dos padrões, pois é quase como se víssemos realmente tudo acontecendo de forma real o que lemos no livro há anos, com brilhos, texturas, locações e tudo mais, sendo daqueles filmes que entram para brigar nas premiações com muita imposição e certeza do que apresentou para o público, não ficando detalhes falsos ou jogados, e principalmente chamando o público para embarcar na jornada grandiosa do começo ao fim, que na Imax ainda ficou mais amplo visto que tudo foi filmado no formato.
Um ponto que costumo falar menos é sobre a sonoridade, mas aqui o trabalho foi tão bem feito que faz parte total do que vemos na tela, quase como um quarto elemento visual, que nos leva a estar junto em todas as cenas, com os barcos se batendo, a chuva, os raios, as marchas, as lutas de espadas e tudo mais com um realismo impressionante que com a sala, as poltronas e tudo mais tremendo com os impactos, ou seja, um trabalho minucioso da equipe para passar esse ar mais sensorial para o público.
Enfim, sei que revendo o longa ou até parando um pouco mais para pensar em detalhes devo achar defeitos para poder reclamar, mas como gosto de passar para vocês exatamente o que senti ao sair da sessão, posso ir no cinema amanhã buscar meu queixo que ele ficou lá caído com tudo o que vi na tela, e assim sendo só vejo a perfeição para dar a maior nota para o longa, e recomendar encarecidamente que todos vejam nas maiores salas do cinema, com o som no máximo para ter o mesmo resultado, e que venham as indicações e prêmios, pois vai ser muito boa as brigas técnicas desse ano. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, agora dos streamings, já que essa semana o Nolan e as animações que já vinham com sucesso roubaram todas as salas para eles, então abraços e até logo mais.
Confesso que hesitei bastante antes de ir conferir o longa "Os Emergentes", mesmo antes de saber a história ou se era algo que me faria rir, apenas pelo nome do diretor Hsu Chien, que faz uma tonelada de filmes por ano, e na maioria das vezes não consegue entregar o básico que é fazer rir em uma comédia, mas resolvi conferir, afinal a proposta parecia interessante, mas bastou alguns minutos para já ver situações exageradas tentando conseguir a risada do público, que para não dizer que não riram, ouvi um leve gargalho em uma das cenas no final, mas não acontece, sendo daqueles que tem uma pegada bagunçada na tela, tem uma dinâmica interessante (felizmente não é uma novelona), mas que amanhã já certamente não lembrarei de nada dele, ou melhor, se ver algo dele virando alguma esquete humorística na TV talvez possa dizer que lembro de algo, pois facilmente virariam personagens quebrados na telinha, porém como filme não engrenou.
O longa nos mostra que uma família tradicional da alta sociedade que vê sua vida virar de cabeça para baixo após perder toda a fortuna. Acostumados ao conforto, ao status e aos privilégios de uma posição privilegiada, eles precisam se adaptar a uma realidade inesperada: agora, trabalham para antigos funcionários que enriqueceram, ascenderam socialmente e passaram a ocupar o lugar de prestígio antes pertencente aos ex-patrões. Com a inversão de papéis como ponto de partida, a história mistura humor, ironia e crítica social ao explorar o choque entre diferentes estilos de vida. Entre situações inusitadas, conflitos e aprendizados, a narrativa aposta em encontros improváveis e transformações inesperadas.
Claro que já vi alguns filmes do diretor que funcionaram, mas o estilo de Hsu Chien Hsin é daqueles que você já se prepara sabendo o que vai ver, que são filmes que forçam todas as situações para tentar ser engraçado, e ele raramente consegue isso, pois são situações cotidianas bobas ou então algo que não se aceita dentro de algo normal. Ou seja, ele criou algo que é o seu estilo, e não sou contra isso, afinal todo diretor deve ter um estilo próprio, porém falta pegada, falta fazer rir, e principalmente falta dinâmicas para que não soe algo bobo jogado na tela, e o mais engraçado de tudo, e que nesse longa até dava para funcionar isso, bastava não apelar para algumas quebras como o lance da jogatina, pois ali ao sair da base dos quatro protagonistas, o filme se perdeu, e aí não teve volta.
Quanto das atuações diria que Nelson Freitas foi quem mais conseguiu segurar o personagem na tela, pois não forçou como costumeiramente faz, de modo que seu Henrique foi simples de exageros, mas condizente com a pegada proposta, que claro poderia ter algumas quebras melhores para divertir, porém se segurou. Já Jennifer Setti trabalhou sua Letícia com uma pegada que até chega a ser engraçada, da madame que nunca fez nada e precisou se virar mesmo com ojeriza das situações, e assim sendo com um pouco mais de texto acabaria divertindo bastante o público. Paulinho Serra sabe fazer piadas e tem um jeitão cômico, mas força demais, e isso acaba incomodando, de modo que seu Inacio tinha que ter mais trejeitos e menos bobeiras na tela, que aí sim funcionaria bastante. E por fim Alexandra Richter até foi imponente com sua Beatriz, mas apenas funcionou com os exageros sexualizados na tela, pois não teve ato algum que puxasse uma comicidade para si, ou seja, o diretor esqueceu dela, mesmo sendo a protagonista. Quanto aos demais prefiro nem comentar, pois foram totalmente desnecessários e até irritantes.
No conceito visual diria que foram bem econômicos, tendo uma mansão que só mostrou um quarto, uma dependência de empregados, uma cozinha e a sala, sendo tudo exageradamente "mal" decorado com a famosa decoração emergente sem base alguma, e alguns atos nas ruas vendendo marmitas, tendo dinâmicas rápidas bem colocadas para não precisar ambientar muito os demais atos, tendo também uma mesa de pôquer na casa do mafioso, mas era melhor nem entrar em detalhes, afinal foi algo extremamente desnecessário.
Enfim, é daqueles filmes que você assiste para cumprir a meta de conferida apenas, pois volto a frisar que esquecerei dele tão rapidamente quanto a sua duração, e que volto a dizer que com poucos ajustes daria uma boa comédia na telona, mas seriam ajustes que infelizmente não sairiam no estilo do diretor, então não teriam como acontecer. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, triste por não ter dado umas boas risadas hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.
Já vimos muitos filmes aonde os protagonistas fazem o máximo que podem para salvar algum ente querido, em busca da cura da doença e todo o processo insano que alguns conflitos ou leis geram entraves, e o bacana é que sempre usamos o adjetivo mães-coruja, mas nos longas deveríamos usar mães leoas, pois mexe com sua cria para ver do que são capazes. E usando essa base, hoje resolvi dar play no lançamento francês da Netflix, "Sem Nada a Perder", por ser curto e por aparentar uma entrega interessante, mas acabou sendo até mais interessante do que pensava, pois brincou com as facetas da lei, que é mundial e protege crianças adotadas ou geradas por doações de óvulos/esperma, mas e quando se precisa de uma medula ou alguma doação capaz de salvar outra criança, como a lei deveria se exercer, ou será sempre necessário atitudes extremas, como é o caso do longa? Ou seja, é um filme fictício, mas que brinca com a essência bem colocada nos termos, e que poderia até ser mais intenso para impactar mais, mas quiseram dar todo um charme nas dinâmicas, para que o efetivo do hospital tivesse um carisma maior mostrado, e assim até tivemos alguns erros de "ajustes" falsos de se acredita, porém ainda serve como um bom passatempo reflexivo sobre o tema.
O longa acompanha Jada, uma mulher que sempre sonhou em ser mãe. Por meio da doação de embriões, ela finalmente consegue realizar esse desejo e construir a família que tanto imaginava, mesmo sozinha. Mas, quando menos esperava, a sua felicidade é interrompida quando o filho recebe o diagnóstico de leucemia. Diante de uma situação cada vez mais delicada, Jada descobre que a melhor chance de salvar a vida da criança é um transplante de medula óssea. Logo ela embarca em uma trajetória marcada por desafios e decisões difíceis, fazendo tudo o que estiver ao seu alcance para garantir a sobrevivência do filho.
Diria que a diretora, roteirista e protagonista do filme Nawell Madani soube usar o que tinha para criar algo tenso dentro da trama, pois ela não quis fazer um filme amplo de situações, mas sim algo mais fechado e cheio das nuances do famoso se sentir responsável por alguém, e com essa estrutura mais simples, porém mais densa, ela trabalhou bem seu filme, fazendo ângulos mais fechados, e até brincando com uma essência que já vimos em outros filmes de pais lutando pela saúde dos filhos. Ou seja, é o famoso filme que talvez em mãos mais experientes conseguiria se expandir e chamar mais atenção, mas que funcionalmente o resultado aqui mostra que ela tinha potencial para ir além, apenas sentiu-se mais segura em não criar muitas explosões cênicas na tela.
Agora falando da diretora como atriz, diria que Nawell Madani segurou bem a responsabilidade da trama em cima de sua Jada, de modo que a personagem se desenvolve bem e entrega dinâmicas convincentes em seus atos, sendo daquelas que você acaba torcendo, mesmo tendo atitudes extremas, e assim conseguiu criar carisma e desenvoltura na medida certa para agradar. Acredito que com poucas cenas a mais, poderiam ter desenvolvido melhor o papel de Guillaume Gouix com seu Paul, pois ficou meio que jogado a separação deles, e quando volta já fica participando em tempo quase que integral no hospital, ou seja, abandonou a carreira, tinha problemas, ou o que, e assim o ator não fluiu tanto quanto poderia também. O garotinho vivido por Paul Fouré foi muito bem nas cenas de seu Noa, conseguindo ser cativante e também assustar o público com suas convulsões e atos mais densos, de modo que poderiam até ter trabalhado um pouco mais ele para algumas dinâmicas maiores, mas ainda assim foi muito bem com o que fez. Quanto aos demais, vale leves destaques para a enfermeira Fanta vivida por Aïssatou Diallo Sagna, e também o médico vivido por Nicolas Briançon, mas sem muito o que expandir na tela.
Visualmente a trama começou com várias dinâmicas do protagonista correndo para sair do serviço, a protagonista treinando crianças e suas noites tentando fazer um filho e falhando com os famosos testes, e depois de aparecer o nome do filme ficamos somente dentro do hospital, na ala das crianças com câncer, ou seja, o filme teve dinâmicas bem colocadas mostrando o ambiente humano que tentam reproduzir ali aonde a tristeza geralmente bate, e mais próximo ao final entrou em cena toda uma lotação de policiais de todos os estilos, em algo que saiu um pouco do controle e do estilo que o filme vinha desenvolvendo, mas funcionou para a proposta ao menos, o que é interessante de ver.
Enfim, é um filme simples, com um tema abrangente e cheio de possibilidades para discussão, que até dava para ter sido mais chamativo, mas que consegue envolver e emocionar de certo modo, e assim vale falar que funcionou no que se propôs. Então fica a dica para a conferida, e eu fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais textos, então abraços e até logo mais.
Acho engraçado quando vou conferir biografias sem saber nada da vida real do personagem, pois nas horas de projeção aquilo que vejo ali tem de me convencer sobre a pessoa de uma forma realista, e também de uma forma ficcional, afinal deixar tudo como uma vida comum já temos os documentários e reportagens, então o diretor precisa fantasiar a vida do cidadão, se ela já não for algo fora da curva, ao ponto que funcione na tela, e isso é a base bem feita. E hoje resolvi dar o play em "Christy: Um Novo Round", que chegou na HBOMax depois de passar em pouquíssimos cinemas pelo país no ano passado, e traz uma pegada densa em cima da história da mulher que fez o boxe feminino realmente existir e crescer, pois antes nem se falava direito em ver mulheres dentro de um ringue socando a cara da outra, e a história da pugilista de sucesso dentro das quatro cordas nem sequer passava perto do fracasso e do sofrimento que tinha fora dali, com abusos do marido e treinador e um desdém e imposição horrenda da mãe que não a aceitava como era. Ou seja, é um dos filmes esportivos mais tristes que já vi pelas dinâmicas fortes mostradas, sendo daqueles que você não imagina ver uma pessoa de punho forte que se deixou levar pelas imposições que sofreu, e os atores entregaram tão bem toda a dinâmica na tela que você acaba ficando inconformado com tudo o que vê, e isso é muito bom quando acontece, mas que também chega a bater aquele desânimo de pensar que até hoje ainda existem muitas Christy's por aí.
O longa narra a história da proeminente e pioneira boxeadora Christy Martin que, diante de uma sequência devastadora de eventos, supera as adversidades terríveis da vida no ringue. Apesar de nunca imaginar uma vida além das fronteiras de sua pequena cidade na Virgínia Ocidental, Christy descobre um talento extraordinário. Corajosa e determinada, a jovem sempre se destacou nos esportes e até mesmo frequentou a faculdade com uma bolsa de estudos esportiva no time de basquete da universidade. No final dos anos 1980, porém, Christy se revela uma prodígio do boxe, mergulhando nesse universo de socos e golpes ao lado de seu treinador, agente e, logo depois, marido Jim Martin. Ao mesmo tempo em que embarca numa carreira bem-sucedida na categoria, a competidora percebe que suas verdadeiras e mais cruas batalhas estão fora do ringue, confrontando sua identidade, sua família e um casamento violento e marcado por abusos psicológicos e físicos.
Uma das principais características do diretor e roteirista David Michôd é deixar seus filmes um pouco lento demais, e aqui esse estilo acaba sendo até bom, pois o filme poderia ir para rumos mais expressivos, ser explosivo e causar mais, mas não impactaria como algo ao ponto de nos irritarmos com alguns personagens como acaba acontecendo. Claro que isso fez com que várias premiações acabassem esquecendo do filme, mas a essência em si teve uma pegada mais próxima do que a biografia pedia, e assim sendo o resultado funciona. Ou seja, ainda dá para reclamar do filme faltar uma direção mais marcante, pois falar da vida de alguém é sempre complexo e bem difícil de lidar, mas a trama pedia um vértice que rendesse o chamariz da boxeadora para algo mais chamativo, e assim o resultado do estilo do diretor pecou por minimizar os abusos, algo que como disse chega a dar raiva dos personagens do técnico e da mãe, que felizmente aparece pouco, senão seria mais odiada que vilã de novela que mata cachorro.
Quanto das atuações, Sydney Sweeney é tão nova, mas já podemos chamar ela quase que de Nicolas Cage de saias, pois vemos quase que um filme seu por mês nos cinemas, e se olharmos sua filmografia está rodando mais uma tonelada de produções, ou seja, seu rosto está em tudo o que pode fazer, e aqui o que mais me surpreendeu além de sua atuação bem centrada de Christy é o quão pequena ela realmente é de estatura, parecendo ao lado de outras pugilistas uma miniatura, mas seu estilo mais fechado não rendeu muitas expressões para o papel, sendo interessante de presença, porém dava para ir bem mais além na tela. Já Ben Foster ficou irreconhecível com seu Jim, e com facetas tão marcantes conseguiu incomodar demais na tela, sendo daqueles personagens que você fica bravo e quer que saia logo de sua frente, algo que ele teve presença cênica e agradou bastante. Entre os demais, muitos tiveram poucas cenas participativas, mas conseguiram ter rápidos destaques como Bryan Hibbard com seu Big Jeff, Chad L. Coleman como Don King, Jess Gabor como uma Rosie de muitas facetas, mas claro quem chamou muito mais atenção foi Merritt Wever como a mãe da protagonista, que conseguiu ser bem mais ruim que o próprio marido abusivo da protagonista, sendo daquelas que muitos ficarão bem incomodados com a entrega em algumas cenas.
No conceito visual a trama teve momentos bem interessantes mostrando lutas em estádios, mas também mostrando algumas no começo da carreira em pistas de corrida de terra, treinos por lá, a academia simples crescendo depois, e também a moradia num trailer, depois em casas mais simples até chegarem numa mansão com carrão rosa e tudo mais, tendo alguns encontros em lanchonetes e claro os bastidores da fama com entrevistas e tudo mais, sendo um filme bem completo nesse sentido, mostrando também os figurinos e cabelos das épocas em que o longa passa sendo marcante e funcional nesse sentido.
Enfim, é uma biografia bem densa e marcante que agrada por mostrar não apenas a carreira da pugilista como também o problema dos relacionamentos abusivos tanto com parceiros quanto com familiares, aonde a intensidade do filme poderia ser também mais explosiva, mas ainda assim consegue ser funcional e chamar a discussão para o tema. Então fica a dica, e eu fico por aqui hoje voltando amanhã com mais dicas, então abraços e até lá.
Costumo dizer que gosto de filmes de terror que causam sensações, pois ter matanças gratuitas e/ou algo sem uma história que me convença da situação mostrada na tela acaba mais me irritando do que agradando, e hoje acredito que fui com muita sede ao pote do longa "A Morte do Demônio: Em Chamas", pois a trama anterior foi muito impactante, forte e chamativa, aonde até cheguei a passar um pouco mal com algumas situações, então esperava que hoje fosse rolar algo do mesmo estilo, mas pelo contrário, apenas vi um filme forte também, violento na medida que gostamos, mas do tipo que ficou rodando em cima de algo sem levar quase nada a lugar algum, ficando até incomodado com a falta de entrega. Ou seja, é uma história que parece nem ter história, que mesmo conectando os longas anteriores da franquia pareceu ser simples por uma resolução, querendo apenas a tal coisa a trama inteira, e demorando uma eternidade para pegar, sendo que era só ir e pronto, mas ficou embaçando por mais de duas horas para apenas finalizar. Volto a frisar que não é um filme ruim, mas faltou fazer com que a sala lotada saísse comentando ou sentisse um algo a mais, e apenas ficamos vendo a violência "gratuita" que dava para resolver muito mais rápida na tela.
O longa acompanha uma mulher em uma situação completamente aterrorizante. Quando o seu marido morre, ela busca refúgio no lar dos sogros, no entanto, o momento de paz, ternura e consolo logo se transforma em um caos. Aos poucos, ela descobre que eles poderiam se transformar em divindades horripilantes. Além disso, a vida dela se transforma ao descobrir que os votos matrimoniais feitos em vida serão válidos por toda a eternidade, isso inclui o fim da vida terrestre.
Não posso dizer que conheço o estilo do diretor Sébastien Vanicek, afinal seu longa anterior foi sobre um tema que eu pulo e não assisto (sim, existe um único estilo de filmes que não vejo!), então apenas esperei que ele seguisse a mesma linha do longa anterior da franquia, mas como li em alguns textos de amigos, o que ele fez foi apenas grudar uma cena violenta em outra sem se preocupar se a trama funcionaria na tela, e isso fez com que a história parecesse um verdadeiro show de matanças com tiros, facadas, espetadas e tudo mais em busca de uma adaguinha minúscula que se o demo quisesse mesmo pegaria em 30s e acabaria com o filme, mas o diretor quis brincar com os personagens na tela, e assim o resultado ficou enrolando por quase duas horas. Ou seja, posso dizer que o longa tem imponência visual e contou com uma boa equipe de próteses, pois tem buraco para todos os gostos nos personagens, fazendo com que os maquiadores trabalhassem bastante, mas o roteirista foi bem sem vergonha com a entrega na tela, pois história mesmo ficou em segundo plano.
Quanto das atuações, gosto do estilo artístico de Souheila Yacoub, porém sua Alice aqui pareceu até meio que perdida de tudo o que precisava fazer em cena, de tal forma que vemos algumas expressões de desespero misturadas com confusão em cima de tudo, e isso ditou o longa inteiro com as demais entregas. Hunter Doohan trabalhou seu Joseph como o famoso filho fracote da família, e também não tentou ser algo a mais com o que fez em cena, parecendo também perdido nas entregas, ou seja, não criou muito em cena, e fugiu mais do que se expressou, o que é uma falha nesse estilo. Já o pai da família vivido por Erroll Shand fez um Edgar bem imponente e marcante nas cenas que trabalhou, misturando o lado mais forte com a pegada mais fechada, e assim conseguiu chamar bastante atenção. Quanto aos demais, a maioria não se entregou tanto, valendo apenas o destaque para Luciane Buchanan com sua Thya bem expressiva, principalmente depois que incorpora o demônio, que aí sim fica chamativa e cheia de imposições na casa.
Visualmente o longa tem presença, afinal com o estilo mais puxado para o gore, vemos muito sangue, muitas matanças violentas, buracos nos corpos, espetos, portas quebrando e tudo sendo usado como arma dentro das nuances da tela, que como falei na parte da direção, a equipe de arte precisou de bons protéticos para ter os pedaços cortados, amassados e tudo mais, além de maquiagens interessantes para convencer da violência que o filme pedia, e sendo assim tudo rolando dentro de uma casa tão velha que parecia até assombrada, o resultado convenceu.
Enfim, é um estilo de terror que algumas pessoas gostam bastante, e outras rejeitam com fervor, que até tem suas qualidades de conexão com os demais filmes da franquia e tem personalidade, só faltando um pouco mais de história para convencer com toda a entrega, pois causar estranheza ao menos conseguiram. Sendo assim, diria que é um filme que foi feito somente para os fãs da franquia, não indo muito além em nada, mas sei que alguns vão discordar, então fica a dica para ver sem esperar muito dele. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais textos, então abraços e até logo mais.
Sei que já falei isso tantas vezes que quem me acompanha já até enjoou, mas volto a frisar que sempre vá conferir qualquer filme esperando o pior, que vai se desapontar com tudo e mais um pouco, pronto para tacar uma tonelada de pedras depois de conferir, e com toda certeza você acabará gostando de algo que verá na tela, e hoje fui assistir o live-action de "Moana" esperando me irritar com tudo, e principalmente achando que seria uma mistura da primeira animação de 2016 com a segunda de 2024, só que colocando humanos ao invés de desenhos, e como não lembrava direito do primeiro, apenas tendo na mente as canções dubladas que grudavam mais que chiclete na mente, hoje sabia que veria um filme ao menos diferente por assistir legendado com as canções originais, e por incrível que pareça fui lembrando das canções dubladas e revendo tudo acontecer exatamente da mesma forma que vi há 10 anos, mostrando que minha mente só precisava de uma leve ativação. E isso foi ruim? De forma alguma, acabou sendo bem bacana, pois agora temos texturas "reais", personagens "reais" e dinâmicas que funcionaram na tela, só que quem for conferir esperando qualquer coisa nova irá se desapontar, pois não tem (ou melhor, tem a canção dos créditos que é nova para poder concorrer às premiações), mas quem quiser rever o longa de uma forma visualmente "diferente" pode ir tranquilo que não vai ser ruim, até mesmo com a cabeleira no The Rock.
O longa acompanha Moana Waialiki, uma jovem corajosa que vive em uma ilha e sonha em explorar o oceano além das margens que cercam seu lar. Filha do líder de sua comunidade e descendente de uma longa linhagem de navegadores, tudo corria bem na sua vida até que algo coloca em risco o futuro de seu povo. Ao descobrir que o semideus Maui foi responsável por desencadear o desequilíbrio que afeta a natureza, Moana parte em uma jornada pelo mar para encontrá-lo e restaurar o coração da deusa Te Fiti. Enfrentando criaturas perigosas, desafios marítimos e a superproteção do pai, ela embarca em uma aventura de autodescoberta.
Diria que o diretor Thomas Kail foi preguiçoso ou medroso de tentar inventar uma nova história, parecendo que pegou até o storyboard da animação para refilmar até nos mesmos ângulos que vimos em 2016, sendo que assim ele tentou não apanhar dos fãs do desenho (como aconteceu com outras refilmagens da Disney), mas dava para incrementar ou colocar novos atos, ou pelo menos mudar os ângulos da câmera, porém como ele é bem mais conhecido pelas direções de musicais da Broadway não tinha mesmo como ser criativo em uma refilmagem. Ou seja, quem tem memória boa e for conferir é capaz de pensar que assistiu ao mesmo filme semana passada, principalmente por ter tido "Moana 2" em 2024, mas como fui ver legendado agora o live-action diria que pelo menos vi outra versão dele.
Agora falando das atuações, um ponto muito bom foi a escolha dos personagens secundários e figurantes com características reais da polinésia, pois já deu a cota de inventar moda e colocar personagens diferentes das animações, e nesse sentido o acerto foi primordial, e dito isso vamos para Catherine Laga'aia fazendo a sua estreia nos cinemas como a protagonista Moana de uma forma bem entregue, cheia de desenvolturas e expressões marcantes, sendo bem interessante de atitudes, que talvez pudesse ser um pouco mais carismática como era a personagem na animação, mas fazer uma protagonista como primeiro trabalho é algo dificílimo, e diria que ao menos ela foi expressiva, o que agradou na entrega. Já ver Dwayne Johnson com uma peruca gigante foi algo num primeiro momento engraçado por conhecermos ele sempre careca (tirando seu último filme que usou um cabelinho mais baixo), mas como ele foi o dublador na animação também de Maui, aqui ele já sabia as falas de cor, e apenas precisou se expressar corporalmente (o que muitos dubladores também já fazem nas salinhas de dublagem), então ele se saiu bem e agradou com uma entrega bem divertida, e claro, com seu carisma tradicional, ou seja, funcionou bem para o que o longa precisava. Quanto aos demais, praticamente todos só participam das cenas, como o pai da protagonista vivido por John Tui e a mãe vivida por Frankie Adams, valendo destacar apenas Rena Owen como a vó pelas dinâmicas mais chamativas com a garotinha.
Quanto do visual volto a frisar que temos a recriação perfeita da animação, apenas trocando um pouco mais o tom dos elementos visuais, que na animação tínhamos um colorido mais amplo, e aqui deram um pouco mais de densidade para as cenas mais tensas como da floresta morrendo ou as cenas em tempestades no mar, de modo que encontraram boas locações para criar a vila, figurinos tradicionais das ilhas antigas e até mesmo os personagens computadorizados como o gigante caranguejo Tamatoa e o monstro de lava Te Ka foram bem criados, cheios de imposição e entrega, para que o filme fluísse e impactasse na tela como deveria. Quanto do 3D, tivemos algumas boas cenas de coisas saindo para fora, mas sem muito o que impressionar, de modo que nos créditos a profundidade foi até melhor que dentro do filme, então poderiam ter trabalhado melhor na conversão e/ou nas filmagens para que mais personagens brincassem com o público saindo da tela.
Como não conhecia as canções originais em inglês, foi bacana ver a trama legendada, pois juntaram bem as canções dos povos originais com as temáticas da trama, e claro que tudo bem colocado junto das danças, o resultado acaba funcionando bem na tela.
Enfim, volto a frisar que não é um filme ruim, muito pelo contrário, gostei até bastante do que vi, dei as dançadinhas de pés com as canções, e principalmente me fez ver que minha memória ainda está boa por lembrar até dos ângulos das câmeras do desenho, para reparar o quanto reproduziram na tela, de modo que se nem quisessem usar atores reais, poderiam ter pedido para uma inteligência artificial recriar o filme trocando as animações por personagens reais, e assim sendo funcionou pela proposta escolhida de não inventar moda. Então quem tiver qualquer receio nesse sentido pode ficar bem tranquilo, mas quem não quiser ver o mesmo filme agora com atores também não irá perder muita coisa, então fica a dica. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.
É engraçado que somente paramos para pensar em como conduzimos nossa vida quando alguma bomba explode, seja por uma separação, uma tragédia ou uma doença, pois enquanto tudo está sendo levado pela rotina tradicional, o ruim passa a ser suportável e o bom acaba sendo como tradicional, não tendo tempo para pensar em como melhorar algo, conhecer um novo país, uma nova língua, um novo amor, e isso acaba por vezes até apagando mesmo as pessoas, fazendo com que se tornem chatas e/ou incômodas quando por vezes falam algo que não queremos ouvir! E com essa filosofia que me veio a mente agora após assistir o longa hispano-italiano, "Três Vezes Adeus", que poderá ser conferido a partir de 01/10 nos cinemas tradicionais ou já nas próximas semanas na programação da 8 ½ Festa do Cinema Italiano em algumas cidades, trazendo bem essa sintonia nas dinâmicas que se desenvolvem com a protagonista, de tal forma que em muitos momentos até temos um elo bem introspectivo que chega a dar uma certa retraída no longa, mas foram tão rápidos em mudar a síntese que o resultado reflexivo acaba ficando bonito dentro de tudo, sendo algo mais para evidenciar um crescimento ao invés de jogar o clima para baixo, e isso acabou funcionando demais dentro de tudo o que é mostrado na tela.
A sinopse nos conta que Marta e Antonio optam pelo fim do relacionamento após uma grande discussão, assim se divorciando. Em dois mundos diferentes, os dois começam a lidar com a situação de maneiras distintas. Enquanto Marta se isolava do mundo, até mesmo perdendo o apetite, Antonio se dedicava a sua carreira de chef que parecia melhor a cada dia. No entanto, em certo momento Marta descobre que sua mudança repentina tem mais a ver com sua saúde do que com o seu ex-relacionamento. Sem conseguir esquecer sua antiga companheira, o filme entra em uma encantadora trajetória sobre o amor à vida.
Acho bem bacana o estilo da diretora Isabel Coixet, pois ela não faz seus filmes para impactar ou causar algo no espectador, ela apenas dá as dinâmicas brincando com cada essência, e deixa isso para que o público sinta junto dos protagonistas, e aqui dava para esse filme ser feito de tantas maneiras, mas sem dúvida pensando com a cabeça de alguém que conhece bem mais o cinema americano do que outros cinemas, com qualquer diretor dos EUA veríamos algo duro, seco de emoções, mas que faria toda a plateia lavar a sala com diversos momentos, já a diretora espanhola optou por vértices de pensamento, vértices reflexivos e prendeu as emoções apenas em detalhes, que vamos montando juntos, e assim o resultado acabou sendo gracioso, sem faltar emoções, mas ainda assim não fazendo você chorar, e sim pensar no além disso, o que acabou sendo gostoso de ver, ou seja, mais um acerto dela.
Quanto das atuações, achei a atriz Alba Rohrwacher tão solta com sua Marta que em diversos momentos até pensei se ela não era a própria diretora atuando, pois o estilo que ela fez foi algo tão dinâmico, tão cheio de sentimentos que realmente fez o filme ser seu, e isso é raro de ver acontecer com atrizes em dramas, pois acabam se soltando bem menos do que a essência pede, e ela fez algo lindo de ver na tela. Elio Germano também trabalhou bem nas dinâmicas de seu Antonio, porém a diretora esqueceu dele um tempo tão grande que ao ler a sinopse depois de ver o filme até fiquei pensando se ele fez tudo isso que é dito, mas fez bem como chef, trabalhou de forma aceitável, só desapareceu quase que o filme inteiro, tendo cenas no começo e no fim apenas. Ainda tivemos alguns bons momentos de Francesco Carril com seu Agostino e Silvia D'Amico com sua Elisa, mas o filme foi tão colocado para ser da protagonista que todos os demais apenas apareceram, e isso foi de um risco tamanho que acabou dando certo.
Visualmente o longa ficou bem dentro da casa da protagonista com seu boneco coreano, com uma sacada meio maluca no final, tivemos várias cenas em restaurantes variados, muitos passeios de bicicleta com a protagonista e boas cenas na escola que ela trabalha, além de alguns atos em um hospital e também em uma exposição, mas a base sempre focando muito a dinâmica da protagonista, que acabou tendo um charme legal para funcionar.
Enfim, foi um filme tão gostoso de ver, que mesmo com um tema difícil de se trabalhar acabou funcionando demais na tela, e assim o resultado acabou me agradando mais do que eu até pensava, valendo como algo bom para recomendar para que todos vejam. E é isso meus amigos, vá conferir no festival nas cidades que ainda tiver (em Ribeirão Preto começa dia 16/07 no Cauim) e eu fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Autoral Filmes pela cabine de imprensa, então abraços e até logo mais.
Quando vi o pôster do longa "Primavera" imaginei que veria a história do músico Vivaldi, mas como a trama foi para outros rumos acabei descobrindo bem mais do que sabia da Veneza dos anos 1700, aonde em um orfanato, as jovens que eram deixadas pelas mães aprendiam música e tocavam para os ricos na Igreja, aonde alguns homens compravam seus dotes investindo na educação de outras alunas, mas claro que ao chegar ao lugar um padre de nome Dom Antônio Vivaldi que passou a reger as garotas de lá, muitas desejavam apenas ficar na música e não virar esposas. Ou seja, o longa que chega aos cinemas na próxima quinta (09/07) e também está na programação do 8 ½ Festa do Cinema Italiano que está passando em várias cidades do país, traz uma trama interessante pela essência da época aonde muitas mulheres era apenas um produto rentável para os orfanatos, mas também mostra como o desenvolvimento musical pode transformar as pessoas, sendo algo chamativo como longa de época e também não cansar como costumeiramente ocorrem em tramas mais clássicas, sendo que apenas descobri mais que o músico que tanto é conhecido hoje por suas obras foi um padre com sérios problemas respiratórios, mas que sem precisar ficar contando sua história na tela, conseguiram brincar com a essência de uma forma mais descontraída e bacana ao conectar as jovens do Orfanato Ospedale Della Pietà.
O longa nos situa na Veneza do século XVIII. Cecília cresceu entre as paredes do Ospedale della Pietà, o orfanato que também é lar da orquestra mais respeitada do mundo. Violinista extraordinária, ela se apresenta atrás de uma grade para os ricos padroeiros da instituição. Nunca além disso. Até que um novo professor de violino chega e muda tudo. Seu nome é Antonio Vivaldi.
O mais interessante da carreira do diretor Damiano Michieletto é que ele já dirigiu algumas óperas, ou seja, tem muita familiaridade musical para que seu filme não tivesse apenas conteúdo na tela, mas sim que fluísse realmente com um regente orquestrando cada ato, como deve ser a entrega de um bom diretor, e aqui ele soube fazer com que seu filme tivesse personalidade e muita presença mesmo em cenas escuríssimas que com uma vela tivesse amplitude e chamarizes, ou seja, deu uma trabalheira para o diretor de fotografia que certamente desejou vê-lo embaixo da terra, mas o mais bacana foi que ele soube trazer essa entrega para algo cheio de nuances e com uma pegada histórica que funcionasse na tela, e assim seu filme não ficou tão jogado, sendo daqueles que revelam coisas que muitos certamente nem sabiam como as figuras cortadas pelas mães para que talvez buscassem a órfã depois mais velha, os arquivos bem construídos para achar fácil cada detalhe, e principalmente contar que um grande músico foi um padre e professor de garotas, e não um fanfarrão como muitos artistas foram. Ou seja, ele fez uma obra rápida e fluída que agrada por não precisar enfeitar muito o resultado na tela.
Quanto das atuações, gostei muito da entrega que Tecla Insolia fez com sua Cecilia, sendo imponente nos atos que necessitava de uma entrega maior, tendo personalidade para enfrentar as dinâmicas mais fortes, mas ainda assim sendo singela com uma pegada por vezes até tímida, mas que mostrou sua entrega para o papel de uma violinista, e assim agradou bastante. Outro que foi muito bem na tela foi Michele Riondino com seu Antonio Vivaldi, sendo meio agitado demais com suas ideias, mas mostrando que pessoas geniais não param quando estão criando, e o ator trabalhou bem a personalidade do músico e se envolveu bem nas cenas mais densas. Quanto aos demais, vale o destaque para Fabrizia Sachi com sua Priora, pelo estilo mais duro de uma controladora de orfanato, mas com imposições densas para os momentos que precisava se doar na tela, agradando assim com o que fez.
No conceito visual tivemos cenas bem sacadas em ambientes fechados, para não precisar mostrar tanto do ambiente que mudou bastante nos anos seguintes, mas ainda assim tendo claro os passeios de barcos tradicionais, as igrejas com seus imponentes tetos, e muitos instrumentos clássicos da época para dar o tom, além de figurinos marcantes com as perucas brancas, máscaras e vestidos com capas vermelhas, tendo o toque de luxo da realeza junto com os mais pobres dos orfanatos. E claro já falei da fotografia, mas vale reforçar muitas cenas no escuro com luzes apenas de velas, com detalhes bem marcantes que funcionaram para envolver.
Enfim, o longa ainda conta com várias sonatas que conhecemos do músico, dando claro o tom durante toda a exibição, e funciona bem dentro da proposta completa, não sendo algo tão chamativo pela história em si, pois poderiam ter trabalhado um pouco mais do Vivaldi na tela, mas não era essa a proposta do filme, então funcionou e vale a recomendação. E é isso meus amigos, fica a dica para a conferida no longa nos cinemas na próxima quinta (09/07), ou nas cidades que estiverem tendo o festival (em Ribeirão Preto começa no dia 16/07 no Cauim!), e eu fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Sinny Assessoria e da Imagem Filmes pela cabine, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.
No meio do conflitivo mundo da pandemia muita gente não chegou a botar fé que a franquia da irmã de Sherlock Holmes daria muito certo, mas cá estamos em 2026 e já temos três filmes lançados funcionando perfeitamente com o carisma estranho da protagonista, com facetas bem desenvolvidas e um estilo próprio que a Netflix fez questão de criar, ou seja, como já saíram bem do rumo dos livros nem sei dizer mais quantos irão fazer, mas uma coisa é inegável: "Enola Holmes 3" mostra que potencial produtivo a gigante dos streamings tem para brincar com filmes também além das séries, pois vemos um filme cheio de efeitos na montagem, ambientes gigantes bem trabalhados, e principalmente um estilo próprio, afinal algo que poderia ser um mistério simples para ser desvendado acaba tendo nuances maiores, e o resultado fala sozinho com o público. Claro que passa longe de ser algo perfeito, pois é algo ainda fácil demais para uma trama investigativa, aonde as dinâmicas até flertaram mais como um drama romântico com pegadas de ação e mistério, mas ainda assim funciona como um bom entretenimento que não força tanto a barra, então é o famoso filme que vemos como um bom passatempo, nos divertimos, e quem sabe lembraremos dele mais para frente, quando vier outra continuação da saga.
O longa segue os acontecimentos do segundo filme, agora Enola está a caminho do seu casamento com o Lord Tewkesbury em Malta. Porém, os seus planos de felicidade são atrapalhados para que ela possa solucionar um dos casos mais difíceis e perigosos de sua carreira até então. Dentro da carruagem, ela é perseguida e avisada pelo Dr. John Watson que o seu irmão Sherlock Holmes foi sequestrado. Enquanto tenta desvendar as pistas e provar a sua capacidade para a sua mãe, os seus sonhos pessoais se chocam com seus desejos profissionais e ela precisará descobrir o que verdadeiramente deseja.
Já falei isso várias vezes e volto sempre a bater nessa tecla, de que mudar o diretor de uma franquia é um risco insano por parte dos produtores, e aqui a entrada de Philip Barantini acabou dando um viés bem diferente de tudo o que vimos nos outros filmes, indo o longa para um lado mais romantizado e emocional ao invés de ficarmos com o suspense e a ação característica dos dois longas anteriores. Claro que isso não foi algo ruim, pois é um diretor com anos de estrada tanto na direção quanto na atuação, mas talvez por mudar esse estilo o público estranhe um pouco demais os atos do miolo e fechamento, pois ainda temos um começo intenso, mas depois tudo se verte para um lado que não tinha sido tão explorado na protagonista. Agora o único defeito que podemos atirar nele foi prometer e não cumprir, pois ele falou ao assumir a franquia que faria um longa mais denso com uma pegada mais forte ao estilo da mudança que ocorreu em no terceiro Harry Potter, e passou bem longe de conseguir isso, então digo que é melhor ficar quietinho quando se assume algo e depois do resultado pronto "mentir" que era assim que queria realmente, mas volto a frisar que não ficou falho a mudança, apenas mudou o tom.
Quanto das atuações, uma coisa bem bacana que gostei nos primeiros filmes e mantiveram foi a quebra da quarta parede pela protagonista Millie Bobby Brow com sua Enola Holmes, e a atriz tem se mostrado cada vez mais experiente na tela, se jogando mais nas lutas e também trabalhando bem os trejeitos para ser interessante vela em modo desesperado para salvar as pessoas desaparecidas, porém seu ar investigativo mais impulsivo que vimos nos outros filmes não aconteceu tanto, talvez pela escolha da direção, mas ainda assim ela foi bem no que fez e cativou os olhares para ela. Agora um problema meio que grande nessa nova abordagem foi que o personagem Tewkesbury de Louis Partridge teve uma participação muito maior, e a química entre eles até é bonitinha em algumas dinâmicas, mas o ator pareceu meio apático em muitas outras situações, o que acabou não dando muita liga na tela, mas ao menos ele soube se entregar nos atos de conexão, e assim não atrapalhou tanto. O segundo ato aonde realmente descobrimos quem é a vilã mostrou que Sharon Duncan-Brewster teve uma pegada incrível e cheia das nuances, com uma imponência marcante, olhares realmente de vingança e uma desenvoltura chamativa, que com certeza aparecerá mais nas continuações, afinal é famosa por aparecer em outras investigações da família Holmes. E falando mais da família Holmes, o diretor foi esperto em colocar Henry Cavill mais de lado com seu Sherlock, afinal sabemos que ele é um ator caro e também o personagem tem seus próprios filmes, então foi um bom acerto, e felizmente deram mais aparições, mesmo que espaçadas para Helena Bonham Carter com sua excêntrica Eudoria, mãe da protagonista, que teve boas pegadas em algumas dinâmicas mais rápidas. Ainda tivemos alguns outros personagens na tela, mas sem grandes impactos que valessem destaques, então apenas diria que Himesh Patel poderia ter impactado mais com seu Dr. John Watson, e usarem realmente Joe Azzopardi com seu Mikiel, pois foi apenas um enfeite na tela, que parecia ser importante para a história.
Visualmente a trama brincou com recortes, com cenas imponentes, figurinos de época, escolheram bem a ilha de Malta para ambientar a produção um pouco fora da tradicional Londres que já vimos várias vezes, com armas, tesouros e tudo mais além de ambientes mais fechados para festas e tudo mais, agora um detalhe curioso que poderia ter sido mais usado, principalmente por ser um filme de investigação, foi o pouco uso de pistas espalhadas pela tela, aonde iríamos vendo junto com a protagonista e descobrindo tudo, pois da forma que fizeram, precisam dizer tudo o que está acontecendo e/ou vai acontecer.
Enfim, é um bom filme da franquia, tem um bom ritmo que não cansa o espectador, principalmente pela boa trilha sonora que acontece durante o longa inteiro, e assim sendo entrega um bom passatempo, que talvez assim como os demais da saga sejam esquecidos por nós ao ver as continuações, mas ao menos a essência ainda ficará na mente do público, e assim vale a indicação. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.
Sou suspeito para falar de um filme dos bichinhos amarelos mais engraçados do cinema, pois sou muito fã deles desde quando apareceram pela primeira vez, e dessa vez com "Minions & Monstros" estava com uma expectativa ainda maior já que eles resolveram homenagear os clássicos do cinema como um todo, brincando com tantas referências quanto você se julgar entendedor da sétima arte, e não apenas isso, pois já vimos outras tentativas com diversos filmes, mas que viraram apenas esquetes jogadas na tela para o público pegar, e aqui não, pois construíram realmente uma trama que tivesse o conteúdo funcional, e ainda tivesse as dinâmicas na tela para brincar com tudo. Ou seja, é um filme divertido, cheio de boas sacadas e que brinca demais com toda a essência do cinema em si, com suas construções e loucuras geniais de grandes filmes, aonde só colocaria um aquém que foi a falta de talvez um elo emocional para tudo ficar mais completo, pois talvez para o público comum (sem ser os amantes do cinema e/ou dos minions) o resultado vai parecer apenas engraçadinho com cores e tudo mais, e dava para ter brincado com uma pegada lúdica também com os protagonistas, mas foram as escolhas feitas, e ainda assim funcionou como algo bacana de ver na telona.
O longa se passa na Era de Ouro do cinema e acompanha o mais solitário e criativo entre os colegas minions. Insatisfeito em ser apenas mais um membro da tribo a serviço de um chefe, James sonha em fazer filmes. Na busca por esse desejo, James sem querer irá libertar uma série de monstros e uma gangue de criaturas com planos de destruir o mundo. Junto dele, os outros minions terão que encontrar as horripilantes criaturas para viverem as cenas do filme de James.
Sempre digo que é interessante o criador desapegar da criatura, e Pierre Coffin fez isso em "Minions 2: A Origem de Gru" e viu que deu muito certo isso lá, provavelmente causando um leve desconforto, então aqui voltou a assumir a cadeira principal além das vozes dos bichinhos, e senti que sua mão embora homenageasse muito o mundo do cinema (isso nem vou entrar em detalhes, pois é falar repetidamente de como tudo foi lindo demais nesse sentido com tantas referências!) acabou ficando um pouco pesada, saindo dos personagens mais conhecidos e brincando com outros que foram bem encaixados, mas sem emoções casuais como já vimos nos outros filmes de ambas as franquias ("Minions" e "Meu Malvado Favorito", que também é sua!). Ou seja, é um filme que tem seu gracejo, diverte a beça, faz você ficar envolvido com o mundo do cinema, quer os personagens para levar para casa, mas além de encantar com a trama faltou fazer você se apaixonar mais por tudo, resultando em um filme que falta aquele detalhe para levantar e querer aplaudir, ou então escorrer aquela lágrima de canto de olho, e isso talvez se o diretor do segundo Kyle Balda tivesse sido mantido veríamos acontecer na tela.
Quanto dos personagens diria que os amarelinhos ficaram extremamente carismáticos e caíram muito bem dentro das diversas homenagens feitas, além de claro chamar a atenção dos pequenos que não vão entender muito o motivo deles estarem fazendo certas coisas, que só os fãs de cinema vão reconhecer, mas por serem divertidos, cheios de dinâmicas, cores e entregas, os pequenos acabarão curtindo o que vão ver. Quanto ao protagonista James acredito que ficou muito calminho para chamar tanta atenção quanto a trama precisava, de modo que seu estilo de cineasta falou alto, mas dava para ser um pouco mais "amalucado" para impactar mais na tela, mas ainda assim sempre está sendo bacana dar voz para os outros minions, e falando em voz foi muito bem sacado a inclusão de Henry como alguém com deficiência auditiva que não parou de filmar tudo e deu o bom fechamento para a trama. Dos vilões também gostei muito dos formatos insanos escolhidos, e bem disposto um pequenino ser a mente diabólica, porém acredito que dessa vez foram violentas demais as situações ocorridas em alguns momentos, que talvez alguns pais reclamem do que vão mostrar para as crianças na tela, mas isso é apenas um detalhe.
No conceito visual volto a bater no ponto-chave da trama que é um filme de fã de cinema para fãs de cinema, aonde cada clássico foi muito bem representado na tela, mesmo que de forma bem corrida no meio da loucura dos bichinhos amarelos, mas vemos formas bem desenhadas no melhor estilo da Illumination que não se preocupa tanto com texturas, mas que consegue compensar isso com elementos cênicos gigantes e sem repetições, de modo que tudo tem conteúdo na tela, contando com muitas destruições e elementos voando para todos os lados. E falando em voar para todos os lados, os amantes da tecnologia 3D vão ficar bem felizes com a entrega do filme, pois funcionou bastante em diversos momentos com coisas saindo da tela, outras dando mais profundidade, de modo que quase o filme inteiro brinca com o público.
Enfim, é uma animação muito gostosa de curtir e se envolver, que vai funcionar de duas formas, uma maravilhosa e incrível para os fãs de cinema que irão identificar cada filme clássico do cinema aparecendo na tela e se conectando com a história, e outra para os pequenos e pessoas "normais" que irão apenas rir da bagunça dos bichinhos amarelos. Só não diria que foi mais perfeita, pois faltou conectar ambas as situações para ficar algo único, e talvez emocionar um pouco mais, mas ainda assim o resultado é um filmaço gostoso demais de ver. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.
Nem sei direito o que falar do longa "A Fortuna de Escobar", que estreia dentro do canal Adrenalina Pura+ na próxima quinta 02/07, trazendo uma história meio doida demais de um grupo que resolve ir em busca da fortuna que Pablo Escobar escondeu em tanques no meio da selva colombiana, que talvez com personalidades mais marcantes e um desenvolvimento melhor aproveitado cairia para um rumo mais intenso e chamativo, porém optaram por trabalhar tantos personagens sem graça, colocar passado no meio, criar situações conflitivas entre vários grupos, que no final você já nem sabe mais para quem está torcendo, fora a quantidade de estilos de pessoas diferentes contando com religiosos, mafiosos, advogados, guerrilheiros, e tudo mais que você puder imaginar. Ou seja, não é um filme ruim de essência, mas é aquele famoso prato de self-service que você coloca macarrão, feijoada, salada de abacaxi caramelizado e ainda para tentar ficar light um peixe grelhado, de tal forma que se analisarmos item a item da trama até vamos dizer que tudo é bacana, mas a indigestão vem com toda certeza ao juntar tudo, e foi isso que acabou acontecendo com o longa.
A sinopse nos conta que um chefe do crime de Miami guia criminosos desesperados até a Colômbia em busca do tesouro de Escobar perto da Vila dos Herdeiros. Um advogado se envolve após um assassinato e descobre segredos perigosos.
Diria que a estreia da atriz Orit Sher como diretora e roteirista foi meio bagunçada demais, pois como disse no primeiro parágrafo ela quis colocar coisas demais na tela, e o resultado não fluiu como deveria, de modo que poderia ter resumido metade dos momentos com uma entrega mais linear que conseguiria chamar atenção pela proposta e ainda sintetizar o restante desnecessário. Aí vem o questionamento do que seria necessário ou não? Isso ela precisaria escolher, pois a trama em si tinha muitos vértices para ela brincar, e acredito que isso fez com que ela mesma ficasse confusa ao montar e querer colocar tudo, mas para isso talvez precisasse de mais tempo para que tudo se desenvolvesse na tela, e acabaria virando uma novela/série aonde tudo fizesse sentido. Ou seja, é o famoso filme de estreia de diretor que se perde por querer colocar coisas demais, mas ainda assim dá para aproveitar a ideia e curtir alguns momentos na tela.
Agora no quesito das atuações a situação foi bem complexa, pois não temos nenhum ator que conseguisse chamar a atenção para si, de modo que os protagonistas se perderam demais nos personagens e seus egos chamativos, e com isso tudo acabou solto demais, de modo que Zohar Liba tentou ser um "chefão" imponente, mas nem ele se impôs nas cenas dentro da selva, parecendo se perder nos diálogos e entregas, o que ficou um pouco estranho na tela, ou seja, faltou explosão para ir além. O chefão do outro lado, vivido por Rodrigo Poisón conseguiu ser ainda mais caricato, pois não teve tanto espaço para se desenvolver, e apenas fez algumas caras e bocas, sendo daqueles atores que você fica perguntando se estava com vontade de estar na produção, mas ao menos seus atos finais foram interessantes de ver, não que ele tenha ido além com algo, mas ao menos não desapontou. O engraçado da personagem Dana Frider é que ela fez sua Sammy parecer que não era nada importante para a produção, sendo alguém meio que jogada de estilo e entrega, mas com o desenvolvimento total, e lembrando do começo, o resultado muda bastante para a personagem em si, não tanto para a entrega que a atriz faz, ou seja, poderia ter chamado mais presença para realmente impactar. Quanto aos demais é até difícil dar destaque para alguém, pois todos foram bem fechados dentro de suas desenvolturas, valendo colocar apenas Guy Adler com seu Izik meio que paranoico e Harlys Becerra com seu Santiago na dele, porém ao final vemos que o personagem também era importante para o resultado e talvez ele poderia ter impactado mais em algumas cenas.
Visualmente o longa tem uma entrega simples, mostrando um pouco da mansão do protagonista, o apartamento da advogada, uma sessão de tortura para conseguir informações, e o começo mostrando as pessoas enterrando os dinheiros de Escobar em barris no meio da selva, depois tivemos muitos atos na selva com fogueiras, acampamentos e tiroteios insanos, mas sem grandes impactos imersivos, sendo apenas representativo como um todo na tela.
Enfim, é um passatempo meio confuso, mas que até dá para ser conferido, passando longe de ser uma bomba na tela, porém precisaria de mais ajustes para que ficasse algo chamativo e redondo realmente completo na tela, então fica a dica para quem for conferir não esperar que a trama vá muito além. E é isso meus amigos, fico por aqui agradecendo o pessoal da AtomicaLab Assessoria e do Canal Adrenalina Pura+ pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.
Uma coisa que já vimos muitas vezes na telona é a forma que cada pessoa lida com seu luto particular, tendo tantos vértices normais como outros exagerados, e por vezes até fora da situação completa indo para rumos inesperados, e o mais interessante no cinema é que o diretor pode brincar com isso de tantas formas que acaba virando filmes bem diferentes, com propostas ousadas que até se parecem, mas que acabam sempre levando para rumos ousados, alguns mais outros menos empolgantes/emocionantes. E comecei dessa forma o texto do longa "Twinless - Um Gêmeo a Menos", que pode ser conferido dentro da plataforma da HBO Max, pelo simples motivo que a essência em si dele com o filme que conferi ontem "A Incrível Eleanor" é muito semelhante, da pessoa que acaba mentindo para se conectar com determinado grupo e/ou pessoa e depois se perde por completo quando a situação precisa ser virada, porém se no de ontem tudo era gostoso, leve e envolvente, aqui a mentira recaiu quase para uma psicopatia de conexão, que talvez sendo montado de uma outra forma na tela impactaria até mais, mas na escolha do diretor o resultado acabou sendo denso e por vezes até sem uma certa humanidade, o que é marcante de se analisar.
O longa acompanha a história de Roman, mais especificamente após a morte de seu irmão gêmeo. Se encontrando na solidão proporcionada pelo luto, ele resolve se inscrever em um grupo de apoio direcionado para pessoas que também perderam os seus gêmeos. Na ocasião, ele conhece Dennis, um jovem culto e irônico que também sentia muito pela perda de sua outra metade. De forma inesperada e até mesmo complexa, uma intensa amizade entre os dois é construída. No entanto, quando Roman conhece uma determinada colega de trabalho de Dennis, mais segredos surgem e tudo parece complicar ainda mais.
Diria que o diretor, roteirista e protagonista James Sweeney foi bem no sentido de representar alguém que soube aproveitar do luto para mudar suas perspectivas, pois facilmente a trama tem uma pegada de invencionices, mas ao mesmo tempo vemos alguém que sabe exatamente o que estava fazendo, não sendo algo arbitrário jogado na tela, e mais do que isso, ele conseguiu transportar sua ideia para seu próprio personagem, tanto que talvez outros fizessem bem diferente a essência de Dennis, mas ao transportar a direção direcionada para o personagem, o resultado acaba impactando e incomodando na medida, tanto que já que estou comparando bastante com o longa de ontem que também envolvia luto e mentiras, ontem a trama acabou me deixando relaxado e emocionalmente sentido de uma forma gostosa de ver, já hoje o diretor conseguiu me deixar meio mal pela essência passada na tela, como se uma mentira fosse melhor que a outra, mas não é o caso, é apenas a forma de lidar diferente, e ele passou isso na tela.
Quanto das atuações, já faz um bom tempo que sempre falei bem de Dylan O'Brien dizendo que gosto do seu estilo de entrega, e aqui seu Roman tem uma personalidade forte e bem impulsiva na tela, de modo que não ficou alguém sem muito sentido, pois facilmente poderia ser um "brucutu" sem noção que chamaria atenção pela essência do papel, mas ele quis dar algumas nuances expressivas e até conseguiu fluir bem, ou seja, mostrou sentimento para o papel sem ser duro como uma rocha. Já o diretor James Sweeney atuando deu todo o ar de sentimentalismo barato para seu Dennis, mas também passou ares de um pouco de psicopatia e desejo de possessão para com seu parceiro cênico, meio que quase tudo ali fosse dele, e lasque-se o resto, e isso foi bacana de ver nos trejeitos dele, embora seja um pouco assustador para uma trama dramática. E ainda tivemos Aisling Franciosi com sua Marcie meio até irritante demais pelo seu jeito na tela, sendo funcional para o que o longa pedia, mas sendo "irreal" para o que uma pessoa normal faria, pois não amanheceria viva com algumas indagações e entregas. Já Lauren Graham foi muito mal aproveitada como a mãe do protagonista, apenas aparecendo em duas ou três cenas, mas sem fluir nem ser usada, e olha que é uma tremenda atriz que apenas gastaram o cachê.
Visualmente o longa passa por alguns jogos de hockey nas arquibancadas, algumas festas, exposições, quartos de hotel, a casa dos protagonistas, mercados, a empresa aonde o jovem e a garota trabalham, e até na casa da mãe num Natal bem esquisito, mas tudo bem simples e jogado, tendo as cenas num grupo de apoio como elementos mais chaves aonde a trama se desenrola melhor, e também em alguns restaurantes, mas tudo bem sutil dentro do estilo dramático, ou seja, aquele básico aonde o visual em si não importa, mas sim as atitudes, e aí talvez poderia ter um algo a mais para chamar melhor a atenção.
Enfim, é um filme interessante de proposta que dava para ir mais além para causar mais, pois o estilo em si pedia mais reviravoltas que talvez montado de forma diferente impactaria bem mais, mas ainda assim acaba sendo bacana por mostrar um luto administrado de uma forma mais seca, e assim acaba valendo a indicação. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, prometo ir para temas mais leves, que já deu de luto dois dias seguidos, então abraços e até logo mais.
Amante da sétima arte desde sempre, crítico desde 2010 após se formar em cinema, confere todos os lançamentos que saem nos cinemas e praticamente todos que saem nas plataformas de streaming, comentando sobre todas as partes técnicas (direção, história, atuações e qualidades visuais e sonoras) de cada filme usando uma linguagem simples e acessível para todos, auxiliando o público se deve ou não conferir os longas lançados. Gosta de todos os estilos, mas ama mesmo um bom suspense para ficar tenso do começo ao fim quando seu queixo cai com uma boa reviravolta.
