Eu Sou o Rocky (I Play Rocky)

É engraçado que até antes de ver o trailer do filme "Eu Sou o Rocky" sequer tinha noção que o longa "Rocky" tinha sido escrito pelo próprio Sylvester Stallone antes mesmo dele ser conhecido pela explosão que o filme foi mundo afora, ou seja, um completo aspirante à ator que fazia algumas pontas em produções menores, conseguia um ou outro teste, e claro que escrevia alguns roteiros com o que lhe vinha a mente, até o dia que vendo uma luta de boxe lhe veio algo que inspirou a escrever o filme de sua vida. O mais interessante de se pensar é que pode até ser que deram algumas romantizadas na trama para ficar algo mais para cinema realmente, mas quem ficar até o final dos créditos irá ver uma entrevista de Stallone logo após as premiações que ganhou em 1977 falando que só se fosse feito um filme sobre os bastidores da trama que acreditariam a loucura completa que foi, pois o cara sendo manobrista de carros, sem um tostão no bolso e ainda com a esposa grávida, rejeitar a grana alta que lhe foi oferecida pelo roteiro para menos de 10% do que ofereceram apenas pelo sonho de atuar lá em plenos anos 70 tem de ser muito maluco, mas deu muito certo, afinal depois desse filme ficou famoso e fez muita coisa, então foi esperto. O longa é bem sacado e quem conhece bem o mundo dos bastidores do cinema verá coisas malucas e impressionantes da época, como o uso de steadycam, os conflitos sindicais que os produtores morrem de medo, as escolhas de locação e até mesmo como uma música que achavam estranha para a produção virou uma marca, ou seja, o pacote completo na telona que não chega a ser brilhante, mas que envolve e agrada bastante na tela.

O longa narra como Sylvester Stallone apostou em si mesmo para interpretar o papel-título de destaque em Rocky. Um ator esforçado, com o rosto parcialmente paralisado e um problema de fala resolve escrever o roteiro que um grande estúdio de cinema quer comprar, mas ele só irá vendê-lo com uma condição: que ele seja o ator principal. Recusando uma oferta de dinheiro que mudaria para sempre a sua vida, ele trabalha por centavos para fazer o filme do jeito que ele planejou. Ele lutou tanto que conseguiu a chance de interpretar o papel da sua vida: Rocky Balboa. O filme se tornou o maior sucesso de bilheteria de 1976, obtendo 10 indicações ao Oscar e ganhando o prêmio de Melhor Filme. Essa é a verdadeira história da criação do icônico filme Rocky Balboa.

Diria que o trabalho do diretor Peter Farrelly foi bem dimensionado em cima do texto de Peter Gamble, pois contar a história por trás de um filme que foi marcante é algo que pode ser vista com muita simplicidade por alguns, mas que tem grandiosos obstáculos, principalmente envolvendo um personagem tão marcante e chamativo como é Sylvester Stallone, que tem um tom de voz diferente de tudo, tinha uma paralisia facial que dificultava a forma de falar, e ainda redesenhar todo o mundo do cinema naquela época é complexo demais, e assim sendo o filme não é como se fazer um making of tradicional, mas sim dar nuances que isso torne algo maior e funcione também na tela. Ou seja, o diretor comprou uma história apenas dita há praticamente 50 anos e desenvolveu com primor e com jeito, pois não ficou artificial e muito menos exageradamente realista, mas simbólica e envolvente como deve ser, e assim chama bastante atenção na tela.

Quanto das atuações, não conhecia o ator Anthony Ippolito ou apenas tinha visto de relance em algum filme que vi, e a semelhança dele com o jovem Sylvester Stallone na época do "Rocky" é gigantesca, sem contar que fez todo um trabalho de voz para conseguir se assemelhar com a do ator, trabalhos faciais e tudo mais, de modo que ele conseguiu segurar bem a densidade, mostrar um ator que era mediano, mas principalmente teve o estilo de convencer o público de que ele era o Rocky, e o melhor que era Sylvester Stallone, que nem se tentassem recriar com IA ficaria tão bem alocado na tela, ou seja, deu show com o que tinha para fazer. Outros dois bons nomes na tela foram o de P.J Byrne e Toby Kebbell que fizeram os produtores Irwin Winkler e Robert Chartoff de forma tão convincente de como é realmente a vida de produtores não tão imponentes em Hollywood, que brigam pelo espaço e que sabem como convencer tanto a indústria como os atores a se colocarem nos devidos lugares, e com trejeitos até que engraçados pelos sim e não que ouviam de cada lado foram se desenvolvendo e produzindo bastante na tela. Ainda tivemos boas cenas com AnnaSophia Robb fazendo a esposa Sasha, tivemos Tracy Letts entregando um Sandy Maddox bem imponente, e Jay Duplass trabalhando o diretor John Avildsen que tinha uma boa pinta e o ator fez ele de forma bem bacana na tela.

Visualmente o longa teve boas representações dos lugares aonde foram filmados as cenas do "Rocky", mostraram bastante dos bastidores simples e intensos afinal não tinham muito dinheiro para gravar por longos períodos, mostraram o lançamento da famosa técnica da steadycam que hoje todo mundo usa até em vídeos caseiros, e claro muitas cena no cinema aonde ele trabalhou como bilheteiro e conheceu a esposa, nas pequenas salas dos estúdios aonde foram ver alguns materiais de trabalho, e claro na academia aonde foi treinado para aprender a lutar boxe, sendo tudo com muito gracejo e uma simbologia bem colocada na tela pelos elementos cênicos, mostrando bem os bastidores de uma produção.

Enfim, é um filme simples, porém potente para mostrar como sonhar e ser maluco pode dar certo na vida de algumas pessoas, pois confesso que nas primeiras ofertas já teria aceitado o dinheiro e dado o roteiro para os produtores, mas tudo na tela funciona bem e agrada com altas possibilidades de indicações (não tantas como o filme "Rocky" teve), e assim sendo vale a conferida para todos conhecerem os bastidores de uma produção e claro quem sabe se inspirar. Fica a dica então e eu fico por aqui hoje, mas amanhã volto com mais textos, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Ebenezer e os Fantasmas do Natal (Ebenezer)

Muitas vezes alguns amigos me criticam de eu não ir rever determinado filme clássico antigo nas sessões, ou até mesmo alguns não tão clássicos em versões remasterizadas ou com algum extra, e sempre cito o motivo principal de que não tenho tanta memória (geralmente não lembrando muita coisa, e com isso posso desgostar de algo que tinha gostado muito), mas meu cérebro dá alguns leves bugs e fica falando comigo do tipo "você já viu isso dessa forma", e aí o conflito é grande, porém não ligo de refilmagens e/ou continuações mesmo que muitos anos depois, pois consigo assimilar a novidade, mas se tem algo que me irrita muito é ver a mesma coisa, colocada do mesmo jeito, mudando um ou outro personagem, um ou outro figurino, uma ou outra ambientação, pois aí é querer me chamar de burro na cara dura. E o que aconteceu hoje foi exatamente isso, pois já assisti tantas versões dessa história, que hoje nem tinham mais aonde mudar algo, então "Ebenezer e os Fantasmas do Natal" é praticamente o mesmo filme mudando alguns atores, tendo algumas imposições ou cenas mais fortes, mas nada que mudasse a essência e/ou algumas cenas, e isso é muito triste de ver acontecer, meio como fazer o público achar que está vendo algo novo e ficar pensando: "será que é o mesmo filme que está sendo reexibido na telona?", e com esse sentimento e sendo "avarento" como o protagonista que saí da sessão levemente irritado, pois não bastasse isso ainda colocaram capítulos escritos na tela para dar as quebras, ou seja, forçaram bem a amizade.

Na véspera de Natal, um homem avarento recebe a visita do fantasma de seu antigo parceiro de negócios, Jacob Marley, e dos espíritos do Natal. Abismado com as consequências de suas escolhas e com a possibilidade de um destino solitário, Scrooge precisa decidir se ainda existe tempo para mudar quem se tornou.

Diria que por ser um diretor de tramas de terror bem violentos, Ti West conseguiu dar um tom mais sombrio para o filme, mas quem for assistir esperando algo a mais dele vai se desapontar, pois já falo dele como sendo o diretor que só ficou "famoso" pelo apelo sensual de seus filmes anteriores, e aqui como não pode usar isso na adaptação, o resultado ficou morno demais. Claro que dando um tom mais forte para o texto de Charles Dickens vemos tudo de forma bem mais pesada, não sendo apenas a avareza triste versus a generosidade feliz, mas sim situações bem duras que chegam até ter um certo impacto na tela, mas ele não inventou a roda nem lustrou as calotas, de modo que já vimos tantas adaptações do clássico texto que o resultado acaba não impactando nem chamando atenção na tela, ou seja, ficou sendo como se estivesse vendo o mesmo filme pela milésima vez.

Quanto das atuações, vale sempre falar que Johnny Depp sempre entrega personagens de forma ousada, com nuances interessantes e chamativas que é a sua base, e aqui com muita maquiagem praticamente nem reconhecemos ele, até tendo de concordar com um comentário que vi no trailer que está bem parecido com o Pinguim do Batman, o que não deixa de ser muito diferente da personalidade de Ebenezer Scrooge, então ele fez o que sabe fazer bem e atuou, nada que seja memorável, mas bem colocado ao menos. Agora quem deu um show de atuação foi Tramell Tillman como o Fantasma do Presente, que incorporou um ser tão glutão e forte nas palavras e nas entregas, que fez o Fantasma do Futuro ser até bonzinho demais, puxando tudo para um ar mais tóxico juntamente de uma maquiagem que vai se envelhecendo e apodrecendo que chamou muita atenção na tela. Ainda tivemos outras boas atuações, afinal todos se entregaram bem para seus personagens ficarem ao menos marcados na tela, e assim vale dar destaque para o jeitão mais fechado de Rupert Grint com seu Bob Cratchit; Andrea Riseborough como a estranha Fantasma do Passado; e a intensidade dramática de palco tão bem conhecida de Ian McKellen com seu Jacob Marley tanto nos atos vivos quanto nos mortos; e claro  que vale valorizar um pouco a entrega de Arthur Conti como Ebenezer jovem bem diferente do atual, entre muitos outros bons atores que tiveram cenas mais rápidas na tela.

Um ponto bem positivo da produção ficou a cargo da direção de arte, que soube ser bem marcante e bem trabalhada, tendo uma Londres forte e densa nas três épocas que o filme se passa, tendo construções chamativas, uma prisão quase que em nível de escravidão e muitos detalhes nas mesas das famílias diferentes, trabalhando muito com tons escuros e fortes para dar a nuance mais sombria e acertando bastante nesse sentido. Porém, tenho de pautar que algumas maquiagens ficaram meio que estranhas na tela, sendo que poderiam ter trabalhado melhor para chamar atenção mais no visual do que no estranhamento, de modo que as dos fantasmas até foram condizentes e interessantes para a proposta, mas dos personagens normais acabaram ficando esquisitas.

Enfim, é aquilo, quem nunca assistiu nenhum outro longa baseado no texto de Dickens até pode ser que goste dessa versão, se surpreenda pela mensagem em si e saia fazendo gentilezas ao invés de ser avarento na totalidade como o personagem, mas quem já viu algum ou todas as versões se sentirá enganado achando que está vendo o mesmo filme apenas com alguns detalhes novos, ou seja, não diria que dá para recomendar demais ele. E é isso meus amigos, tive uma sexta-feira 13 não muito feliz, afinal dois filmes medianos que poderiam ter ido mais além, mas ao menos fiz o que gosto que é estar no cinema, então ficam as dicas para quem não tiver mais o que conferir nas telonas, e eu fico por aqui hoje, mas amanhã volto com mais dicas, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Boiúna - Terror no Amazonas (Beware Boiúna)

Tem um famoso ditado que no mundo do cinema atual nada é criado e sim tudo é recauchutado, e hoje vi uma versão de "Anaconda" porém se passando na Colômbia com muito mais violência, aonde claro os diálogos são meio que jogados na tela, e que quase acabou mais rápido pela falta de elenco, já que a cobrona logo já sai comendo todo mundo, mas como sobraram alguns a perseguição na floresta foi intensa e com boas pegadas e sustos, de modo que até enrola um pouco demais para ter uma resolução decente no melhor estilo dos outros filmes do estilo, mas ao menos não chega a cansar.

O longa acompanha um grupo de médicos em aventura nas profundezas da floresta amazônica na esperança de fornecer ajuda a comunidades isoladas. Porém, a chegada deles não foi bem recebida por todos e até mesmo a floresta responde de forma inusitada. Quando eles ficam cara a cara uma lenda do folclore amazônico de origem tupi, as coisas fogem completamente do controle e a sobrevivência de todos é colocada em risco. A produção mistura suspense e ação para representar uma história conhecida no Brasil, ao mesmo tempo em que os amigos médicos tem motivações individuais escondidas para realmente terem aceitado a viagem

Diria que o diretor e roteirista Mike P. Nelson que já demonstrou saber brincar com violência na medida certa em "Natal Sangrento" e promete repaginar o futuro "Jogos Mortais XI" trouxe para a tela a famosa pegada de vilões contra mocinhos, trabalhando alguns temas pesados, mas que se perdem rapidamente, afinal o que passa a valer é a sobrevivência contra alguém muito maior, e dessa forma deu para ver que ele ousa bastante em efeitos práticos, muito sangue e até algumas cenas nojentas, é isso é uma boa base para esse estilo, então o resultado acaba fluindo bastante, mostrando que ele tem pegada e estilo, é assim segurando bem a trama não chega a desapontar com o que entrega.

Quanto das atuações, achei que Logan Marshall-Green iria desaparecer rápido na tela para ter alguma moralidade com seu Brennan Malloy, mas como resolveram segurar ele por muitas cenas, já que é o ator mais caro do projeto, acabou fazendo alguns bons trejeitos de desespero e segurou a barra até onde pôde, e assim agradou. E junto dele tivemos Kiana Madeira com sua Lena, mostrando uma mulher potente e imponente na tela, sendo até um pouco exagerada com tudo o que acaba acontecendo com ela, e seguindo sobrevivendo, mas era a base da trama, então fez o que tinha de fazer. Quanto aos demais, vale um destaque para Jessica Rothe com sua Alli, que trabalhou um pouco a expressividade da personagem diante dos dois perigos, sendo intensa no que precisava fazer e desesperada quando tudo deu errado, ou seja, acertou bem, Will Close foi engraçado com seu Callum lutando contra todos os insetos da floresta, e ainda tivemos Jaime Newball com seu Raúl mais na dele, mas sendo chamativo nos momentos que precisou se impor na tela, já os demais foram bons palitos de dente para a cobrona, não que todos que falei tenham sobrevivido.

Visualmente o longa fica quase todo dentro do barco na primeira metade e dentro da floresta na segunda parte, não tendo muito o que inventar tendo um barzinho da comunidade aonde param para tratar algumas pessoas, alguns garimpos ilegais no meio do caminho, e claro a cobrona, que é nítido que brincaram com muitos elementos práticos "realistas", mas também tem muita computação gráfica por trás, não sendo daquelas que aparecem tanto para as câmeras, mas que consegue dar uns bons sustos, isso ela consegue.

Enfim, é um filme honesto com a proposta, mas que não tem muito o que inventar nesse estilo, aonde temos alguns sustos, cenas violentas de pessoas sendo devoradas por animais, e claro alguns "animais" que se julgam humanos fazendo algumas besteiras, e tudo isso regado a bons ângulos de câmeras e brincadeiras práticas na tela, então serve apenas como um passatempo do estilo que foi bem feito ao menos. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto hoje ainda com mais uma dica, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Como Roubar um Banco (How to Rob a Bank)

É até estranho se pensar nisso, mas os roteiristas andam meio que abusando das ideias para seus filmes, pois é meio arriscado jogar com essas situações no mundo atual, afinal podem ser que levem tudo muito a sério e usem suas bases para algo mais real, e aí o processo pode vir junto como cúmplice! E dito isso, fui hoje conferir o longa "Como Roubar um Banco" não como um manual, afinal ainda não estou querendo fazer isso, mas pensando nas possibilidades que esse vértice de conectar mais o pessoal da internet acostumado com vídeos curtos, manuais, seguidores e viralizações interpretaria uma trama assim, e acredito que a grande sacada do diretor foi enxergar isso em seu filme, pois o longa é uma mistura de vídeos com ações de roubos, e tendo a base principal do motivo não simplória, mas com uma pegada que talvez já tenhamos visto muitas outras vezes, então o diferencial mesmo ficou a cargo dessa dinâmica mais rápida e jogada na tela. Ou seja, não é um filme com ares muito novos, mas que sabe brincar com a proposta e entreter, de modo que quase esquecemos realmente do lance da moça com seu programa de imagens e o agente do FBI, importando mais os vilões do que todo o restante mostrado na tela.

O longa nos mostra que um grupo de assaltantes de banco habilidosos transmite seus ousados roubos ao vivo, sem perceber que sua crescente fama viral os colocou na mira de um veterano agente do FBI e de uma brilhante engenheira de software. Mesmo com a improvável dupla se aproximando cada vez mais, a quadrilha ultrapassa todos os limites, arriscando tudo por aquilo em que acredita — e por seu assalto mais ambicioso até então.

Quem conhece os longas do diretor David Leitch sabe que ele nasceu de cinco meses, pois suas tramas são tão enérgicas e desesperadas na tela que você nem consegue respirar muito bem para associar as coisas logo de cara, mas isso só é bom para que a dinâmica não esfrie e/ou demore muito para acontecer, então algumas vezes é preciso parar rápido para que sobre tempo no miolo, o que acabou rolando aqui felizmente. Só diria que ele exagerou na dose de multicâmeras em recortes, fazendo parecer algo proposital do filme, afinal a ideia é de ladrões que se gravam para depois publicar as imagens para os seguidores, mas isso acaba virando uma muleta para o longa, não tendo desenvoltura nas dinâmicas dos diálogos, parecendo algo meio que perdido na tela, e assim sendo talvez um pouco menos de linguagem de celulares agradaria mais.

Quanto das atuações, mesmo não sendo o protagonista quem teve momentos mais expressivos na tela foi Pete Davidson com seu Vince, pois trabalhou bem a conexão com a filha e nos momentos finais teve uma entrega marcante com olhares e muito envolvimento, mostrando que dava para o filme ficar mais imponente sem tantas quebras. E falando do protagonista, diria que Nicholas Hoult foi bem incisivo nos momentos que seu Ryan está com a máscara do lobo, realmente atuando para ser expressivo, porém nas cenas sem a máscara pareceu meio que um cordeiro calmo e com nuances meio que frouxas, o que acaba incomodando um pouco, ou seja, dava para ele ter ido além. É engraçado como John C. Reilly combinou bem com a personalidade de seu Agente West, parecendo realmente que foi feito para aquilo, entregando cenas intensas bem colocadas e boas dinâmicas na tela, só acredito que faltou um pouco mais de investigação, mas nada que tenha atrapalhado. Agora queria saber o que aconteceu na edição do longa o uso real do programa que a personagem Reagan que Zöe Kravitz faz, pois vemos ela meio que passeando na tela com o oficial e só foi expressiva em alguns momentos, meio que dando nuances mais jogadas do que entregando muito do programa, e isso ficou um pouco estranho de modo geral.

Visualmente o longa teve assaltos bem imponentes, um banco gigantesco e muitas cenas nas ruas com perseguições, algazarra e tudo mais, tendo as pessoas se fantasiando igual o lobo, propagandas dos produtos que usam para apagar digitais, motos potentes, cenas em trens e alguns momentos mais fechados na ilha de edição do rapaz, em um datacenter imponente, tendo tudo bem dominado na tela para que fizesse sentido, além claro de muitas câmeras pequenas e drones, ou seja, o pacote completo de bons assaltantes influencers, e claro que as cenas no culto durante os créditos foram melhores que o filme todo.

Enfim, é um bom filme de ação com momentos bem colocados, aonde o exagero das multiplataformas cansa mais do que funciona, e a história em si não foi tão bem desenvolvida na tela, mas ainda assim agrada quem curte o estilo e talvez sirva de dica para quem quiser assaltar um banco aprender algumas técnicas, mas nada do que já não tenhamos visto em outros filmes, aqui sendo de um modo mais irônico e cômico na tela. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais textos, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Lago dos Ossos (Bone Lake)

Certa vez me perguntaram qual o gênero mais fácil para se fazer um filme e a resposta é bem fácil, afinal o terror slasher não precisa fazer nenhum sentido e se nada agradar na história é só sair matando os personagens. E o longa "Lago dos Ossos" segue exatamente essa ideologia, pois pensa em um filme sem nexo algum, garanto que ele vai fazer mais sentido do que esse, sendo que a premissa até tem um mínimo de pegada, mas os personagens são péssimos, as cenas violentas são bobas, e para ajudar veio com uma dublagem tão ruim que nem o próprio Marco Pigossi que é brasileiro se dublou na tela, ou seja, foram os minutos mais mal gastos da minha vida no cinema, pois nada funciona e nem fazem questão disso.

No longa vemos que dois casais de férias acidentalmente alugam a mesma casa de veraneio reclusa, forçando-os a dividir a idílica mansão. Sage e Diego organizaram uma viagem romântica para uma propriedade perto de um lindo lago, mas os planos dos dois acabam tomando um rumo diferente quando um outro misterioso e atraente casal Will e Cin aparece alegando também terem alugado o palacete. Eles decidem, então, compartilhar a casa, mas rapidamente tensões inesperadas surgem e o retiro se transforma numa teia de mentiras, manipulações, sexo e desejos reprimidos. Gradualmente, segredos reveladores e há muito tempo escondidos virão à toa.

Diria que a diretora Mercedes Bryce Morgan não quis inventar muito para que seu filme tivesse ao menos uma história interessante na tela, de modo que a ideia inicial parecia ter um fluxo, mas depois se perde por completo quando tenta explicar os motivos, e piora quando ele resolve entregar a matança nos minutos finais, de modo que enrola tanto no joguinho que a hora de picar todo mundo nem sobra espaço, é assim sendo fica faltando sangue e pedaços. Ou seja, talvez o orçamento não permitisse tanta violência, então falaram para ele criar algo melhorzinha de gato e rato, ou melhor de intrigas relacionamentos, mas não deu certo, é assim a falha ficou completa.

É até difícil tentar falar algo das atuações, pois tudo é tão ruim que nem mesmo os atores acreditaram no que eles estavam fazendo em cena, é assim sendo tivemos um Marco Pigossi tentando ser forte para que seu Diego (que na trama é mexicano e não brasileiro) não caísse em tentação pela moça, mas também mantivesse um ar culto de escritor, ou seja, fez algumas caras e bocas sem ir muito além. Já Maddie Hasson trabalhou sua Sage sem muitas desenvolturas na tela, aliás a personagem quase some de tão fraca que é, e assim sendo nem nos momentos mais empolgantes do fechamento conseguiu se mostrar. Já do outro lado, ao menos Alex Roe e Andra Nechita tentaram ser sensuais com seus Will e Cin, mas faltou trabalhar uma personalidade mais sanguinolenta para que eles tivessem um ar mais psicótico neles, é assim sendo não foram marcantes quando precisaram atacar.

Visualmente o ambiente até foi interessante por mostrar uma mansão imensa, com alguns quartos meio que incomuns, mas praticamente usaram mais a sala e a piscina, tendo o lance do lago dos ossos apenas mostrando o fundo em alguns atos, mas nada de ossos mesmo, e quando a violência aparece para chegar no slasher mesmo, já é hora de finalizar, de modo que economizaram bem nas próteses para não precisar explodir o orçamento.

Enfim, é um filme extremamente fraco que como drama não causa nada, como terror não impacta e sem ter uma história que funcione realmente acaba sendo daqueles que você fica pensando será que era só isso mesmo ou tinha alguma filosofia pelas entrelinhas, e assim sendo não vale a recomendação. E é isso meus amigos, vou arriscar ver mais um longa para ver se salva ao menos o dia, pois esse não dá para contar.

Leia Mais

Klara e o Sol (Klara and the Sun)

Como de praxe fiquei muito bravo quando vi que o longa "Klara e o Sol" só viria em versões dubladas para a cidade, mas isso já está virando algo muito comum, então nem dá para reclamar, porém deixei ele para o final dos longas que tinha para conferir, e olha que fui extremamente surpreendido, sendo daqueles filmes que trazem mensagens fortes, que trabalha o amor incondicional que uma IA (ou como disse um amigo, um animal) pode ter por você, e que sendo bem sutil na entrega da ideia consegue envolver do começo ao fim, entregando algo potente de intensidades, mas que funciona de um jeito muito gostoso de acompanhar. Ou seja, tanto a protagonista quanto o diretor conseguiram brincar com as facetas da trama, sendo daqueles filmes que talvez se fosse mais pesado nas mãos de algum diretor mais dramático não ficaria tão gostoso de conferir, mas talvez quebraria o mundo das premiações, pois a ideia é excelente, e já vimos outros exemplares bem usados nesse sentido.

O longa nos mostra que Klara é uma garota robô projetada para aliviar a solidão humana. Programada para compreender e interagir com os sentimentos dos seres humanos, Klara é comprada por uma mãe dedicada, Chris, para sua filha, Josie, uma jovem brilhante que enfrenta uma doença misteriosa. Josie logo se apega a Klara, encontrando consolo na companhia da robô, mas a sua condição está se deteriorando rapidamente. Determinada a ajudar sua nova amiga e a família que a acolheu, Klara embarca em uma jornada para descobrir a cura para a doença de Josie. Em sua busca, Klara se depara com os desafios e complexidades do amor e da perda humana, aprendendo sobre a profundidade dos sentimentos que vão além de sua programação. Enquanto Klara explora os limites do que significa realmente cuidar e amar, ela enfrenta dilemas éticos e emocionais, revelando como a verdadeira conexão pode surgir até mesmo em um mundo onde a tecnologia parece dominar. 

Particularmente sou muito fã do estilo do diretor Taika Waititi e costumo dizer que ele sabe trabalhar com um ar cômico toda a emoção de suas tramas, claro que por vezes exagera um pouco, mas aqui ele deu um tom bem gostoso para o livro de Kazuo Ishiguro, pois até consigo pensar na trama com um ar mais dramático que algum outro diretor trabalharia, porém ficaria algo talvez exageradamente forte sem conseguir emocionar na medida, então diria que a pegada de Taika tem presença conseguindo fazer com que a protagonista fosse muito mais além na tela, só tendo um grande problema, o filme ficou só de Jenna, de modo que todos os demais sumiram na tela, não chamando nada para si, e isso o diretor não soube amarrar bem.

E já que comecei a falar das atuações, foi até engraçado ver Jenna Ortega em um papel sem ser de cara fechada e/ou tensa na tela, e ela conseguiu trazer um carisma tão gostoso de ver em sua Klara que junto da ingenuidade da personagem o resultado acabou fluindo fácil demais, ou melhor, não tão fácil já que ela precisou carregar o filme inteiro afinal os demais personagens poderiam ter dado uma ajudinha. E falando nos demais personagens, não conhecia a atriz Mia Tharia, e aqui sua Josie ficou digamos tão fechada na tela que até esquecemos que ela é a base da protagonista, e com toda sinceridade não sei se o diretor pediu para ela ser assim ou foi um péssimo trabalho na tela, pois não tem lógica alguma a introspecção total, mesmo a garota estando doente, ou seja, faltou trabalhar ela. Já Amy Adams até teve alguns momentos interessantes, porém sua Chris não foi tão usada como deveria, ficando alguém com estilo demais, mas que aparentou estar perdida no papel, e isso pesou na tela. E por fim ainda tivemos outros bons secundários, que talvez se tivessem sido mais usados dariam um show na tela, como Aran Murphy com seu Rick, Steve Buscemi com seu Capaldi e Jesse Grifin com seu Espantalho, mas como também tiveram poucas cenas não puderam ir muito além.

Visualmente o longa começa bem trabalhado com a loja dos robôs com um estilo mais rústico, afinal temos ali as versões mais antigas, enquanto do outro lado da rua a loja com os mais novos e tecnológicos, depois vamos para uma casa até que bem paramentada, mas sem muitos detalhes no meio do trigal, com os famosos rolos, colheitadeiras, celeiros e espantalhos, tendo um tom bem amarelado para valorizar o sol que a personagem tanto fala, e o longa brinca muito com detalhes dos elementos cênicos que são poucos, mas valorizados pela equipe de arte, tendo um ar sutil para que a formatação fosse até meio que poética.

Enfim, é daqueles filmes que dá para assistir apenas curtindo e também dá para conferir pensando em muitas situações e reflexões, aonde a personificação de um futuro assim chega a ser meio que assustador, mas não é difícil de se imaginar, e assim sendo o resultado funciona bem e agrada. Sendo assim fica a dica para a conferida, mesmo que dublado, pois não está tão forçado nesse sentido. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Minha Vida de Sereia (Miss Mermaid)

Confesso que estava meio apreensivo com o que iria ver em "Minha Vida de Sereia", pois desde quando saiu a programação do Festival de Cinema Francês do Brasil 2026 fiquei pensando o que poderia dar certo em uma trama desse estilo, mas hoje ao conferir tive de me redimir, pois ficou tão bacana, tão leve e tão marcado pelas nuances, que você fica refletindo o que levaria alguém a abandonar o trabalho que traz seu sustento para virar sereia profissional, e o melhor é que a síntese da trama faz todo o sentido, ou seja, não é algo que você simplesmente acontece, mas aonde o brilho e claro a chance de ganhar um bom dinheiro mudou todo o vértice da protagonista, e mais do que isso, vemos que realmente existe um mundo aonde muitas pessoas vivem disso, ou seja, tem pra todo tipo no mundo mesmo!

O longa nos conta que recém-divorciada, Fanny, uma mulher de trinta e poucos anos de Fécamp, só guarda do casamento um sofá de couro sintético e dívidas que se recusa a pagar. Apesar de uma ânsia ardente por liberdade, essa trabalhadora fica atolada na rotina. Até o dia em que cruza o caminho de Anémone, uma sereia profissional de passagem pela região…

Diria que as diretoras e roteiristas estreantes em longas de ficção, Pauline Brunner e Marion Verlé, foram perfeitas em usar como base o documentário que dirigiram em 2019 sobre o assunto, pois lá acabaram conhecendo bem como é esse mundo das sereias profissionais e botaram a ideia de mudança de vida de uma mulher que está abarrotada de dívidas, trabalha como uma doida limpando uma fábrica de congelados e casas de turistas, mas que ao ver o brilho e a possibilidade de dinheiro vivendo com algo fantasioso, muda sua perspectiva, e claro também daqueles ao seu redor. Ou seja, é a famosa saga da princesa, mas que vista de uma forma diferente, sem príncipes, apenas o poder de conseguir viver melhor e de um modo mágico, que acaba sendo divertido e sutil de reflexões, aonde não temos nada muito grandioso na tela, mas que de um certo modo funciona bem.

Quanto das atuações, foi bacana ver o trabalho de Aloïse Sauvage com sua Fanny, de modo que ela não demonstrou querer ser algo a mais do que já era, não mudando seus trejeitos mais fechados, mas colocou uma personalidade interessante na tela, da pessoa desesperada pela mudança, e essa força de vontade foi bacana de ver, que mesmo aparentando um certo ar depressivo conseguiu agradar e chamar para si os momentos que precisou. Ainda foi bem bacana ver os amigos do trabalho mudarem junto com a protagonista, de modo que Annie Mercier com sua Paulette totalmente revoltada com o mundo, e principalmente com o filho que quer lhe mandar para um asilo, cheia de personalidade e imposições, sendo bem encaixada na trama; e Thomas Vandenberghe com seu Martin inicialmente aparentando ter sido jogado do nada na trama, mas que depois se desenvolveu bem com o trio, e o resultado acabou funcionando bastante na tela.

Visualmente diria que o filme foi bem simples, porém ao mesmo tempo bem estranho, pois ver a protagonista nadando num tanque que sei passa comida ficou meio sei lá sem uma base, tivemos alguns atos no mar e em piscinas com a jovem passeando com sua cauda de peixe, muitas imagens de celular, o barco-casa do amigo da fábrica e claro a convenção com os seres mais bizarros do mundo humano-aquático que se realmente existem dá para ficar com um leve medo, mas que a equipe ao menos representou bem na tela.

Enfim, está longe de ser uma trama perfeita e que vá fazer o público querer ver demais correndo por ser brilhante, mas entrega algo até bem emocional e realista, ao menos no ponto das pessoas sonharem em mudar de vida e de emprego para ganhar dinheiro e sonhar mais, então fica a dica para a conferida. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas amanhã volto com meu último filme do Festival, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Uma Menina de Ouro (Une Fille En Or)

Costumo dizer que gosto mais dos dramas românticos franceses do que das comedias dramáticas deles, pois geralmente ficam bobinhos demais na tela não indo por fluxos que empolguem, é isso pesa um pouco na tela. E a entrega do longa "Uma Menina de Ouro" vai nem até a metade, sendo absurdo em alguns momentos e cheio de gracejos em outros, porém se enrola no ritmo e se perde na finalização, querendo parecer algo maior do que realmente é, e assim fica faltando algo que pudesse envolver melhor o espectador. Não digo que seja ruim de conferir, pois é bonitinho na tela, mas força um pouco a amizade e não faz rir tanto quanto poderia, e assim ficou algo mediano demais!

A sinopse nos conta que um dia, Clémence percebe que ninguém jamais a admirou. Iludida pelas lembranças de uma infância caótica, ela conhece um tal de Paul, um pequeno empresário autoritário a quem nada nem ninguém impressiona. Ela então pensa que é hora de se perguntar uma única questão: “E se eu valesse mais do que imagino?”

Diria que o diretor e roteirista Jean-Luc Gaget até trabalhou bem as dinâmicas para dar o tom de possessão e obsessão dos personagens principais, porém faltou para ele desenvolver mais as situações para levar o filme para rumos melhores do que o apenas engraçadinho, bobinho, levinho e vários outros inhos, de modo que a trama pedia algo a mais para fluir e engatar algo melhor, porém o resultado não vai além, é assim falta para empolgar, o que é uma pena, pois dava para ser daqueles memoráveis na tela com poucos ajustes, então a falha ficou mais com ele do que com os atores e com a história.

Quanto das atuações, diria que Pauline Clément gosta de bicicletas, pois já é o segundo filme que colocam a pobre atriz para pedalar em menos de 15 dias, e aqui com sua Clémence Dreyfus até vemos o quão versátil ela é com seu estilo, pois trabalhando com um ar cômico conseguiu misturar romance, investigação e até algumas pitadas dramáticas, sendo bem ampla que sem precisar forçar fez bem o que precisava para seu papel funcionar, só faltou a direção melhorar a história que aí seria impecável. Já Arthur Dupont trabalhou seu Paul com um ar tão fechado e tão cheio de TOCs que chega a incomodar no começo da trama, mas depois ele muda tanto que parece que foi meio que amansado ou simplesmente esqueceu do papel, algo que ficou um pouco estranho de ver na tela, que talvez se melhor desenvolvido até fizesse mais sentido, mas como não rolou, ficou apenas estranho. Ainda tivemos alguns atos interessantes de Émilie Caen com sua Bianca e Loïc Legendre com seu Bernard, tendo a primeira uma explosão incrível na cena do jantar, e o segundo meio que perdido em cena, mas ao menos fizeram seus papeis bem colocados.

Visualmente o longa foca basicamente no apartamento da irmã da protagonista, na empresa de segurança do rapaz e no apartamento da protagonista cheio de badulaques do seu coproprietário artista, não tendo grandes focos em elementos cênicos, brincando apenas com ela seguindo o rapaz até o tarólogo, e indo vender alguns equipamentos, além da irmã olhando a atriz tocando harpa pela janela, ou seja, tudo bem básico e até jogado demais, aonde nada leva a algum lugar, mostrando que a equipe de arte não teve muita ajuda.

Enfim, é um filme que talvez melhor desenvolvido daria para impressionar bem mais, mas que se perdeu por demais nas situações, sendo apenas bonitinho com o fechamento (que todo mundo esperava) e assim não fluiu bem na tela. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas vou conferir mais um longa hoje, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

De Gaulle: A França Livre - Parte 2 (La Bataille de Gaulle: J'Écris Ton Nom) (De Gaulle: Liberté)

Acho interessante diretores que pegam projetos gigantescos e decidem dividir a trama em partes para que seu longa não fique longo demais, porém uma coisa que a maioria precisa saber é aonde cortar para que uma parte não fique impactante demais e a outra extremamente morna, ou então se realmente não daria para fazer um filme só com um tempo menor, mas com um impacto completo já na tela. E claro que estou escrevendo isso ao falar de "De Gaulle: A França Livre - Parte 2" pelo simples motivo de que se na semana passada tivemos um tremendo filmaço que beirei a dar nota máxima, mas hoje como a expectativa estava nas alturas acabamos brochando com a quantidade de trama alongada que chegou a dar até um pouco de sono no miolo, e eu ter de olhar no relógio quanto tempo faltava para encerrar, o que considero o ato máximo de falta de entrega em um filme. Ou seja, o conjunto dos dois filmes ainda é algo muito interessante para aprendermos muito mais do que aconteceu na França durante a Segunda Guerra Mundial, aonde só víamos a confusão entre alemães e aliados, mas um país quase deixou de existir com conflitos entre os próprios militares e com as conspirações fora dele, e assim sendo vale a conferida como um todo, mas essa segunda parte dava para acelerar muito e chamar muito mais atenção na tela.

A sinopse nos conta que com uma convicção insana, o general De Gaulle tenta uma última cartada: convencer o mundo de que a Batalha da França não está perdida. Pouco a pouco, levantam-se ao seu redor, na Inglaterra, na França e na África, resistentes clandestinos, estudantes revoltados e soldados determinados. Sua fé, sua audácia e sua fúria pela liberdade desafiam a História, que, no entanto, parecia ter sido escrita de antemão.

Já tinha falado na primeira parte que gosto muito do estilo do diretor e roteirista Antonin Baudry, mas infelizmente tenho de apontar que ele "valorizou" demais o tamanho da História Francesa para que seu filme tivesse uma duração de quase 320 minutos na tela, pois dava para facilmente isso virar uns 180-200 minutos e ficaria incrível, mas claro que perderia tempo das batalhas, de algumas dinâmicas entre os rebeldes, de conversas paralelas e tudo mais que ele desenvolveu, filmou e ficou "com dó" de eliminar no produto final, então ao optar para dois filmes acabou alongando alguns atos na tela. Claro que ficaria também com muita pena se o projeto fosse meu, e principalmente tivesse uma história desse porte que é tão importante para o país, mas no cinema isso precisa ser levado em conta, principalmente quando as duas partes não são exibidas juntas, diferente do que vai acontecer no streaming daqui algumas semanas, então aqui faltou ele empolgar o público com a mesma intensidade da primeira parte, e longe de ter ficado algo ruim de conferir, mas é o famoso pensamento de que vamos esperando algo e saímos com o "só isso!".

Quanto das atuações, ainda continuo com o que falei sobre Simon Abkarian que entregou muita personalidade no papel principal, fazendo com que seu Charles De Gaulle fosse bem marcante, ainda mantenho também a entrega de boas sacadas de Simon Russell Beale com seu Winston Churchil, porém a segunda parte é praticamente toda da imposição e entrega que Niels Schneider fez com seu General Leclerc, sendo daqueles que conseguem levar o exército e o público com seus trejeitos e dinâmicas. E do lado dos rebeldes tivemos uma entrega que já tinha sido boa no primeiro longa, mas aqui se intensificou ainda mais com trejeitos marcantes e dinâmicas fortes para Anamaria Vartolomei com sua Livia, mostrando que a jovem atriz tem personalidade e encantou com o que fez. Na primeira parte, Campbell Scott apenas apareceu um pouco com muita imposição para cima de seu Roosevelt, mas aqui ele fez algumas cenas que chega a dar raiva de seu personagem, ou seja, o ator se entregou mais e chamou mais atenção. Poderia falar de muitos outros que entregaram bons momentos, mas como disse aqui tudo foi muito enrolado na tela, então vale dar leves destaques para Thierry Lhermitte com seu Giraud, e Félix Kysyl com seu Rex bem imponente sofrendo uma tortura fortíssima na tela.

Visualmente as cenas de batalha no deserto continuaram incríveis de ver, tivemos a grandiosa tempestade que já vimos no longa "Pressão" aonde ocorre o famoso "Dia D" da invasão dos aliados nas praias da Normandia, e foi bem bacana ver também toda a dinâmica dos parisienses fazendo as barricadas para deter os alemães, sendo tudo muito bem representado em proporções gigantescas para mostrar que a equipe de arte não economizou em detalhes, além claro de termos muitas reuniões em mesas gigantes com vários personagens importantes.

Enfim, ainda é um tremendo filmão (literalmente) que agrada bastante no conceito político e histórico, mas faltou entregar a mesma imposição e dinâmicas da primeira parte para continuar impactando, e assim sendo não empolgou tanto. Claro que não tenho como recomendar que vejam somente a parte 1 e fiquem sem ver a parte 2, pois é necessário o conteúdo para completar, então se der, tentem ver de forma seguida, que assim o resultado talvez impacte melhor na tela. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Cavalo Selvagem Nove (Wild Horse Nine)

Como nem tinha visto o trailer de "Cavalo Selvagem Nove" fui conferir o longa sem esperar muito dele, apenas ouvindo a mídia e alguns amigos que seria o ano de John Malkovich finalmente ganhar as premiações, e nesse sentido até concordo, pois ele sempre foi injustiçado por algumas obras e aqui ele está muito bem na tela, porém sabendo dos filmes fortes que o diretor já entregou, esperava ao menos uma trama que me prendesse a atenção, o que acabou não acontecendo aqui, pois vemos algo morno demais na tela, aonde as dinâmicas não acontecem, apenas sendo um jogo de verdades e mentiras aonde não sabemos se devemos confiar ou não no que o protagonista diz. Ou seja, acredito que faltou algo mais imponente para um fechamento de vida de um agente da CIA, pois quando o longa realmente pega fogo, ele acaba.

No longa vemos dois agentes da CIA que são enviados para a ilha de Páscoa como um teste de confiança. Pouco tempo depois do golpe de Pinochet tomar o governo do Chile em 1973, os detetives da CIA Chris e Lee são transferidos de Santiago para a ilha de Páscoa por seu chefe MJ. Entre as icônicas estátuas, os dois parceiros de longa data enfrentam seus passados sombrios e recentes conspirações. Chris, porém, pode colocar a perder a viagem de todos para esse paraíso quando ele se envolve com um grupo de estudantes rebeldes e revolucionários.

A história que o diretor e roteirista Martin McDonagh tinha em suas mãos poderia levar muito mais além na tela, pois ele sabe bem criar boas tramas amarradas na tela sem precisar criar muitas dinâmicas, porém aqui ele fez algo que chega a ser desanimador, e nem é por ser os últimos suspiros de um agente com câncer, mas pela falta de criatividade para conduzir as falas do personagem, parecendo que estava apenas ouvindo um audiolivro aonde a biografia do agente estava sendo trabalhada, é isso sem ações sendo mostradas mais cansa do que agrada, de tal forma que próximo ao final eu já estava com sono, algumas pessoas já começavam a ir embora e somente aí que a situação deu um leve gás. Ou seja, é daqueles filmes que muito se escuta e pouco vê, tendo algumas boas sacadas divertidas do protagonista, mas que não muda a cara da trama, é isso acabou pesando demais no resultado.

Quanto das atuações, posso dizer que o estilo de John Malkovich combinou demais com o que seu Chris tinha para passar, pois o ator já está bem velho, provavelmente já está realmente com sua biografia pronta narrada com entonações perfeitas como faz aqui, mas talvez pudessem ter representado toda a essência do personagem mais novo, para que aí sim ele brilhasse mais com suas memórias, e dessa forma que acabou entregando bons trejeitos durante suas cenas, mas sem a valorização devida. Outro que foi bem na tela, inclusive já ganhando seu Oscar por outro filme do diretor, foi Sam Rockwell com seu Lee, tendo momentos expressivos na tela com dinâmicas mais abertas e até mais conexões, porém sem uma inspiração maior do diretor, o resultado dele aqui não vai muito além, tendo claro um excelente fechamento, mas dava para fazer ambos ganharem muitos prêmios com poucas mudanças. Já Steve Buscemi apenas fez atos de gritaria com seu MJ, além claro de botar as imaginações do protagonista como verdades, mas sem aparecer muito na tela 

Visualmente o longa também não explorou muito os ambientes, tendo a base no Chile de 1973, depois indo para a famosa Ilha de Páscoa com suas cabeçonas como diz o protagonista, tendo alguns cavalos andando pelo quadro e algumas filmagens com uma câmera antiga, além de um show em um bar e momentos do café da manhã no hotel, tendo algumas cenas com mais interações dos pequenos carros da época, mas nada de mais que mostrasse um filme chamativo na tela.

Enfim, é um filme morno demais de história para atuações boas demais na tela, aonde o diretor esqueceu completamente de tudo o que já fez de bom e apenas seguiu o famoso protocolo para entregar um filme que lhe tenha sido encomendado, e isso geralmente não agrada muito o público comum, sendo que talvez alguns até se envolvam com a narração do protagonista, mas se esperar algo a mais vai sair desapontado da sessão. E é isso meus amigos, ainda vou conferir mais um longa hoje, então abraços e até daqui a pouco.

Leia Mais

Apenas Uma Ilusão (Juste une illusion) (Just an Illusion)

Costumo dizer que algumas tramas francesas conseguem levar você para um outro mundo sem precisar fazer algum tipo de ficção científica, apenas trabalhando uma vida tão real que você se vê na tela, sente a presença e o que o protagonista está tentando passar, e ainda faz você se envolver com a ideia toda, e isso é algo muito bacana de ocorrer, pois não força a barra, não vira uma novela, e muito menos te cansa, ao ponto que mesmo sem ter gigantescas reviravoltas você acaba querendo ver mais, mas como é um filme precisa encerrar, e isso deixa você tão feliz quanto. E o mais engraçado é que desde o dia 29/10 imerso no Festival Francês de Cinema do Brasil 2026 não vi nenhuma obra que tivesse feito isso comigo, e olha que está bem bacana, mas precisei assistir a cabine de um longa que estreia um dia após o festival acabar (12/11) no país, e se chama "Apenas Uma Ilusão" aonde brilhantemente vemos um jovem garoto que está para ter seu bar mitzvá, ou seja, a transição da infância segundo os preceitos judaicos, e se vê nesse mundo caótico entre hormônios, brigas familiares, e entender o que ele é realmente, para onde vamos quando morremos, e como é que irá seguir, sendo algo tão sutil de entregas que você nem se dá conta do que está sendo entregue na tela, mas sim uma desenvoltura forte que ainda entrega uma época que muitos se enxergarão, os famosos anos 80. Ou seja, é um filme simples, tocante e bem alocado que consegue funcionar de maneira tão fácil e ainda bater uma sensação gostosa no espectador, valendo com certeza a indicação.

O longa nos conta que em 1985, Vincent, prestes a completar 13 anos, vive em uma família de classe média na periferia de Paris, entre um irmão mais velho e pais em conflito constante. O filme acompanha esse universo instável entre a infância e a adolescência, quando surgem as primeiras questões sobre identidade, família, amizade, religião e os primeiros impulsos amorosos que começam a redesenhar a sua relação com o mundo.

Não costumo ler nada sobre o filme antes de assistir para não tirar muitas conclusões enquanto estou conferindo, mas conforme o longa foi sendo exibido tinha quase que toda a certeza que a trama era baseada nas memórias dos diretores, afinal fica muito claro saber passar uma essência tão marcante de época, músicas, lojas, roupas, filmes e tudo mais, de modo que sabemos tão bem o estilo dos diretores e roteiristas Olivier Nakache e Éric Toledano que dá para sentir o afeto na tela em cada detalhe que procuraram mostrar (mesmo com algumas leves adaptações temporais), e isso soou brilhante e tão gostoso de acompanhar que não sentimos nem o tempo de filme ser exibido, que acaba sendo até engraçado que quando olhei no relógio falei nossa já tudo isso, e isso é a magia que o cinema tem de fazer, pois muitas vezes vemos alguns filmes até curtos que duram uma eternidade na tela, e como já falei outras vezes, esse é o maior erro que um diretor pode ter, de segurar o espectador contra a vontade dele. Ou seja, os diretores fizeram suas memórias ecoarem de uma forma tão segura na tela, que mesmo não aparecendo na tela baseado nisso ou naquilo você sente a presença, e isso foi lindo demais de ver acontecendo.

E falando em segurança, que arraso foi ver a atuação do garotinho Simon Boublil, que em sua estreia mostrou uma personalidade tão bem trabalhada que parecia ser de um profissional perfeito junto de outras estrelas do cinema francês, de modo que seu Vincent brilha fácil, se desenvolve bem na tela e agrada com sutilezas marcantes que facilmente foram bem utilizadas pelos diretores na tela. Confesso que senti falta de Louis Garrell nesse ano no Festival Francês, pois sempre é figurinha carimbada no meio de tantos filmes que vemos em duas semanas, e agora está explicado, pois estava filmando agora como um pai desempregado, algo até estranho de ver, pois sempre fazendo personagens mais jovens, aqui ele segurou bem a onda de seu Yves, trabalhou bem as nuances de muitos executivos que quando saem de um trabalho sofrem com vários outros semelhantes concorrendo pelas vagas, além de mostrar com seu jeitão solto um personagem mais fechado com boas nuances na tela, ou seja, foi bem também. Outra que sempre entrega bons filmes é Camille Cottin e aqui sua Sandrine tem a perspectiva da mulher do futuro nos anos 80, aquela que não quer mais ser secretária, que quer aprender a dominar a computação, que tem virtudes imponentes, e que claro ainda tem seus filhos para ensinar, ou seja, algo que ela soube muito bem entregar e agradar sem soar forçada na tela. Ainda tivemos boas cenas de Alexis Rosenstiehl com seu Arnaud expressivo e cheio de entonações dos jovens roqueiros, Pierre Lottin trabalhando como um zelador do conjunto de prédios bem intrusivo, e claro a jovem Jeanne Lamartine bem encaixada como Anne-Karine, que foi expressiva ao mesmo tempo que trabalhou o carisma junto do protagonista.

Visualmente estou bem curioso como o longa foi filmado, pois geralmente quando fazem tramas de  uma época marcante dentro de uma cidade, com passeios por shoppings, ruas e tudo mais procuram focar mais dentro dos ambientes, para não ter de produzir o estilo com tantos carros, figurinos e lojas, e aqui você vê uma trama tão aberta, com tanta personalidade dos anos 80, que parece que você voltou para lá, ou seja, tivemos elementos bem presentes como as video-locadoras com as famosas salinhas secretas dos filmes pornográficos, as lojas de roupas da moda, as famosas jaquetas que todo garoto gostaria de usar, os computadores antigos, e muito mais, sendo um trabalho de pesquisa marcante e bem chamativo.

Enfim, que trama tão gostosa conseguiram mostrar aqui, sendo um longa bem simples, que muitos talvez nem enxerguem toda a beleza dele e consigam se envolver como atingiu comigo, mas que tem personalidade, estilo, boas atuações e principalmente uma direção leve e funcional, que talvez até poderia ter ido mais além, mas que ainda assim funcionou bastante, e só não irei dar a nota máxima para ele, por talvez faltar alguma ousadia maior na tela, mas ainda assim é um filme que vale recomendar com toda certeza. E é isso meus amigos, fico por aqui agradecendo os amigos da Mares Filmes pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Compostela, O Caminho da Terapia (Compostelle)

Costumo dizer que alguns filmes são tão lineares que até eu que gosto de filmes mais certinhos fico triste pela falta de ousadia, de modo que "Compostela, O Caminho da Terapia" é bonito de ver, tem uma essência marcante pela entrega dos personagens em tentar fazer uma mudança nas suas vidas, mas fica tudo apenas como um road-movie simples na tela, aonde caminhamos junto com eles pelas belas paisagens da França e da Espanha, vemos as diversas alterações de humor do rapaz e só, e isso acaba sendo uma falta grave em filmes desse estilo. Não digo que seja algo ruim, até traz bons momentos marcantes que podemos usar para alguma certa reflexão, mas funciona tão mais quase como um vídeo de agência de viagens do que como uma trama que pudesse causar reviravoltas chamativas e impactar com algo na tela, sendo o famoso resultado bonitinho, mas que não vamos lembrar dele muito para frente.

A sinopse nos conta que Fred e Adam, um adolescente em crise, não se conhecem. No entanto, graças a uma associação, eles partem juntos para a peregrinação a Santiago de Compostela. Ela busca fazer as pazes com seu passado; ele tenta canalizar sua raiva e seu sentimento de abandono. Ao longo dos quilômetros, entre confrontos e momentos de pausa, um laço frágil vai se formando. Diante das provações do caminho, cada um descobre em si uma força inusitada.

Diria que faltou ousadia e sobrou drones para o diretor e roteirista Yann Samuell trabalhar e desenvolver melhor sua trama, pois com um rapaz tão conflitivo e uma mulher desapegada com tudo o que estava rolando na sua vida, daria para ele ir muito mais além, criar mais problemas e desenvolturas na tela e não focar somente na caminhada como acabou fazendo, de modo que ele estruturou as passagens por algumas cidades com os pensamentos escritos do rapaz, colocou alguns julgamentos e esqueceu de que precisava ir mais além para que o público se envolvesse também na tela, ao ponto que friso que ele não fez um mal trabalho, apenas não acreditou no potencial de uma caminhada de 2000km mostrar algo a mais do que paisagens e paradas, para isso bastava ele ver os vários outros filmes de caminhadas que existem aos montes nos streamings, que aí com algumas reviravoltas e intensidades resultaria em algo chamativo e marcante.

Quanto das atuações, dentro do que o filme teve para apresentar, Julien Le Berre entregou muito, sendo expressivo, conseguindo mudar o temperamento do personagem da mesma forma que se dá um tiro, sendo direto no olhar e chamando bem a responsabilidade (ou a falta dela) para seu papel, e isso mostrou que tem potencial para ir ainda mais além se cair nas mãos de um bom diretor. E Alexandra Lamy fez de sua Fred literalmente uma incógnita gigante, tanto que no jogo da verdade ou desafio que o garoto propõe em determinado momento, se fizessem isso com a atriz ao invés da personagem, ela diria que ainda está procurando inspiração para saber o que fazer na tela, pois o diretor não lhe disse e ela apenas caminhou, desconfiando muito do rapaz em alguns momentos e em outros fazendo cara blasé. Quanto aos demais, a jovem Maëlle Vidou teve algumas dinâmicas com os protagonistas, depois desapareceu, reapareceu e desapareceu de novo, meio que quase como se alguns atos seus não tivessem ficado na montagem final, e Eric Métayer apenas fez um Paul explosivo que não chamou para suas cenas em nada do que fez.

Volto a falar que visualmente o longa é lindíssimo, todo mundo que vai fazer qualquer trecho que seja ou a caminhada completa fala que o caminho é transformador, vemos imagens de ângulos e mais ângulos com o drone do diretor, temos algumas pousadas, alguns mosteiros e paradas regulares em restaurantes e casas durante o caminho, mas nenhuma grande simbologia na tela, sem ser claro a imagem que o rapaz ganha, e assim sendo diria que a equipe de arte foi preguiçosa de certo modo, pois poderiam ter ousado mais sem depender 100% do caminho.

Enfim, é um filme bacana que não traz muita coisa para o público, que é bonitinho de se ver pelas imagens, mas que falha em ser algo maior e mais chamativo, de modo que quem for conferir ele acabará apenas sentindo a presença da caminhada para talvez algum dia ir ou rever se já foi, mas se duvidar nem lembrará dos atores que tiveram no quadro daqui alguns dias. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas hoje ainda tenho uma cabine para conferir, então abraços e até breve com mais dicas.

Leia Mais

Godzilla Minus Zero (ゴジラ-0.0) (Gojira -0.0)

Mesmo não sendo muito fã de filmes de bichões gigantes admiro o potencial da cultura oriental pela qualidade que conseguem fazer dessas obras "estranhas" de destruição de cidades, e sinceramente não imaginava que iriam fazer logo uma continuação de "Godzilla Minus One" pelo gasto gigantesco e claro por ter sido algo que os fãs se apaixonaram e os críticos nem tanto, mas eis que chegou "Godzilla Minus Zero" e tão grande quanto o primeiro filme conseguiram mostrar aqui cenas imponentes de como era o tratamento dos americanos e japoneses nessa época, tendo uma trama bem amarrada pela insanidade de aparecer um bichão ainda mais forte que o lagarto grandalhão. Ou seja, não digo que esse seja melhor ou pior que o anterior, aliás darei a mesma nota que foi bem boa para o primeiro, mas no quesito de um filme de destruição, aqui vemos algo tão maluco e insano, com coisas voando pela tela, e um nível de barulho que ao assistir na sala Imax saí da sessão semi-surdo e com um pouco de tontura, pois é literalmente explosivo.

O longa se passa dois anos após a guerra reduzir o Japão a zero e todos terem que reiniciar suas vidas. Agora, em 1949, o país finalmente conseguiu se recuperar e retomar sua vida cotidiana, mas a família Shikishima encontra uma nova ameaça capaz de provocar mais um estado de calamidade tão ruim quanto o anterior. Depois de um longo período tentando se agarrar a um pouco de esperança, toda uma nação vê ela ser esmagada em um instante. Sem possibilidade de retorno, dessa vez não terá terceira chance. Tudo termina aqui, independente dos resultados. O tempo será curto, mas determinante para decidir todo o futuro do país.

Diria que o diretor e roteirista Takashi Yamazaki foi bem coerente em seguir o que fez bem no primeiro longa, pois talvez se ele entregasse o filme para qualquer outra pessoa o resultado não impactaria tanto e principalmente não envolveria com a precisão de detalhes, porém me incomodou bastante a forma que ele forçou os personagens na tela, de modo que estamos vendo explosões radioativas, pedras gigantes voando, raios monstruosos e tudo mais, e os protagonistas ali em um pedaço todo quebrado da destruição anterior assistindo de camarote tudo, sendo que no mesmo filme é mostrado como a bomba atômica dos EUA fritou todos que estavam nas proximidades, ou seja, faltou um pouco de coerência nesse sentido, mas como estamos falando de uma ficção com bichos gigantes na tela, ele achou que não ligaríamos para isso. Porém tirando esse detalhe, é bacana demais ver como a representação também tem suas mensagens na tela, principalmente no que diz respeito aos americanos presentes no país ou fora deles, vemos muito das ideologias de vingança e também muita entrega disso no roteiro para que não fosse apenas um filme de destruição, mas sim um drama sobre pessoas e interações mundiais.

Quanto das atuações, achei bacana a volta de praticamente todos os atores do primeiro filme que sobreviveram, de modo que Ryunosuke Kamiki trabalhou novamente seu Koichi Shikishima com explosões cênicas bem chamativas e até se entregando um pouco para o drama. Vemos Minami Hamabe bem colocada com sua Noriko, que mesmo sendo estranho de ver ela com o tapa olho se entrega bem e tem seu carisma bem alocado. Ainda tivemos bons momentos de Hidetaka Yoshioka com seu Noda, sendo até mais denso do que no primeiro filme, afinal agora tem todo um departamento para comandar, mas foi chamativo e teve as devidas nuances. Agora não sei se é uma tendência do cinema atual, mas já é o terceiro ou quarto filme só nesse ano, que colocam algum personagem meteorologista, e aqui coube para Masami Nagasawa a missão com sua Aoyama bem trabalhada e chamativa, assumindo bem o protagonismo em suas cenas, mesmo que deixada meio de lado. E por fim vale ainda o destaque para Min Tanaka pela intensidade e loucura de seu Murakami querendo sua vingança contra os EUA, mas sendo inteligente e bem marcante nas expressões do seu personagem.

Visualmente o longa mostrou o Japão já bem destruído na tela, tanto pela guerra quanto pelo primeiro filme do Godzilla, e agora juntou mais um bichão para botar tudo pra voar pela tela, ou seja, o povo não tem dó de gastar na destruição e o resultado agrada bastante dentro do contexto, e claro os bichões foram muito bem desenhados, sendo algo tão diferente dos bichões hollywoodianos que funcionam até mais, além de terem alguns poderes assustadores aonde a presença dos efeitos especiais acabam mostrando um trabalho da equipe de computação imponente e chamativo.

Enfim, é um filmão literalmente, que é um pouco alongado e mantém demais a história do filme anterior, meio quase que como se fosse uma grande trama de quatro horas, e por esse motivo funciona tanto para o bem como para o mal, pois não se vai muito além na tela, mas que como disse o som forte e a destruição compensa, sendo algo que vale mais ir conferir na telona do que em casa, então fica a dica. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

Assalto à Brasileira

É engraçado como alguns filmes tão simples e bagunçados conseguem ser divertidos e encaixar tão bem dentro da proposta, de modo que você embarca na loucura e acaba gostando do que vê na tela. E como muitos sabem, minha memória é péssima, então lembrava de quase nada do assalto do Banestado em 1987, aonde o longa "Assalto à Brasileira" se situa, e mais ainda da loucura completa que ocorreu, só lembrando mesmo do começo do filme aonde o dinheiro e os preços das coisas mudavam de valor durante o dia inteiro, valendo praticamente nada para a população do Brasil. O mais interessante é que o filme mostra bem como a proteção nos bancos na época eram inexistentes, as filas e confusões eram literalmente uma bagunça, e nem os assaltantes eram criminosos mesmo, montando um plano frouxo aonde se não fosse a ajuda do jornalista em ir fazendo as conexões e dando talvez as ideias do que eles realmente queriam ficariam ali ou teriam sido mortos rapidamente em alguns minutos. Ou seja, é uma comédia tanto pela situação bizarra quanto pelo texto colocado nos personagens, funcionando como cinema, mesmo já tendo visto diversos filmes do estilo e da formatação.

O longa acompanha um jornalista recém desempregado chamado Paulo que, enquanto tirava sua rescisão no banco, se vê envolvido em um dos maiores roubos da história do país: um crime à mão armada na maior agência bancária de Londrina em 1987, com mais de 300 reféns. Rapidamente o repórter faz bom uso da oportunidade e prepara um grande furo jornalístico. Paulo decide ajudar os mandantes do assalto, Moreno e Barba, durante as negociações com a polícia. Enquanto as autoridades rondam e isolam o local, o jornalista aproveita seu passe exclusivo e livre pela cena do crime e começa a entrevistar os reféns, reunindo evidências, histórias de vida e perspectivas do ocorrido para sua história. Ambientado em um cenário de crise econômica, o longa lembram o assalto ao Banestado que marcou e repercutiu na memória do país.

Costumo dizer que o diretor José Eduardo Belmonte é daqueles poucos diretores nacionais que sabem o que querem fazer do começo ao fim em suas tramas, ao ponto que o roteiro de L.G. Bayão em cima do livro de Domingos Pelleegrini também ajuda bastante, pois vemos o conflitivo resultado de ter tanta gente dentro e fora de um banco rolando um assalto, vemos os policiais completamente despreparados para tudo o que está acontecendo e ainda como o jornalista mesmo quase enfartando pelos seus problemas junto do calor do banco soube ser sagaz para ir montando seu furo jornalístico criando e montando a situação para que algo que seria simples e rápido com várias baixas virasse algo bem maior e chamativo. Claro que muita coisa foi inventada para ficar com mais cara de filme, mas o diretor soube aproveitar cada momento maluco e cada personagem caricato que tinha ali para que tudo fosse bem além e agradasse dentro da essência completa.

Quanto das atuações, foi bacana o trabalho que muitos dos figurantes viraram personagens secundários, tendo algumas falas e dinâmicas, deixando que os protagonistas fizessem somente a base mesmo do assalto e o restante fosse de pessoas "comuns", e assim a brincadeira ficou até que bem interessante. E falando dos protagonistas, sabemos o quanto Murilo Benício sabe brincar até mesmo em filmes mais sérios, e aqui como seu Paulo tem um jeitão mais despojado e de showman, ele se joga literalmente, fazendo o que um bom jornalista faria numa situação para ganhar toda vantagem, e ainda aparecer bem, de modo que agradou bastante com sua representação. Já Christian Malheiros trabalhou seu Moreno com um ar tão calmo e tão descontraído que nem parecia um assaltante, e o mais engraçado de tudo é ver no depoimento final dos verdadeiros funcionários do banco na época, é que eles o retrataram assim mesmo, alguém educado e calmo, ou seja, o ator utilizou-se disso e brincou com a faceta expressiva para dar as nuances e envolver cada um. Ainda dentro do banco vale destacar Robson Nunes e Matheus Macena como outros assaltantes bem em contraponto de entregas, com o primeiro mais fechado e o outro até arrumando uma namorada entre os reféns, e do lado de fora do banco vale falar claro de Paulo Miklos como um comandante meio sem muita base, mas que sendo conhecido do jornalista entra bem na onda da mídia.

Visualmente a equipe de arte merece muitos aplausos, pois conseguiram representar um banco da época com muitos detalhes, e o melhor é que o diretor aproveitou o ambiente praticamente único para dimensionar tudo na tela, dar as nuances da montanha de dinheiro que era o cruzado e brincar com poucas salas, uma bancada e algumas mesas, sendo o gracejo nos figurinos mais diversos, e nas demais representatividades, só diria um grande defeito, que quem já fez filme com armas vai notar que as menores eram todas falsas e isso pesou um pouco no design da tela, mas nada que atrapalhe por ser um ar mais cômico.

Enfim, é um filme simpático que faz você dar algumas boas risadas com toda a confusão, mas que poderia ter um efeito mais chamativo se desenvolvesse algo a mais na trama, porém como quiseram ser representativos com o que aconteceu foi funcional e agrada bastante com o que faz, valendo a dica para conhecerem mais do Brasil maluco dos anos 80. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas volto ainda hoje com mais um texto, então abraços e até logo mais.

Leia Mais

O Sentido da Vida (Soudain) (急に具合が悪くなる) (All of a Suden)

O topo do pôster do longa "O Sentido da Vida" já diz tudo sobre a dupla premiação em Cannes para ambas as atrizes do filme, pois confesso que se não soubesse que elas são atrizes renomadas, diria com toda certeza que são expertises no assunto que defenderam na tela, uma formada em antropologia trabalhando como diretora de uma casa de repouso, e a outra formada em filosofia/sociologia trabalhando como diretora teatral, pois o domínio delas nas entregas foi algo fora dos padrões, inclusive com a francesa dominando tão bem o idioma japonês e vice-versa que olha é de tirar o chapéu. E quanto da história o diretor trabalhou com tantos temas fortes que seu filme de quase 200 minutos poderia ser daqueles que você dormiria e acabaria morto de cansaço com tudo, mas não é de forma alguma, sendo algo tão bem encaixado na tela, tão didático, tão preciso nas nuances para defender as ideias e dinâmicas sobre a senilidade, a taxa de natalidade caindo, a democracia e como manter um trabalho no mundo capitalista atual, ou seja, um filme denso com uma verborragia imensa tradicional francesa, porém com o toque cadenciado e certinho japonês, aonde tudo flui, tudo tem voz e encanta sem cansar um segundo que fosse.

A sinopse nos conta que sendo a diretora de uma instituição para idosos, Marie-Lou tenta aplicar ali uma filosofia de cuidados inovadora, baseada na escuta e na dignidade dos residentes, apesar da relutância de parte de sua equipe. Seu encontro com Mari, uma diretora de teatro japonesa que luta contra um câncer, vai mudar completamente o rumo de sua vida. Ao estabelecerem uma amizade profunda, as duas mulheres se unem em uma luta para tornar possível o impossível.

Diria que o diretor e roteirista Ryūsuke Hamaguchi soube utilizar bem o livro de Maho Isono e Makiko Miyano para que seu filme ficasse bem no seu estilo cadenciado, que mesmo sendo longo, não é alongado, aonde você assiste tranquilamente vendo tudo acontecer e já pensando em tudo o que está sendo mostrado, afinal é algo mundial o envelhecimento da população, e claro que muitas pessoas gostariam de serem tratadas como humanos realmente até os últimos segundos de sua vida, e não como um vegetal e/ou um objeto largado deitado em uma clínica, e a sacada de como tudo se desenvolve na tela é tão bacana que você passa a ter grandes considerações pelas protagonistas, não sendo algo que você vê de forma técnica sem te levar para lugar algum. Ou seja, é o famoso filme que muitos vão torcer a cara só de ver a duração, outros vão achar algo tão de festival que nem passaria perto, mas quem se deixar levar pela ideia proposta e refletir sobre o assunto vai gostar demais no final.

Já falei bastante das atuações no começo, mas é inegável a qualidade de Virginie Efira com sua Marie-Lou e Tao Okamoto com sua Mari, de tal forma que ambas entregam um cuidado para com o próximo, passam por cima até do seu cuidado próprio, e que trabalhando todos os sentimentos possíveis na tela vão se desenvolvendo calmamente, sem precisar apelar para traquejos falsos, que como falei no começo pareceram saber exatamente do que estavam falando ali e não atuando, ou seja, dominaram o tema, entenderam a proposta e colocaram acima de qualquer perspectiva para envolver o público para o assunto, com ambas brincando ao falar misturando francês e japonês quase como se fossem nativas dos dois idiomas, andando e discutindo sem termos afobação ou cansaço, e tudo mais que pudessem fazer para agradar realmente na tela, dando show e claro já levando muitas algumas premiações pelo que fizeram. Ainda tivemos outros bons atores, cada um dando as devidas nuances para se conectar com as protagonistas, mas valendo dar destaque somente para Kyôzô Nagatsuka com seu Goro e Marie Bunel com sua Sophie por serem os que mais se jogaram nos momentos mais fortes.

No conceito visual a trama mostrou bem a clínica de idosos em Paris, mostrando alguns quartos, refeitórios e salas com discussões do que fariam nos quartos do diretor, vemos também a área externa quase como uma grande praça bem trabalhada na jardinagem, vemos uma peça inteira em um pequeno teatro com boas utilizações de instrumentos musicais pela plateia, vamos também para Kioto ver a casa da protagonista, e claro muitos passeios pelas ruas da cidade, sendo até bem interessante de acompanhar elas, isso tudo com muitas dinâmicas e atividades para os velhinhos com muita simbologia em tudo e claro aumentando o envolvimento na tela.

Enfim é um filme bem diferenciado, interessantíssimo pela proposta entregue na tela, com uma densidade que funciona bastante e que segura o espectador, não sendo daqueles que você cansa e acaba desistindo de ver, que claro não é um filme para todos, pois quem gosta de algo mais explosivo talvez não entre completamente no clima, mas ainda assim vale a conferida para se pensar em muitas coisas. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

Leia Mais