O Drama (The Drama)

Sempre falei que Hollywood nunca foi boa de dramas cômicos ou comédias dramáticas, pois acabam falhando com o principal de não causar dramaticidade nem fazer rir na medida suficiente para empolgar e chamar atenção, isso digo até hoje, pois se os próximos diretores se espelharem no longa "O Drama" com toda certeza sairão outros bons filmes do estilo. Claro que a situação em si do tema é algo que funciona muito mais pelos EUA, e teoricamente para nós a ideia em si de não ter ocorrido, juntamente com as desculpas da moça, era para o noivo e os amigos relevar, e casamento que segue felizes e sorridentes, porém como a essência em si é algo bem preocupante por lá, o diretor foi genial na formatação da trama para que a entrega fluísse bem, envolvesse o público, levantasse certos elos morais, e claro fizesse rir pelas caras e imaginações dos protagonistas. Ou seja, é o famoso filme que pode funcionar perfeitamente para todos, como pode ter aqueles que vão achar a ideia idiota, ou até mesmo a dramatização fora de eixo, mas felizmente para mim tudo encaixou brilhantemente e me diverti demais com tudo, mostrando técnica e ideias na medida para o mundo atual.

O longa nos mostra que apaixonados e no meio dos últimos preparativos para o grande dia do casamento, o casal entra em conflito ao descobrirem segredos que jamais poderiam imaginar. A imprevisibilidade do acontecimento coloca em risco toda a confiança e amor dos dois, trazendo ao longa uma nova perspectiva sobre o romantismo. Intrigados com a situação, eles passam a se perguntar se realmente conhecem um ao outro e precisam refletir sobre o futuro dos dois.

Diria que o diretor e roteirista Kristoffer Borgli foi muito ousado para trabalhar com esse tema teoricamente pesadíssimo nos EUA, pois quem não é o tipo de situação que ninguém fica em cima do muro, ao ponto do diálogo sobre isso raramente conseguir acontecer, ainda mais jogar com um ar cômico cheio de aberturas para muitas risadas sobre, então acredito que ele passou esse texto por alguns amigos até conseguir maturar bem a ideia e ficar redondinho na tela como ele acabou fazendo. Ou seja, é daqueles filmes aonde você sente a mão do diretor em tudo, desde a ideia passando pelas atuações até a concepção final do corte completo, resultando em algo inteligente e bem interessante de acompanhar, aonde a hora passa voando, não ficando amarrado na tela até o final como já vimos em outros casos de tramas com DRs. Claro que alguns vão reclamar que muitas situações seriam incabíveis de se pensar em acontecer, mas pensando friamente, o diretor viu que dá pra qualquer coisa virar um pensamento "ruim" nos dias de hoje, e ao exemplificar isso na tela, mostrou que o mundo está na beira do caos de conexões, ao ponto de pouquíssimos saberem exatamente tudo que seu par "pensa" ou "fez" agora ou no passado.

Quanto das atuações, confesso não ser fã do estilo de nenhum dos dois protagonistas, mas também confesso que ambos estão melhorando tanto que logo mais vejo a possibilidade de se tornarem ainda maiores do que já são apenas para seus fãs, pois têm estudado e melhorado demais suas entregas. Dito isso, foi bem bacana ver Robert Pattinson bem solto na tela com seu Charlie, pois anteriormente só tinha feito dramas duras ou longas de ação, e aqui pareceu uma escolha fácil para ficar pensando nas situações que acabariam se desenvolvendo, fora seus surtos que impactaram nas entregas, ou seja, se jogou por completo e conseguiu chamar muita atenção. Da mesma forma Zendaya fez com que seus momentos fossem bem intensos e cheios de expressividade, controlando as dinâmicas de sua Emma dentro do possível, afinal estar sendo acusada acaba influenciando mil coisas na cabeça de uma pessoa, e a atriz soube segurar a bronca com trejeitos fortes e marcantes. A jovem Jordyn Curet foi muito forte nas cenas como a jovem Emma, pois carregar a emoção nos olhares da situação é algo que poucas conseguem, além de ser impactante. Outra que trabalhou muito bem, e provavelmente muitos irão ficar com raiva da ironia da personagem foi Alana Haim com sua Rachel, pois a atriz soube criar dinâmicas tão diretas e espontâneas, que se olharmos a fundo a pior coisa da mesa quem fez foi ela, mas contou de forma tão bem contada que pareceu bobeira, e a atriz incorporou bem isso na tela, e seguimos em paz. Ainda tivemos alguns bons momentos de Mamoudou Athie com seu Mike e Hailey Gates com sua Misha, mas sem grandes destaques que chamasse muita atenção.

Visualmente a trama foi bem marcante também mostrando o início com as provas de menu e bebidas, aonde saí o diálogo forte que dá voz à trama, tivemos muitos atos no apartamento dos protagonistas aonde vemos as discussões e vários elementos cênicos, muitos momentos na escola da protagonista jovem e também em sua casa ensaiando os atos, alguns momentos no museu aonde o rapaz trabalha, e claro toda a dinâmica no casamento aonde tudo vai ficando forte e imponente, ou seja, ambientes bem escolhidos, simples de essência, mas muito bem encaixados para que todas as cenas funcionassem.

Enfim, é um longa bem ousado, porém simples e funcional, aonde o roteiro e a direção fizeram toda a diferença, aonde os atores apenas se jogaram por completo para repassar bem isso na tela, e quando isso funciona, faz rir e impacta, o resultado acaba sendo perfeito. Sendo assim recomendo para todos irem conferir, e até fica a dica para pensarem como pergunta logo ao dar um boom no relacionamento soltar a frase: "Qual a pior coisa que você já fez?", assim economiza tempo e dinheiro se não for relevar o que a pessoa já fez. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje bem feliz com o que vi, e volto amanhã com mais dicas.

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A Mulher Que Chora

Costumo dizer que tramas que mixam o lúdico com o real, principalmente jogando com o mito da separação familiar e do apego por pessoas próximas costumam ser bem difíceis de digerir se não bem trabalhado pelo diretor, pois a essência em si pode até parecer bobinha pelo olhar de uma criança, mas se não for bem contada, o público adulto acaba se perdendo. E comecei dessa forma o texto do longa "A Mulher Que Chora", que estreia na quinta 09/04 em cinemas selecionados pelo país, pela simples dinâmica de um filme que começa encantando bem, tendo suas conexões bem explicadas e funcionais, e até nos envolvendo bem com a forma lúdica que a empregada venezuelana vai contando para o garoto a lenda, porém o segundo ato quando a crítica social entra em pauta e as situações mudam um pouco o rumo, o que deveria ganhar uma aceleração para perturbar o espectador e fazer ele entrar mesmo na digestão de tudo, o ritmo decai demais, ficando quase alongado sem necessidade. Ou seja, é um bom filme, simples, com uma proposta bem interessante, mas que infelizmente não chegou num clímax rápido, parecendo que a ideia original era de curta e acabaram esticando demais.

O longa nos mostra que um jovem menino de 8 anos chamado Miguel encontra refúgio do tumulto emocional que vive em sua casa abastada na companhia de uma jovem empregada doméstica misteriosa. Carmem é uma enigmática imigrante venezuelana que trabalha para a família rica de Miguel e que fugiu de seu país de origem deixando para trás seu próprio filho. Logo, uma relação de intimidade inusitada surge entre Carmem e Miguel. Ela se torna uma figura materna ambígua para o menino cujo relacionamento com a mãe biológica é marcado por distância e afastamentos. O vínculo inusitado entre os dois permite com que Miguel descubra um universo entre a realidade e a imaginação.

Diria que o diretor e roteirista George Walker Torres teve uma ideia grandiosa demais para um curta-metragem e pequena demais para um longa, pois seu filme tem pegada, tem essência e em muitos momentos consegue funcionar incrível como uma obra chamativa envolvendo ideias fortes de solidão, de racismo/xenofobia, e até mesmo do abuso, mas como sabemos que média-metragem ninguém quer fazer por falta de festivais e exibições, a opção acaba sendo alongar com cenas desnecessárias, quebras de ritmo e tudo mais que acaba incomodando o espectador, porém, ainda assim o resultado aqui foi o menos pior, pois como a dinâmica em si pedia algo mais reflexivo, acabamos vivenciando bem a síndrome passada pelo garoto e suas ilusões, e nesse sentido o longa "funciona" e mostra a técnica do diretor, afinal não sei se ele conseguiria jogar mais coisas na tela sem ficar exagerado, então acertou.

Quanto das atuações, o jovem Zayan Medeiros mostrou que tem muito potencial para seguir atuando, pois seu Miguel foi cheio de nuances, tendo momentos fortes e outros mais simples para incorporar o personagem, sendo doce quando precisou e também explosivo para não deixar que outros se impusessem em cima dele nas dinâmicas mais imponentes, ou seja, mandou bem no que tinha que fazer. Outa que teve uma essência misteriosa, mas com bons trejeitos foi Samantha Castillo com sua Carmen intrigante, cheia de envolvimento, e que sabendo aonde deveria ir com suas nuances, trabalhando bem o jogo do lúdico com o real, e abrindo bons vértices em cima da ideia amarrada na tela. Já a mãe do garoto vivida por Julia Stockler entrega trejeitos meio estranhos demais na tela, e o mais incrível é que convence bem com isso, ou seja, fez bem o que precisava. Agora falando o que não precisava, afinal foi apenas peso "morto" da bisavó que infelizmente não me entregou nada demais, nem as cenas com o pai, que só serviu para o "des"serviço de dar um canivete pro garoto.

Visualmente o longa teve uma entrega bacana até que bem interessante na tela, mostrando atos no meio de uma mata, tendo a mansão antiga da família, e até o gracejo da empregada precisar subir uma escada de obras para ir no terraço fumar e pensar no seu país aonde ficou seu filho, tivemos boas simbologias com muitos elementos cênicos e a essência geral que a equipe de arte desenvolveu até mesmo nos atos mais simples como a briga na escola tem fundamento para que o público repare em cada detalhe.

Enfim, é um filme potencialmente bem feito que acredito que se cortasse bem os excessos daria algo um pouco maior que um curta belíssimo, mas que acabou "floreando" demais alguns elementos sem dar a devida vasão, e o resultado do segundo ato cansou mais do que o esperado, ou seja, é daqueles que você precisa assistir sem sono algum, senão nao irá entrar no clima e acabará não gostando de algo que vale a pena ser visto e refletido. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje agradecendo a Olhar Filmes e a TIP Mídia Assessoria pela cabine, e volto amanhã com mais dicas.

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A Conspiração Condor

Não sou do tipo conspiracionista, mas muitas vezes quando alguns pontinhos começam a bater um pouco mais eu já saio achando que tudo tinha um motivo e daí pra frente ninguém me convence do contrário, ao ponto que posso até estar errado no final, mas na minha cabeça tudo o que imaginei bateu. E a pegada do longa "A Conspiração Condor", que estreia na próxima quinta (09/04) nos cinemas, brinca ou conta um pouco sobre como as mortes de alguns presidentes, políticos, jornalistas e outros mais simples aconteceram nos anos 70, tudo bem amarrado numa investigação jornalística interessante de proposta e bacana de essência, que poderia ser ainda melhor se fizesse o público entrar mais na onda, pois o filme peca um pouco nesse sentido, já que a intensidade foi calma demais para algo que precisaria impactar explosivamente. Ou seja, vemos um filme que tem formatação e ideias intensas, que trabalha algo marcante, mas que faltou jogar para o público as mesmas dúvidas da protagonista, para aí sim tudo pegar fogo na tela, e chocar, pois tudo ficou meio que leve demais para uma trama do estilo.

O longa começa em agosto de 1976 com a morte do ex-presidente Juscelino Kubitscheck num acidente de carro. Mais tarde, naquele mesmo ano, em dezembro, o então presidente João Goulart morre de um ataque cardíaco, elevando as suspeitas de uma jornalista chamada Silvana de que pode haver uma conspiração por trás dessas tragédias. Com a ajuda de outro jornalista, Silvana corre atrás de investigar essa sequência esquisita e suspeita de mortes que podem estar ligadas às ações de silenciamento e repressão do regime militar brasileiro.

Diria que o diretor e roteirista André Sturm até foi bem coerente dentro do trabalho da proposta, pois é notável todo o conteúdo de pesquisa da trama, é notável o desenvolvimento cênico para que as dinâmicas dentro de um jornal na época fosse bem amarrado, e ele soube criar o clima que a proposta pedia, afinal investigações jornalísticas sempre instigam bem o público, porém nesse ponto ele optou por não pesar tanto sua mão, ou quis mostrar que naquela época os jornalistas não tinham tanto anseio pela explosão momentânea, tanto que até vemos a protagonista desesperada por fazer tudo em um minuto logo que seu caderno some, mas não vemos a síntese impactar o outro lado, no caso em nós espectadores. Claro que isso possa até ser uma sensação minha por conhecer um pouco dessa história, mas faltou aquele impacto em ir colher mais fatos, sair desesperada atrás de tudo, e literalmente empunhar sua caneta como uma arma jornalística, mas tirando essa explosão que o filme pedia, o resultado mostra bem a época e consegue ao menos envolver sem cansar, e assim agrada dentro da proposta.

Quanto das atuações, gosto do estilo da Mel Lisboa, pois ela passa esse ar ao mesmo tempo jovial para sua Silvana, mas também trás uma perspectiva clássica de uma jornalista que se dispõe a enfrentar tudo e todos para conseguir o que quer, além claro de parecer muito com as jornalistas de colunas sociais, então talvez o único porém que colocaria na sua entrega foi a de não parecer "assustada" quando as coisas começam a pegar fogo, pois a curiosidade é algo que todos temos, mas o medo numa época como a que ela viveu e estava vivendo é algo que muitos tinham. Dan Stulbach é daqueles atores que conseguem ter personalidade em papeis fortes, e aqui seu Juan pareceu um pouco artificial demais, não demonstrando ser daqueles jornalistas imponentes como o papel pedia, ficando meio que subliminar demais para os momentos que foi colocado. Nilton Bicudo até entregou alguns atos chamativos com seu Floriano, mas para um censor acredito que entregou algo brando demais, pois sabemos que eles eram intensos e bem cheios de olhares em tudo. Quanto aos demais personagens, tivemos alguns atos bem secos de Maria Manoella com sua Marcela, e Carlos Meceni como o editor do jornal, mas colocar Pedro Bial como Carlos Lacerda foi abusar demais dos bons atores que temos.

Visualmente o longa teve um trabalho até que bem desenvolvido na tela, com uma redação simples de um jornal, alguns velórios bem movimentados dos políticos, e algumas cenas bem colocadas em restaurantes simples e casas da época, não sendo nada muito grandioso, porém bem colocado, agora algo que me incomodou um pouco foi a representação de um escritório ou delegacia aonde o caso foi arquivado, que a equipe de arte economizou em demasia e ficou algo muito artificial, e nesse sentido a falha foi bem grande.

Enfim, é um longa interessante pela proposta, cria como disse um bom clima investigativo, porém dava para ter ido muito mais além com pouquíssimas mudanças, a principal seria na forma explosiva de um suspense investigativo, mas isso é algo difícil de mudar na edição e precisaria ter sido melhor pensado na construção do roteiro, então não tinha como resolver depois, mas ainda assim vale a conferida na tela, principalmente para o pessoal que gosta de uma conspiração politizada. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Pandora Filmes e da Atômica Lab pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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Caso 137 (Dossier 137) (Case 137)

Uma coisa que sempre me deixou confuso no mundo todo é policiais, exército, juízes e tudo mais serem julgados ou investigados pelos seus próprios pares, de modo que podem até tentar serem imparciais, mas sempre vai existir aquela pulguinha que vai ficar pensando se não teria algum tipo de influência por trás dos bastidores para não culpar completamente algum delito de abuso de poder ou força. De modo que o longa "Caso 137", que estreia dia 16/04 nos cinemas, traz uma pegada densa de uma investigadora analisando o conflito entre a polícia francesa e os coletes amarelos no dia 08/12/2018 quando foi considerado um dos piores atritos com vários casos de abusos. Diria que o longa tem uma boa dose dramática por mostrar bem essa situação, afinal só o fato de estar intimando ex-colegas de profissão à depor já é algo complexo, mas analisar toda a situação, ir atrás de provas e até mesmo ter conflitos dentro da situação em si acaba sendo algo que o filme mostra difícil e cheio de opinião, podendo até correr riscos externos, mas que ao menos foi bem chamativo e bem trabalhado para impactar e funcionar dentro do que propunha, sendo um bom exemplar dessa categoria difícil de trabalhar.

O longa acompanha uma investigação a cargo da detetive Stéphanie, uma investigadora do departamento de assuntos internos da polícia nacional francesa, isto é, a polícia da polícia. O caso envolve um incidente com um jovem rapaz severamente machucado durante um protesto em Paris que, inesperadamente, toma um rumo muito pessoal para Stéphanie. Esse elemento surpresa perturba a agente e transforma o caso 137 em algo mais importante do que se previa.

O diretor e roteirista Dominik Moll gosta de trabalhar temas policiais, e seu filme anterior "A Noite do Dia 12" foi simplesmente incrível, e recomendo demais, e se lá ele deu mais voz para a polícia em si, aqui ele já foi mais crítico, mostrando duas coisas principais, que dentro de uma corporação sempre vão defender os seus, e como num passe de mágica ninguém irá lembrar o que fez em tal dia, e que no meio de um conflito gigantesco aonde ninguém sabia exatamente o que fazer, apenas que todos de coletes eram "do mal", os linhas soltas que querem descontar algo vão fazer o pior, isso seja na França ou em qualquer país do A ao Z, ou seja, o diretor foi muito preciso nesse sentido, colocando muita sinceridade tanto na sua opinião, quanto na sua pesquisa para que o filme ficasse o mais preciso possível. Ou seja, o diretor soube que seu longa poderia ser bem conflitivo e levantar muitas situações, principalmente ao trabalhar um tema complexo como é a polícia da polícia, e ao não se limitar com determinados anseios foi sincero com o que tinha levantado e não foi totalmente "chapa branca" como costumamos dizer, funcionando para ambos os lados na tela.

Quanto das atuações, Léa Drucker é daquelas atrizes que gostam de pegar papeis que deem para se desenvolver melhor em trejeitos e dinâmicas, e quando isso é puxado para algo mais retraído, aí é que explodem por completo na tela, de modo que a sua Stéphanie tem uma pegada séria e densa, cheia de nuances expressivas, mas sempre próxima de uma explosão, embora nunca puxem o gatilho, e essa sacada de trejeitos seus é muito bom de ser visto, tanto que acabou levando os dois principais prêmios franceses desse ano (o Cesar e o Lumière), ou seja, foi presente e marcou presença nos principais momentos, fazendo com que o filme fosse dela. O mais interessante de tudo é que o filme sendo de Léa, mais ninguém conseguiu se destacar na tela, ao ponto que todos os personagens viraram praticamente figurantes em cena, claro tendo alguns com mais intensidade e outros com menos, mas infelizmente não vale destacar ninguém na telona.

Visualmente o longa foi interessante, porém seco demais, tendo muitos atos dentro da delegacia com os protagonistas analisando imagens, tivemos algumas boas reproduções do acontecido na época, e também algumas cenas da protagonista passando por centrais sindicais nas viagens, além de alguns atos na casa dos pais da protagonista e seu apartamento, não tendo muito para onde sair, mas ficando interessante por conseguirem segurar a dramaticidade dentro de muitos interrogatórios monossilábicos.

Enfim é um filme bem funcional dentro da proposta, porém dava com poucos ajustes para ser ainda mais intenso, aonde a pegada causaria mais dinâmica e o resultado impactaria com uma representação maior na tela, mas ainda assim é bem bacana de vermos que não é só por aqui que muita coisa não vai para frente nas investigações, então fica a dica para conferir ele nos cinemas a partir do dia 16/04. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje agradecendo a Autoral Filmes através de sua assessoria pela cabine, e fico por aqui hoje, então abraços e até amanhã com mais dicas.

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Cinco Tipos de Medos

Um filme que estava bem curioso para conferir nesse ano era o ganhador do Festival de Gramado, "Cinco Tipos de Medo", pois tinha uma pegada no trailer que me interessou e como alguns amigos que foram conferir na época do lançamento no Festival disseram ser bem marcante a essência, só me aguçaram mais para esperar a estreia comercial dele, que ocorre agora na próxima quinta 09/04, e felizmente a trama tem uma pegada bem funcional para agradar o público fora do circuito de festivais, já que entregar uma trama bem amarrada entre todos os personagens, que até tem um estilo meio novelesco de dependência, mas que tendo uma dinâmica bem coerente consegue empolgar e fazer com que não percamos a vontade de conferir do início ao fim. Ou seja, é um estilo que até já vimos passar por aqui outras vezes, que alguns chamam de cinema favela ou de crimes espaçados, mas que tendo uma boa essência de ligações acaba empolgando e agradando pelo conteúdo completo.

A sinopse nos conta que depois de quase perder a vida em uma UTI, um jovem músico chamado Murilo se apaixona e se envolve com sua antiga enfermeira Marlene, que está presa em um relacionamento abusivo com Sapinho, um traficante do bairro. Um dia, Sapinho é preso pela policial movida por vingança Luciana e passa a contar com a ajuda do advogado com intenções secretas Ivan. Enquanto Marlene teme as consequências ao se entregar à paixão pelo antigo paciente, Sapinho é considerado o verdadeiro protetor e responsável pela segurança da comunidade local, apesar de controlar o movimento criminoso do bairro. Essas cinco vidas se entrelaçam num caminho sem volta.

Sendo apenas seu segundo longa-metragem, o diretor e roteirista Bruno Bini foi muito sagaz no estilo escolhido para trabalhar sua trama, pois dava facilmente para ser um filme menos quebrado, mas não impactaria da mesma forma conforme tudo vai acontecendo e se conectando, de forma que a entrega dos personagens até é marcante, mas o simbolismo de cada momento, junto da essência que ele representa quando apresentado faz toda a diferença na tela. Ou seja, é um trabalho tão bem conectado dentro da ideia toda, que o diretor soube montar algo que vai muito além da tela, mas sim a conexão entre personagens de tipos diferentes durante sua passada na tela, não deixando que o filme ficasse simples demais, mas também que não ficasse forçado para algo casual que recai para o lado novelesco, pois ao não optar por desenvolver os personagens de maneira solta, a entrega casa bem, impacta de modo certeiro, e o principal, funciona para todo tipo de público, sem cansar, tanto que o diretor levou pra casa os prêmios de edição e de roteiro, que é o que supre mais na tela.

Quanto das atuações, é até engraçado ver o quanto cada personagem funciona bem solto e dentro do conjunto da trama, tendo atos importantes para dar a conexão do longa e também chamar a devida responsabilidade cênica de cada momento, valendo claro dar o destaque inicial para João Vitor Silva com seu Murilo passando expressões marcantes em cada dinâmica sua, oscilando bem entre o apaixonado, o medroso e o corajoso de acordo com o que precisava fazer, sendo um grande acerto da produção. Tivemos também Xamã, que inclusive levou o prêmio de melhor ator coadjuvante para casa com seu Sapinho, bem imponente e cheio de atitude, trabalhando claro como todo fora da lei pensa, em se dar bem com o que precisar ser feito, e assim seu resultado acabou funcionando na tela. Outra que entregou atos bem marcantes e expressões fortes foi Bárbara Colen, que já está virando de praxe uma policial, pois já são tantas produções fazendo papeis do estilo que logo nem vai precisar prestar concurso para entrar para a corporação, brincadeiras a parte, mas ela sabe se impor bem nas suas personagens, e aqui sua Luciana é forte e intensa de estilo, o que deu um certo charme para o papel. E por fim vale ainda os destaques para Bella Campos com sua Marlene ousada e cheia de estilo, e também Rui Ricardo Diaz com seu Ivan misterioso, mas que depois de conectar tudo fica bem chamativo, ou seja, um elenco bem cheio das nuances que funciona bem na tela.

Visualmente a trama teve entregas bem diretas de cada locação, desde as UTIs da Covid-19 que ninguém gosta de lembrar, passando por bairros residenciais, comunidades e também um prisão, tendo os destaques pela simplicidade de cada momento até mesmo nos tiroteios para que tudo funcionasse com uma coesão interessante bem colocada na tela, de modo que não temos tantos elementos cênicos chamativos, mas o resultado geral acaba agradando bastante quando tudo se conecta.

Enfim, é um filme que mostra o potencial da mudança no cinema nacional, pois já vimos outros filmes com essa pegada, mas aqui o diretor soube usar de recursos e estilos tão bem alocados, principalmente com uma edição forte e chamativa, que ao final o resultado se fez ainda maior do que realmente é, parecendo até mais com uma produção estrangeira do que o comum que nosso cinema faz, e assim acredito que possa fazer um bom percurso lá fora também. E é isso meus amigos, fico por aqui agora agradecendo o pessoal da Primeiro Plano Assessoria e da Downtown Filmes pela cabine de imprensa, e volto em breve com mais dicas, então abraços e até logo mais. 

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Barba Ensopada de Sangue

Gosto muito quando vejo diretores nacionais inovando em gêneros que casualmente não eram tão produzidos por aqui, pois antes só tínhamos comédias escrachadas e dramas novelescos, então se arriscar era algo que geralmente nem dava público, e hoje mesmo não sendo uma lotação, tinha uma quantidade até que razoável para conferir um suspense introspectivo na telona. Então o que falta para o cinema nacional de gênero decolar? A resposta é simples, pois basta apenas que façam algo que não apenas o umbigo do diretor vai gostar, ou o famoso filme para levantar o ego de algum produtor. E porque comecei a falar do longa "Barba Ensopada de Sangue" dessa forma? Pois aqui o diretor Aly Muritiba raspou a trave de fazer algo extremamente cansativo que não levasse nada a lugar algum, demorando para engrenar e com uma sensibilidade até bonita dentro da essência, mas é daqueles filmes que o público comum assiste e sai reclamando do que viu, ficando algo somente bom para festivais. Claro que não estou falando de forma alguma que é um filme ruim, muito pelo contrário, aonde vemos técnica, vemos a história bem trabalhada na tela, mas não chama cinema comercial por acaso, precisa dar lucro, precisa fazer com que o público vá conferir, e aqui faltou isso, pois ao final saímos da sessão apenas com o pensamento de que o filme de 108 minutos poderia ser facilmente resolvido em 60 minutos no máximo.

O longa nos conta que após a morte de seu pai, Gabriel parte para a praia da Armação em busca de suas origens. O que ele acaba encontrando são versões contraditórias a respeito da figura misteriosa de seu avô, um esqueleto de baleia e uma cidade que quer enterrar seu passado a qualquer custo.

A cinematografia do diretor e roteirista Aly Muritiba é bem complexa, tanto que muitos de seus filmes são realmente tramas de festivais como falei acima, mas ele também sabe brincar bem com as essências e por vezes chamar muita atenção, como foi o caso de "Ferrugem", mas aqui usando um livro de Daniel Galera que muitos são apaixonados, diria que faltou ele ir mais além na tela, pois dava para criar situações mais intensas sem precisar diminuir tanto o ritmo, tanto que quando realmente o bicho pega da metade pra frente, o longa acontece e marca, mas até chegar lá confesso que por bem pouco não acabei cochilando. Claro que o desenvolvimento de uma trama introspectiva é diferenciado e precisa ir muito mais além, mas dava para chamar muito mais atenção com alguns poucos ajustes, principalmente no conflito entre o protagonista e os demais moradores da praia. Ou seja, ele fez daqueles filmes que poderiam ter ido muito mais além, mas optou pelo fácil, e assim seu filme ficou "calmo" demais para empolgar como um bom suspense.

Quanto das atuações, gosto muito do estilo do Gabriel Leone, e ele está fazendo seu nome cada dia mais no mundo todo, porém aqui esse papel não era para ele de forma alguma, primeiro que gastou mais de 3 horas todos os dias de gravação para colocar uma barba artificial, segundo que seu estilo é de personagens com uma maior pegada, e aqui exigia alguém com um ar mais denso, que ele até tentou fazer, mas soou artificial demais, ou seja, faltou presença para o personagem. Dentre os demais personagens, tivemos mais tempo de tela para Thainá Duarte com sua Jasmin, mas seu personagem não é tão desenvolvido quanto precisaria, de modo que o resultado acaba sendo de uma boa interpretação na tela, porém sem impactar, o que acredito que seria mais necessário. 

No quesito visual a trama até foi interessante pelas representações, pelos ambientes em si, e por algumas cenas espalhadas, como a do fogo dos barcos e a do farol, porém na casa abusaram muito de cenas escuras, com o lance da falta de luz na cidade e também o gato de energia, e com isso muitos elementos cênicos acabaram sendo completamente desnecessários, tanto que na cena que volta pra casa toda bagunçada e cheia de depredações, nem dá para identificar o que está jogado, e isso é uma falha gritante, pois somos contra luzes artificiais em cena, mas precisa que o cenário apareça, e isso é algo que o diretor de fotografia precisa atuar bem para ganhar a causa.

Enfim, é um filme interessante de proposta que poderia ter sido incrível na tela, ao ponto que seria daqueles suspenses para ficar grudado na tela esperando tudo acontecer, mas no final o resultado acabou sendo apenas mediano demais pelas escolhas, e assim não acredito que vá empolgar muito o público que for conferir. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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O Mago do Kremlin (Le Mage du Kremlin) (The Wizard of the Kremlin)

Antes de mais nada, o começo do longa já diz tudo que se baseia em fatos reais, porém é uma ficção, ou seja, ficaram com medo da polícia russa bater na casa do diretor francês e ele nem ir nas exibições! Dito isso, quando vi o pôster (nem vi o trailer antes de conferir) já tinha ficado com uma curiosidade de como iriam entregar o longa "O Mago do Kremlin", que estreia nos cinemas na próxima quinta 09/04, pois a Rússia em si é daqueles países que sabemos quase nada, mas o pouco que sabemos após o fim da URSS é algo que nunca se entende muito, pois ao mesmo tempo que tudo é grandioso como o seu território, também vemos algumas loucuras gigantes e estranhas, e aqui baseado em um livro que remonta um pouco a história de um diretor de cinema que vira assessor pessoal de Putin, levando ele de "espião" para czar, mudando todos os ares do país e como ligou seus "amigos" e "inimigos". Ou seja, é um filme denso, bem atuado, bem longo também para conseguir mostrar todas as dinâmicas do período, mas que poderia ser mais intenso na formatação para que não ficasse tão pontuado e lento, pois em alguns momentos chega a dar uma leve cansada, mas como todas as informações e situações são bem interessantes, o resultado final acaba funcionando bem na tela.

O longa nos mostra que após a queda da URSS, um artista genial se torna a mente sombria por trás do poder de Vladimir Putin. Vadim Baranov era produtor de TV, mestre em manipular percepções, até ser recrutado para o maior show do mundo: fabricar um líder. Por anos operou nas sombras, moldando a imagem do homem mais temido do planeta. Um dia, o silêncio terminou e a verdade por trás do poder mais perigoso do mundo veio à tona.

Vi em alguns comentários sobre o filme que muitos estão falando que o longa é mera propaganda russa, e antes de qualquer coisa, o longa nem filmado na Rússia foi, sendo a maior parte rodada na Letônia, por um diretor francês em uma produção mista entre França e Estados Unidos, falado em inglês com atores de várias nacionalidades e quase nenhum russo, ou seja, passa bem longe de uma propaganda de Putin como vários estão achando, dito isso o diretor e roteirista Olivier Assayas tem em seu estilo algo mais amplo de trabalhar, sendo raros trabalhos seus mais sucintos de ideias e ideais, e aqui ele vai brincando com as várias épocas enquanto o protagonista já aposentado resolve contar tudo para um escritor, e a sacada da história é ir se moldando ao mundo, com situações que vimos muitas vezes acontecer, não imaginando tudo como era, afinal como disse no começo a Rússia é um país muito oculto de informações, e sabemos a loucura que ocorre com quem conta os segredos. Sendo baseado no livro de Giuliano da Empoli, diria que o diretor soube usar bem o estilo literário na tela, sem precisar capitular tanto, embora tenha as devidas quebras de épocas, mas funcionou como se o personagem estivesse contando tudo para o escritor, e isso foi bacana de ver.

Quanto das atuações, é algo particular meu, mas o estilo calmo demais de Paul Dano me incomoda um pouco, e aqui seu Vadim Baranov é metódico ao extremo, de tal forma que o ator trabalha cada dinâmica com uma precisão cirúrgica de cartas marcadas, sabendo exatamente como se portar para cada tipo de pessoa, realmente como um grande jogador, ou no caso, um bom produtor/diretor de cinema que ao cair na política soube amarrar as pontas com verdades e mentiras, ou seja, o ator dominou do começo ao fim e chamou muita atenção. Agora quem é um verdadeiro camaleão é Jude Law, de modo que aqui seu Putin é até mais parecido com o verdadeiro do que o próprio, tendo trejeitos bem encaixados, um visual completamente representativo, e até mesmo nas facetas mais expressivas de suas loucuras foram bem trabalhadas pelo ator, ou seja, cada momento seu na tela é algo que brilha, mesmo que seja algo que dê vontade de xingar pelo conteúdo em si. O mais interessante é que o longa tem outros personagens bem interessantes, mas que ficaram em segundo plano, a começar pelo escritor vivido por Jeffrey Wright, tendo boas dinâmicas fortes com o diretor da TV estatal que Will Keen trabalhou intensamente, e até situações mais jogadas com o ricaço vivido por Tom Sturridge, mas o diretor optou por algumas dinâmicas meio que soltas com a esposa do protagonista vivida por Alicia Vikander, que sempre se sai bem, mas acredito que não fosse tão necessária ter mais destaque que os demais.

Visualmente, como já disse acima, o longa foi filmado em muitas locações da Letônia, deixando apenas para os ambientes mais chamativos externos usarem de filmagens rápidas sem os protagonistas, e toda essa essência meio que de espionagem e de jogos políticos foi bem montada entre restaurantes, festas, posses imponentes e claro as casas de campo no país e em outras localidades chiques da Europa, de tal forma que a equipe de arte soube representar muito bem as épocas, algumas das guerras contra a Criméia e a Ucrânia, tendo figurinos marcantes e dinâmicas bem encaixadas para que os elementos cênicos não destoassem da realidade, o que deu um ar bem interessante na tela.

Enfim, é um longa muito representativo e interessante, primeiro por acharmos que tudo ali pode ser muito realista, mas como contado nos créditos iniciais muita coisa foi transformada em ficção para chamar mais atenção, e claro ninguém da equipe evaporar após as exibições, então diria que o resultado funcionou bastante e foi bem interessante de acompanhar do começo ao fim (e que fim!) mesmo que seja longo demais para o meu gosto em filmes de drama, mas ainda assim não eliminaria tantas situações, e assim o corte seria quase igual. Sendo assim fica a dica para conferirem ele nos cinemas a partir da próxima quinta, 09/04, e eu fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Imagem Filmes e da Sinny Assessoria pela cabine de imprensa, então abraços e até amanhã com mais dicas.

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Super Mario Galaxy - O Filme em 3D (The Super Mario Galaxy Movie)

Se tem uma coisa que fiz muito na minha adolescência foi jogar Super Mario, mas não lembro se cheguei a jogar a versão Galaxy ou se é algo novo, afinal estou velho e já sem muita memória sobrando na cabeça, e o motivo de falar isso é que muita coisa mostrada no longa "Super Mario Galaxy - O Filme" até conseguiu me entreter, mas não me fez vibrar aconteceu com o primeiro filme, pois acabei adorando o conceito visual, todas as dinâmicas entregues e sem dúvida muitos momentos marcantes, porém colocaram histórias demais para tentar criar as devidas junções, de tal forma que o jogo acabou ficando maior do que algo envolvente e leve como foi o primeiro. Claro que volto a frisar que é um colorido fora do comum, com cenas bem dinâmicas e cheias de ação, com muitos personagens bacanas fazendo suas desenvolturas, mas se me perguntarem agora qual foi realmente a história do longa, vou ficar devendo, pois tivemos o resgate de Bowser pelo seu filho, a busca da Princesa Rosalina pela Princesa Peach, e a equipe Starfox (esse jogo lembro que joguei muito, afinal era o gratuito que vinha com o videogame!) montada de uma forma diferenciada, mas a conexão mesmo de tudo ficou na bagunça colorida bacana de ver na tela.

A sinopse é bem simples e nos conta que depois de salvar o Reino dos Cogumelos, Mario e seus amigos se encontram em uma missão intergaláctica para deter um novo vilão ameaçador.

Costumo dizer que fico bem feliz quando os produtores resolvem manter os diretores originais na continuação, pois geralmente não precisam reinventar a história toda e contar tudo novamente, e hoje diria que Aaron Horvath, Michael Jelenic e Pierre Leduc voltaram com a corda toda após o sucesso do primeiro filme, que até era esperado já que o jogo é um dos mais amados que já existiram no mundo, e aqui eles brincaram muito com cores, com cenas em alta velocidade, cenários gigantescos em uma ambientação tão fluida que acaba divertindo dentro das sacadas, mas como disse no começo, o roteirista do original que também continuou aqui Matthew Fogel abusou da sorte em misturar tantos elementos e dinâmicas, deixando o longa um pouco confuso demais na tela, que claro não atrapalha a experiência de ver um bom jogo de essência funcionando na telona, mas para quem não for jogador nato da saga Galaxy acabará apenas se divertindo sem saber o porquê está se divertindo, e isso é um risco. Volto a frisar que não ficou algo ruim, muito por ter mantido a essência original, mas dava para seguir um rumo menos complexo que funcionaria ainda melhor.

Os personagens que já conhecemos no longa anterior voltam sem grandes mudanças nas entregas, tirando que agora os encanadores tem muitos novos poderes, mas por incrível que pareça, tanto Mario quanto Luigi ficaram muito em segundo plano no novo filme, ou seja, quiseram dar mais voz para os novos personagens, e claro para a conexão entre as princesas que o deixaram eles menos marcantes. E claro que tivemos Yoshi fazendo as vezes na tela com sua língua gigante e fome insaciável, tivemos um Bowser Jr. completamente insano com seus sonhos de conquista, e até souberam usar bem a Princesa Rosalina com todos seus poderes, mas sem entrar a fundo nas dinâmicas da personagem. Ou seja, é um filme aonde todos tiveram grandes participações na tela, mas que nenhum se destacou ao ponto de marcar mesmo o filme, e até mesmo a participação de Fox McCloud, líder da Star Fox acabou sendo bacana de ver pela essência, mas sem grandiosos momentos.

Agora no conceito visual o longa é incrível, com cenas de vários mundos, vários koopas de tudo quanto é jeito, fora a concepção do universo que o Bowser Jr. criou formando o jogo como se ele estivesse realmente jogando dificultando a vida dos personagens para chegar até ele, tivemos ainda um mundo que parecia saído da cabeça do Nolan com coisas andando lateralmente, invertendo posições e tudo mais, e ainda todo o ambiente cósmico bem bacana de ver com tudo tendo muitas cores e dinâmicas para encantar desde os menorzinhos até os mais velhos fãs do jogo. No conceito 3D, posso dizer que o filme inteiro tem muita profundidade, diversos elementos saindo da tela, e um conceito de proximidade também bem interessante que funcionou na telona, então quem curte a tecnologia irá gostar bastante do que verá na telona.

Enfim, é uma animação que funciona para os fãs, funciona para a garotada, mas que trouxe muito mais elementos do que um filme realmente precisaria, sendo algo carregado demais de informações que não se desenvolvem na tela, mas sim fora dela, e assim os mais velhos que não jogaram essas versões mais recentes do game é capaz de não saírem tão empolgados com tudo, como acabou acontecendo no primeiro filme. Ou seja, recomendo ele sim como uma boa animação na tela, mas dava para ter ido bem mais além, e assim acaba sendo a dica. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Filmelier+ - À Paisana (Plainclothes)

O longa "À Paisana", que estreia no dia 02/04 exclusivamente na plataforma do Filmelier+, é mais interessante por mostrar o quanto era criminoso ser homossexual nos anos 90, e também para nós que amamos tecnologia como eram as captações em câmeras com ruídos ao máximo, pagers para avisar que alguém precisava falar com você, e claro como muitos viviam fechados em bolhas ainda mais discriminatórias do que hoje. Ou seja, é um filme que tem muitos vértices, que mostra a descoberta sexual de um jovem que quase se casou com uma garota, mas tinha certas sensações ao trabalhar como policial caçador de gays em shoppings, aonde a sensibilidade poderia ser ainda mais imponente na entrega, mas ainda assim reflete muito o que vemos hoje em alguns pontos, mas ao menos podemos dizer que melhorou muito a condição no sentido da "caça" em si.

A trama acompanha o jovem policial Lucas no momento em que perde uma carta que nunca deveria ser lida, durante a festa de Ano Novo de sua mãe. Enquanto a procura em meio a um ambiente familiar sufocante, memórias de um passado que ele tenta deixar para trás vêm à tona. Meses antes, Lucas trabalhava disfarçado no banheiro de um shopping, onde prendia homens após seduzi-los, sob acusação de exposição indecente. Tudo parecia seguir como o esperado, até que ele conhece Andrew, com quem desenvolve um vínculo secreto — colocando-o em conflito entre o dever e o desejo.

Em seu primeiro longa-metragem, o diretor e roteirista Carmen Emmi até foi bem cheio das nuances possíveis que tinha para trabalhar, pois fica nítido ele querer mostrar mais a época em si, do que realmente a essência do filme, tanto que só peguei a ideia de que o longa inteiro é do protagonista relembrando tudo que aconteceu enquanto está em busca da carta quando li a sinopse, pois no filme apenas ficou parecendo que são pontos mais quebrados na tela, e isso foi um risco gigante do longa dar muito errado, o que felizmente não aconteceu, mas dava para estruturar melhor a montagem para que o longa ficasse mais denso e menos quebrado, porém isso é algo que demanda mais conhecimento de técnicas, e voltando ao que falei, essa é a estreia dele no estilo.

Quanto das atuações, diria que Tom Blyth soube segurar bem o ar da dúvida de seu Lucas, junto com toda a sensibilidade na tela, sem que ficasse fora do eixo comum do estilo, de tal forma que vemos algo bem presente em suas cenas, com expressões bem marcantes e cheias de precisão, de modo que chega a ser bem comum enxergarmos nele muitos outros que já vimos fazendo assim. Já Russell Tovey entregou para seu Andrew uma personificação bem clara de muitos homens até atuais, que tem família e tudo mais, e trabalha no famoso sigilo as situações homossexuais, sendo marcante pelas dinâmicas bem pontuadas e trejeitos mais fechados em alguns atos, sendo simples, porém cheio de classe. Quanto aos demais, diria que os personagens foram meio que jogados na tela, sem muita formatação ou entrega, desde a ex-namorada vivida por Amy Forsith, passando pelo parceiro policial vivido por Christian Cooke, até chegarmos no exagerado tio que Gabe Fazio trabalhou, sobrando para a mãe que Maria Dizzia coloca na tela entregar expressões fortes em algumas dinâmicas que poderiam ter sido mais impactantes durante a exibição.

Visualmente volto a frisar que foi bacana demais ver o estilo de tela cheio de ruído pelas câmeras antigas, os famosos espelhos duplos, e claro os figurinos da época, mas isso acabou deixando um certo exagero em querer parecer que usaram imagens reais ao invés de uma captação trabalhada, não deixando o filme fluir natural como poderia, tendo ainda alguns ambientes marcantes como a estufa, o banheiro do shopping, e até mesmo os treinos na delegacia, sobrando para a casa da mãe do protagonista uma bagunça de uma festa de ano novo que poderia ser mais ampla de elementos.

Enfim, é um filme simples, porém marcante, que fez uma boa carreira nas premiações e chama a atenção pela história em si, que mostra muito do passado, mas também muitas sensações casuais que ainda ocorrem, então vale a reflexão e conferida pela invasão de privacidade e o decorrer disso na tela. Então fica a dica para a conferida dentro da plataforma do Filmelier+ a partir de quinta 02/04, e eu fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Atômica Lab e da Filmelier+ pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Disney+ - Mike & Nick & Nick & Alice

Tem dias que olho a proposta do filme e penso que vai ser algo que vai me agradar, então já preparo o play feliz e pronto para tudo o que pode acontecer, que por vezes é até maluco demais, mas me entretendo durante a exibição já se faz valer, mas quando isso vem de forma errada a decepção costuma ser grande. E hoje infelizmente foi dia de errar feio a mão, pois o longa da Disney+/Hulu, "Mike & Nick & Nick & Alice", que com um nome desse já deveria ter esperado bem menos, mas que conferi já que gosto de tramas envolvendo viagens temporais e máfia, então não podia dar muito errado na tela, mas deu, resultando em um filme confuso, fraco e que preferiu ficar usando diálogos sobre séries ("Gilmore Girls") ao invés de ter algo pensante melhor. Ou seja, é daqueles filmes que só servem para você perder tempo, pois poderia ter visto qualquer outro melhor.

O longa acompanha um grupo envolvendo dois gângsteres e uma mulher, que juntos planejam sempre se divertir durante a noite inteira sem muitas preocupações externas. Enquanto eles tentam sobreviver a mais uma das noites, uma situação perigosa parece deixar tudo ainda mais inacreditável: uma máquina do tempo.

Diria que o diretor e roteirista BenDavid Grabinski até tentou fazer com que seu filme fosse engraçado sem apelações na tela, mas acabou desenvolvendo algo mais confuso dentro de suas ideias que interessante para o público curtir, sendo básico de estrutura e bagunçado de estilo, pois você vê os personagens se chacoalhando nas festas, vê as dinâmicas acontecendo, mas não consegue enxergar nada que parecesse funcionar, até mesmo nos atos mais intensos no apartamento e na última festa com as pegadas de tiros e brigas, o resultado acaba ficando solto demais. Ou seja, é o famoso filme que o diretor quer colocar tanta coisa em um único lugar e acaba não chegando a lugar algum.

Quanto das atuações, Vince Vaughn é daqueles atores que entregam um estilão cômico meio fechado demais, que não chama a atenção e que as vezes funciona bem, em outros casos acaba sendo monótono ao ponto de nem conseguir cativar, e aqui seu Nick do futuro e do presente até tentaram ir além em algumas piadas meio que jogadas, mas não conseguiram empolgar. Já James Marsden até teve algumas expressões engraçadas nos momentos que pensava que seu Mike iria morrer, de tal forma que ao menos trabalhou os trejeitos para soar engraçado, e com isso foi um pouco mais além. E Eiza González trabalhou sua Alice com uma pegada meio que solta demais, parecendo perdida em cena, de modo que poderia ter ido mais além também. Quanto aos demais, cada um apareceu tão rapidamente que nem diria valer destacar algo, mas Keith David foi ao menos explosivo com seu Sosa e Jimmy Tatro tentou parecer cheio de facetas com seu Jimmy Boy, meio como se nós precisássemos saber de algo antes deles na tela.

No conceito visual tivemos algo tão rápido com a máquina do tempo na abertura que nem diria que dá para falar que o filme teve isso, mas tivemos boas cenas de composição nas festas, e principalmente na briga dentro da casa de Nick com tudo sendo usado como arma, muita quebradeira e tudo mais, depois a mesma situação na última festa, com coisas explodindo, muitos tiros e também no apartamento de Nick, ou seja, ao menos a equipe de arte entregou bons momentos.

Enfim, é um filme fraquíssimo que até parece ser algum episódio solto de alguma série que deveríamos conhecer os personagens e situações, sendo tudo muito jogado na tela sem grandes frutos, ou seja, era melhor ter dado play em qualquer outra coisa. E claro que não recomendo para ninguém afinal quase dormi assistindo e olha que tenho dificuldade com o sono, então fica a dica de fuga. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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Eles Vão Te Matar (They Will Kill You)

Desde o dia que vi o trailer de "Eles Vão Te Matar" já tinha ficado na cabeça que seria uma versão do longa "Casamento Sangrento", pois tinha toda uma pegada de lutas e tal, sem muita explicação, então hoje ao conferir fui esperando bem isso, e para minha surpresa a ideologia do pacto é mais ou menos a mesma, mas pense no cruzamento do longa com um "Kill Bill" completamente maluco, e será o que verá na tela. Meus amigos, são tantas acelerações de câmera, matanças com facões de todos os estilos, e claro os pedaços se juntando, afinal as pessoas são imortais, até chegarmos no ápice do culto bizarro, ou seja, se o roteirista do filme for uma pessoa normal, ela tomou alguma coisa para escrever isso, agora se não for normal, faltou a medicação antes de escrever. Dito isso, é daqueles filmes bem violentos e malucos, que quem gosta vai curtir do começo ao fim, mas com toda a sinceridade, achei tudo maluco demais até mesmo para uma ficção, sendo daqueles longas que não dá nem para pensar em acreditar no que estamos vendo, então talvez precisaria estar sob o mesmo efeito do roteirista para me apaixonar pelo que vi.

O longa nos conta que uma mulher aceita um emprego como empregada doméstica em um arranha-céu de Nova York, sem conhecer a história de desaparecimentos do prédio, mas logo percebe que a comunidade está envolta em mistério.

Não conheço os trabalhos anteriores da diretora e roteirista russa Kirill Sokolov, mas pelo que vi hoje diria que ela não é bem normal, pois a ideia em si da trama até tinha uma pegada interessante de sobrevivência e luta, mas acabou fazendo alto tão cheio de acelerações, de situações impossíveis até para grandes ninjas, que ficou parecendo querer forçar para funcionar, e isso é algo que não funciona bem na tela. Ou seja, brincar com terror e humor é a famosa linha tênue que poucos conseguem agradar, mas o principal é não forçar a barra, deixando que tudo flua naturalmente, ou então que se jogue ao máximo para nem tentar ser algo com uma pitada que seja de realismo, e aqui ela quis colocar um pouco de envolvimento demais, e no final a bagunça ficou maior do que o normal.

Quanto das atuações, ainda não fui totalmente convencido do estilo de Zazie Beetz, pois ela entra em tantos filmes com ares cômicos tentando ser engraçada e não consegue, ou seja, não sei que fórmula que usa para que os diretores a achem cômica suficiente para entrar em comédias, mas acredito que sua luta é bem pautada, e aqui sua Asia tem momentos bem intensos colocados, o que acaba sendo funcional ao menos. É engraçado que o filme tem vários atores imponentes, mas os personagens foram tão jogados que você nem tem vontade de destacar ninguém, pois Patricia Arquete até tentou ser séria com sua Lily, mas pareceu mais perdida que tudo em cena, Paterson Joseph até fez um Ray interessante tentando ajudar a garota, mas ficou tão em segundo plano que logo esquecemos dele, e Tom Felton até tentou aparecer com seu Kevin, mas não convenceu em momento algum, ou seja, sobraria um pouco mais para a irmã da protagonista que Myha'la fez, mas a jovem nem tentou aparecer cenicamente, ou seja, um elenco inteiro desperdiçado.

Visualmente temos de início a cena delas fugindo de um pai abusivo, e logo depois já temos o prédio com seus andares bizarros, muitos túneis aonde ficaram passeando engatinhando, tivemos o andar das empregadas e tiveram rápidas amostras dos outros andares como do sexo e dos que ficam na sombra, e um porão aonde rolou o culto ao porco, tudo isso regado à muito sangue, cortes de membros de todas as formas, tiros, facões, pauladas e o que mais tivesse para rolar, ar congelado, ganchos e por aí vai, aonde a equipe de arte certamente trabalhou aos montes com o pessoal de próteses, mas tudo de uma forma bem bizarra na tela.

Enfim, é um filme que talvez tivesse algum potencial, mas que quem realmente gostar dele deverá pensar em algum tipo de tratamento, pois o nível de bizarrice é bem alto, e sendo assim não diria que recomendo o longa para muitos não, pois acabou sendo um mediano maluco bem feito, mas que devo esquecer rapidamente de tudo o que vi hoje. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, e volto amanhã com mais textos, então abraços e até breve.

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Vingadora (Protector)

Hoje fui conferir o longa "Vingadora" meio que já sabendo que seria algo bem básico e lotado de clichês do estilo, mas aí veio uma reviravolta final tão grande, que se o diretor não refizesse todas as cenas em modo de flashback para entendermos a loucura que ele colocou na tela, iria sair da sala xingando o longa do roteiro mais furado impossível, mas como ele explicou bem explicadinho, até que ficou aceitável, e até que remontando tudo na cabeça fez algum sentido. Ou seja, é o famoso filme simples que facilmente veríamos numa sessão em casa num dia sem nada para fazer, mas que para ser lançado no cinema precisaram ter muita coragem, pois é bem fraquinho no conceito de história e violento na medida do possível, mas nada que impressione realmente.

No longa conhecemos Nikki, uma veterana e heroína de guerra que deixa a carreira militar para trás para poder se dedicar à criação de sua filha Chloe. Ela é obrigada a voltar à ativa quando acorda em um galpão industrial abandonado com a notícia de que sua filha teria sido sequestrada. Com desespero, sangue e violência nos olhos, Nikki parte em uma missão alucinante pelo submundo do crime da cidade, enquanto é perseguida por policiais e militares, para resgatar Chloe.

Diria que o diretor Adrian Grunberg até tentou fazer algo diferenciado, mas a ideologia dos longas de sequestros para tráfico humano já chegaram naquele limite clássico que tudo parece mais do mesmo, fora que já vimos uns 100 filmes do Liam Neeson socando todo mundo quando mexem com a família dele, então apenas trocaram ele por Milla Jovovich que é bonita, mas desde muitos filmes atrás bate  bem mais que muito brucutu sarado, ou seja, ele tentou dar uma reinventada na roda e até que o filme convenceu durante um tempo, sendo daqueles que você fica apenas esperando para ver até onde vai chegar tudo, porém quando ele deu o vértice da sacada, diria que ele ficou louco por alguns segundos, mas conseguiu contornar bem dentro do esperado, só poderia talvez ter ido mais além na tela.

Quanto das atuações, Milla Jovovich é daquelas atrizes que sabem entregar boas cenas de tiro, lutas e pancadaria sem pensar em nada mais, e aqui sua Nikki ainda é daquelas ex-combatentes que passou por milhares de guerra e está completamente pronta para matar quem estiver na sua frente, de modo que a atriz fez suas caras e bocas tradicionais e não se desligou nem quando estava com sono, ou seja, fez bastante na tela, não sendo algo muito chamativo, mas ao menos segurou o longa. Não precisei nem de dois minutos de tela de D.B. Sweeney com seu Capitão Michaels para ter certeza que o personagem era comprado pelo crime, pois fez trejeitos e imposições muito claras para que os policiais fossem desesperadamente atrás da protagonista, só sendo uma pena que não teve tempo da protagonista chegar nele, pois valeria umas pancadas, pois além de não enganar ninguém, ainda fez trejeitos ruins. Matthew Modine fez de seu Coronel Joseph Lavelle, o fator explicação do filme, sendo importante apenas para isso, pois não foi muito além na tela. Isabel Myers até trabalhou bem sua Chloe nos poucos atos que apareceu antes de ser sequestrada, tendo expressões fortes para discutir e tudo mais, mas depois apareceu mais machucada e com traumas que nem falar muito pode para se expressar, ou seja, dava para ter dado um pouco mais de tempo de tela para ela. Quanto aos demais, a maioria só apanhou e fez caras e bocas para tentar pegar a protagonista, de modo que Michael Ferragamo com seu Açougueiro foi quem mais teve tempo de diálogos, enquanto Don Harvey com seu Sullivan só apanhou e Gabriel Sloyer com seu Presidente foi mero enfeite cênico.

Visualmente o longa foi até que bem trabalhado, tendo casas chamativas desde a da protagonista, passando pela do Sullivan e tendo um hotel meio que simples aonde o tal Presidente residia, sendo algo até meio fraco nesse sentido, além disso tivemos o tal açougue aonde a protagonista aparece pendurada junto com outras carnes normais e corpos, e tivemos algumas explosões e tiroteios interessantes, mostrando uma produção simples, porém bem feita, que acabou funcionando dentro da proposta.

Enfim, é um filme bem mediano que não tinha também como inventar demais, sendo básico e bem colocado na tela apenas para passar um tempo, sendo daqueles que facilmente vamos esquecer que vimos um dia. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas hoje vou ver mais um filme na telona, então abraços e até mais tarde.

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Velhos Bandidos

Tinha uma quase certeza do que veria hoje em "Velhos Bandidos", pois a pegada do trailer já mostrava um formato bem característico do que já vi em diversos outros longas de assaltos, mas juntar a nova geração boa de atores nacionais com a velha guarda incrível que temos não tinha como dar errado, e ao menos dava para esperar algo gostoso de conferir! E pronto, foi dito e feito o que imaginei, tendo todo um plano bem armado e uma montagem tão bem fluída, que acabou dando muito certo do começo ao fim, tendo boas pegadas na tela, com entregas funcionais e até algumas loucuras mais abusadas que resultaram em algo leve, descontraído e com pegada, só diria que não foi melhor pôr o elenco já estar bem velhinho para uma continuação, tanto que já deram um jeito de finalizar o 2 mesmo no final desse, ou seja, já temos dois filmes em um de incríveis 93 minutos bem utilizados.

O longa apresenta o casal Marta (Fernanda Montenegro) e Rodolfo (Ary Fontoura), que planeja um ousado assalto a banco, digno de cinema. Para realizar o roubo perfeito, eles se unem a um casal de jovens assaltantes, Nancy (Bruna Marquezine) e Sid (Vladimir Brichta), que ainda que contrariados, se juntam à dupla. No entanto, a nova equipe de ladrões não contava com a insistência de Oswaldo (Lázaro Ramos), um obstinado investigador.

Diria que o diretor e roteirista Claudio Torres soube brincar muito bem com o que tinha nas mãos, pois já tendo visto muitos filmes de assaltos em sua vida, ele quis premiar sua mãe com algo que ainda não tinha feito, uma assaltante simpática e muito inteligente, aonde ele até prioriza sacadas na tela tão clichês que poderia dar muito errado, mas que sabendo a bala que tinha em sua pistola não deixou para que não fosse usada, ou seja, ele fez algo tradicional ficar único na tela, pois a entrega mesmo que simples acaba funcionando dentro de todas as possibilidades. Ou seja, é o que costumo falar que quando o básico é bem feito sem precisar encher de firulas, o resultado final acaba agradando e envolvendo, e aqui ao final a vontade que temos é de aplaudir o que vemos, mesmo tendo atos bobinhos demais, mas que soam corretos e funcionais dentro da proposta.

Quanto das atuações não tinha como como dar errado colocar Fernanda Montenegro com sua Marta e Ary Fontoura com seu Rodolfo juntos em uma trama, pois ambos conseguem convencer com qualquer papel que façam, e aqui como dois assaltantes brincaram demais com todas as facetas escolhidas para cada momento, foram inteligentes quando precisaram, picaretas na medida de não ficarem forçados, e ainda assim convencendo com as pegadas emocionais na tela, ou seja, o pacote completo que com bons traquejos expressivos acabam emocionando e divertindo na medida certa. O bacana de Bruna Marquezine com sua Nancy é que ela sabe suas limitações, mas que tendo estilo consegue fluir dentro do que esperam dela, e assim não força para parecer algo a mais, de modo que acaba agradando com o que faz e assim funciona bem. Outro que sabe muito bem entregar personagens diferenciados é Vladimir Brichta, de modo que seu Sid acaba tendo uma pegada meio que malucona, mas também diverte com a simplicidade, sendo bacana acompanhar seus momentos e até torcer para ele na tela, não sendo o seu melhor papel, mas ainda assim convencendo. Outro que gosto muito dos trabalhos é Lázaro Ramos, e aqui o seu Oswaldo Aranha mostra que ele deve investir bem mais em papéis policiais, pois é a sua cara, tendo uma boa intensidade que até imaginava o que aconteceria no final com seu personagem, só não imaginava o como, pois o ator foi muito bem na enganação. Quanto aos demais velhinhos, diria que foram apenas enfeites, mas daqueles enfeites luxuosos que acabam valendo na tela, de modo que Nathália Timberg, Vera Fischer, Teca Pereira, Tony Tornado e Hamilton Vaz Pereira apenas brincaram um pouco, sobrando para Reginaldo Faria um pouco mais de destaque com seu Carlos.

Visualmente a trama é muito bem amarrada, tendo um banco tradicional com algumas coisas meio que forçadas para funcionar a ideia do longa, como o vão, o laser maluco e até a pegada do incêndio, mas tinham de inventar alguma doideira para ser cômico o assalto. Tivemos bons momentos também na casa dos velhinhos, com direito a festa é todo o plano bem arquitetado na parede nos melhores moldes possíveis de filmes do estilo, ou seja, a equipe de arte soube trabalhar sem que o longa precisasse ficar monstruoso de caro, e o resultado simples acabou agradando.

Enfim, está longe de ser daqueles filmes que vão causar muitas risadas ou algo a mais, mas o resultado final acaba sendo tão gostoso de curtir que certamente vamos lembrar dele mais vezes. Ou seja, vá curtir sem esperar muito dele, que vai valer o seu tempo. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas por aqui, então abraços e até lá.

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Nuremberg

Já disse outras vezes o quanto sou apaixonado por longas de julgamento, e já tinha até lido alguns materiais sobre os julgamentos dos nazistas (claro os que não se mataram ou fugiram do mapa), mas nunca tinha ouvido falar sobre a relação que alguns tiveram com um psiquiatra que foi auxiliar que eles não se matassem na prisão até o julgamento, e que depois acabou escrevendo um livro sobre como foi lidar com eles, ou seja, a ideia do longa "Nuremberg" veio para mim como algo completamente novo, e que imaginando ser mais próximo de uma trama realmente em cima de debates entre defesa e promotoria (no caso na época nem se sabia como julgariam pessoas de um país por membros de outros) fui com muita sede ao pote e acabei não saindo tão feliz quanto imaginava que ficaria, e não pelo filme ser ruim, muito pelo contrário, sendo uma produção grandiosa com atuações imponentíssimas, mas por faltar mais julgamento e menos conversas, o que acabou ficando solto demais na tela. Ou seja, é daqueles filmes que quem for esperando pouco talvez até goste bem mais do resultado, mas certamente poderiam ter ido bem mais além com tudo.

O longa se passa no pós-Segunda Guerra, em 1945, na Alemanha, durante os julgamentos homônimos realizados pelas Forças Aliadas contra o regime nazista derrotado. A trama centra-se no psiquiatra americano Douglas Kelley, designado a avaliar a aptidão mental de 22 oficiais nazistas que se tornaram prisioneiros e aguardam seus julgamentos por crimes de guerra. Ao mesmo tempo, o promotor-chefe dos Aliados Robert H. Jackson fica encarregado da difícil tarefa de garantir que o regime nazista responda pelos horrores sem precedentes do Holocausto. Quando Douglas Kelly se encontra com Hermann Göring, o braço direito de Hitler, uma batalha interna se inicia, fazendo com que toda a sua inteligência e ideologia sejam deixadas de lado para buscar entender a verdadeira origem e natureza do mal.

Diria que faltou uma imposição maior para que o diretor James Vanderbit conseguisse retratar o julgamento como realmente um marco, pois a essência de uma boa trama do estilo são realmente os debates, e ele tinha nas mãos muitos protagonistas incríveis para que isso fosse mais além, pois claro que a relação entre o psiquiatra e o nazista é muito interessante, o livro desse ser incrivelmente denso, mas o estudo da mente humana é algo extremamente complexo para seres abomináveis que foram os nazistas, sendo algo que não tem qualquer defesa humana possível para isso, então colocar alguém para verificar a sanidade ali, e claro depois formular suas teorias vendidas em um livro ficou básico demais para quem for esperando ver algo forte, e já adianto que não economizaram nas imagens reais mostradas dos campos (então quem não curtir é melhor deixar de lado!). Sendo assim, acredito que a culpa do filme não ter ido mais além seja do diretor, pois costumo falar que livros podem ser adaptados, mas quando não se é uma saga que todo mundo quer ver os detalhes que o livro encantou, precisam brincar mais com as facetas para que tudo vá mais além na telona.

Quanto das atuações, chega a ser engraçado que gosto muito do jeitão de atuar de Rami Malek, mas embora eu goste muito do filme e ele tenha ganhado o Oscar com seu Fred Mercury, praticamente agora todo filme que ele está presente eu vejo mais o Fred Mercury do que o personagem que ele está fazendo, e aqui seu Douglas Kelley é daqueles psiquiatras que praticamente mais precisam ser cuidados do que cuidam dos outros, com trejeitos e cenas meio que cheias de movimentos e intensidades, olhares meio doidos de modo que suas dinâmicas convencem pela essência, mas não tanto por sua atuação. Já Russell Crowe é daqueles atores que sabem se impor na tela, de modo que seu Hermann Göring tem um carisma que chega a ser até irritante, pois se o chefão nazista abaixo apenas de Hitler era desse jeitão mesmo, fica claro como todo mundo os seguiu na matança. Agora queria muito que tivessem dado para Michael Shannon mais imposição para que seu Robert Jackson fosse a fundo, brigasse mais, atacasse mais no julgamento e em outras cenas, pois sabemos do potencial dele, e o personagem pedia mais isso, ficando algo muito burocrático na tela, o que acabou não empolgando. Ainda tivemos muitos outros bons personagens e atores, mas certamente vale destacar Leo Woodall com seu Howie, entregando dinâmicas interessantes junto do protagonista, fazendo as traduções de alemão para inglês, mas principalmente na cena da estação de trem o jovem deu seu nome ali.

Visualmente a produção foi bem marcante nesse sentido, tendo a reconstrução bem colocada do Palácio de Justiça da cidade de Nuremberg, tivemos cenas imponentes dentro da prisão, e até alguns momentos externos bem colocados em clubes e casas, principalmente na casa aonde a esposa de Göring e sua filha estavam escondidas, além de cenas dentro do trem e também algumas dinâmicas da guerra em si, sendo um filme com muitos detalhes, mostrando a forma que muitos generais se mataram, e também como a imprensa fez todo seu show para mostrar o que estava acontecendo por ali, sendo um filme de figurinos mais fechados e tons bem marrons para deixar tudo bem mais sério.

Enfim, volto a frisar que o filme passa bem longe de ser algo ruim na telona, mas como fui com uma expectativa muito maior do que o que me entregaram, acabei saindo impactado, mas não marcado pelas entregas que foram desenvolvidas, ou seja, ficou simples demais para uma trama do maior julgamento que definiu os termos de crimes contra a humanidade, e ficou denso demais para uma trama de análise comportamental, que já é difícil de se apaixonar, e assim o resultado, ao menos para mim, faltou bastante. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Amazon Prime Video - Uma Canção de Gratidão (Unsung Hero)

Hoje estava querendo um filme meio diferente, mas não sabia bem o que queria, daquele tipo que você olha pra geladeira cheia e não acha nada que gosta, então fuçando um pouco na Amazon Prime Video achei o longa "Uma Canção de Gratidão", que claro já fui conferir sabendo que era religioso pelo nome, mas não tinha ideia de que era a história real da família de grande sucesso no mundo das canções católicas atuais, de todos os perrengues que passaram quando o pai perdeu a empresa no meio da crise financeira australiana de 1991, e que anos depois iriam ver que era ali do lado que podiam ir além sem precisar ficar pensando tanto. Claro que o longa tem uma pegada de milagres e vieses mais puxados para a religião, mas diria que a maior sacada é que o diretor do longa viveu tudo isso, vendo seu pai quando ele era apenas um garotinho que mudou de país com o pai desempregado e sofrendo com todo um conflito na mente, ou seja, vivenciou cada ato por serem muito próximos uns dos outros, e ainda mais por fazer o papel do pai também na telona, sendo assim representando muito mais tudo sem precisar passar a ideia para que um ator ou diretor soubesse como conduzir tudo.

O longa acompanha a mudança da família Smallbone da Austrália para Nashville nos EUA após o pai David perder sua bem-sucedida empresa de música. Em busca de um futuro melhor, e carregando seis filhos e muitas bagagens consigo, David e a esposa grávida Helen começam uma nova vida. Vendo o potencial musical de seus filhos, o casal investe nos sonhos e nas habilidades de suas crianças, tornando-os artistas de sucesso no ramo cristão. Sempre inspirados por sua fé, os Smallbone vão atrás de resistir aos obstáculos para construir e inspirar uma reviravolta em seus destinos.

Claro que pontuei como uma grande sacada Joel David Smallbone se dirigir e contar a história da própria família, mas também diria que foi um grande risco, afinal você contar sua vida para alguém e essa pessoa ser um diretor imponente que sabe como contar as coisas é bem diferente de contar sua história para seus filhos, enaltecendo ali ou aqui, porém diria que ele não quis apontar só as qualidades e mostrou bem os atos fortes do pai, tendo momentos marcantes e dinâmicas bem colocadas. Também diria que nas mãos de algum diretor mais impositivo o resultado acabaria impactando um pouco mais, principalmente por ser o primeiro trabalho de Joel na função (quem sabe até o irmão Ben se daria melhor nas escolhas), mas de certa forma o filme teve um conteúdo bem trabalhado e claro mostrou bem o vértice no reconhecimento de força da mãe da família.

Quanto das atuações, o diretor Joel David Smallbone fez bem seu pai na tela, de modo que sendo um cantor já tinha boas expressividades, e conseguiu manter a essência nos atos mais técnicos, porém mesmo o personagem sendo um pouco arrogante na maioria dos atos dava para dar um carisma maior para ele, afinal o papel principal precisava aparecer mais, mas se dirigir é algo complexo, e costumo falar que não dá muito certo. Já por outro lado Daisy Betts trabalhou sua Helen com dinâmicas fortes e olhares bem expressivos e sonhadores, de modo que soube amarrar bem toda a família, trazer a personalidade para si em diversos momentos, e com isso o filme fluiu de uma forma bem gostosa ao seu redor, ou seja, puxou até mais o protagonismo para si do que para os demais que talvez fossem mais importantes na tela. Quanto das crianças/jovens, claro que o foco maior ficou em Kirrilee Berger com sua Rebecca, afinal o vértice principal recai para como virou a salvação da família, e se a garota tinha esse vozeirão mesmo e o pai não viu isso antes, ele foi muito burro, mas também tivemos outros bons colocados, de modo que claro o diretor quis mostrar um pouco mais Diesel La Torraca que fez ele quando criança, ou seja, teve uma certa exposição maior.

Visualmente o longa foi bacana por mostrar bem a queda de classe, de uma família bem rica na Austrália, produzindo vários shows, com uma casa bem imponente, viajando de classe turística, passando perrengue na imigração (afinal com 6 crianças e suas bocas que não ficam fechadas!), depois vivendo de serviços braçais de limpeza nos EUA, e morando em uma casa simples sem móveis, vemos também as ajudas dos membros da igreja, e claro a casa grande de alguns artistas, além de algumas cenas em audições, ou seja, um pacote completo de situações simples, porém bem feitas.

Enfim, é um bom filme biográfico, que consegue envolver e até emocionar dentro do que entrega, porém o longa poderia ser ainda mais imponente com poucos ajustes, então vale como um bom representante religioso sem ficar apelando tanto para a reza em si, mas não confira esperando ser daqueles que vai fazer você se emocionar ao máximo, que não é esse um exemplar. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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