Compostela, O Caminho da Terapia (Compostelle)

Costumo dizer que alguns filmes são tão lineares que até eu que gosto de filmes mais certinhos fico triste pela falta de ousadia, de modo que "Compostela, O Caminho da Terapia" é bonito de ver, tem uma essência marcante pela entrega dos personagens em tentar fazer uma mudança nas suas vidas, mas fica tudo apenas como um road-movie simples na tela, aonde caminhamos junto com eles pelas belas paisagens da França e da Espanha, vemos as diversas alterações de humor do rapaz e só, e isso acaba sendo uma falta grave em filmes desse estilo. Não digo que seja algo ruim, até traz bons momentos marcantes que podemos usar para alguma certa reflexão, mas funciona tão mais quase como um vídeo de agência de viagens do que como uma trama que pudesse causar reviravoltas chamativas e impactar com algo na tela, sendo o famoso resultado bonitinho, mas que não vamos lembrar dele muito para frente.

A sinopse nos conta que Fred e Adam, um adolescente em crise, não se conhecem. No entanto, graças a uma associação, eles partem juntos para a peregrinação a Santiago de Compostela. Ela busca fazer as pazes com seu passado; ele tenta canalizar sua raiva e seu sentimento de abandono. Ao longo dos quilômetros, entre confrontos e momentos de pausa, um laço frágil vai se formando. Diante das provações do caminho, cada um descobre em si uma força inusitada.

Diria que faltou ousadia e sobrou drones para o diretor e roteirista Yann Samuell trabalhar e desenvolver melhor sua trama, pois com um rapaz tão conflitivo e uma mulher desapegada com tudo o que estava rolando na sua vida, daria para ele ir muito mais além, criar mais problemas e desenvolturas na tela e não focar somente na caminhada como acabou fazendo, de modo que ele estruturou as passagens por algumas cidades com os pensamentos escritos do rapaz, colocou alguns julgamentos e esqueceu de que precisava ir mais além para que o público se envolvesse também na tela, ao ponto que friso que ele não fez um mal trabalho, apenas não acreditou no potencial de uma caminhada de 2000km mostrar algo a mais do que paisagens e paradas, para isso bastava ele ver os vários outros filmes de caminhadas que existem aos montes nos streamings, que aí com algumas reviravoltas e intensidades resultaria em algo chamativo e marcante.

Quanto das atuações, dentro do que o filme teve para apresentar, Julien Le Berre entregou muito, sendo expressivo, conseguindo mudar o temperamento do personagem da mesma forma que se dá um tiro, sendo direto no olhar e chamando bem a responsabilidade (ou a falta dela) para seu papel, e isso mostrou que tem potencial para ir ainda mais além se cair nas mãos de um bom diretor. E Alexandra Lamy fez de sua Fred literalmente uma incógnita gigante, tanto que no jogo da verdade ou desafio que o garoto propõe em determinado momento, se fizessem isso com a atriz ao invés da personagem, ela diria que ainda está procurando inspiração para saber o que fazer na tela, pois o diretor não lhe disse e ela apenas caminhou, desconfiando muito do rapaz em alguns momentos e em outros fazendo cara blasé. Quanto aos demais, a jovem Maëlle Vidou teve algumas dinâmicas com os protagonistas, depois desapareceu, reapareceu e desapareceu de novo, meio que quase como se alguns atos seus não tivessem ficado na montagem final, e Eric Métayer apenas fez um Paul explosivo que não chamou para suas cenas em nada do que fez.

Volto a falar que visualmente o longa é lindíssimo, todo mundo que vai fazer qualquer trecho que seja ou a caminhada completa fala que o caminho é transformador, vemos imagens de ângulos e mais ângulos com o drone do diretor, temos algumas pousadas, alguns mosteiros e paradas regulares em restaurantes e casas durante o caminho, mas nenhuma grande simbologia na tela, sem ser claro a imagem que o rapaz ganha, e assim sendo diria que a equipe de arte foi preguiçosa de certo modo, pois poderiam ter ousado mais sem depender 100% do caminho.

Enfim, é um filme bacana que não traz muita coisa para o público, que é bonitinho de se ver pelas imagens, mas que falha em ser algo maior e mais chamativo, de modo que quem for conferir ele acabará apenas sentindo a presença da caminhada para talvez algum dia ir ou rever se já foi, mas se duvidar nem lembrará dos atores que tiveram no quadro daqui alguns dias. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas hoje ainda tenho uma cabine para conferir, então abraços e até breve com mais dicas.

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Godzilla Minus Zero (ゴジラ-0.0) (Gojira -0.0)

Mesmo não sendo muito fã de filmes de bichões gigantes admiro o potencial da cultura oriental pela qualidade que conseguem fazer dessas obras "estranhas" de destruição de cidades, e sinceramente não imaginava que iriam fazer logo uma continuação de "Godzilla Minus One" pelo gasto gigantesco e claro por ter sido algo que os fãs se apaixonaram e os críticos nem tanto, mas eis que chegou "Godzilla Minus Zero" e tão grande quanto o primeiro filme conseguiram mostrar aqui cenas imponentes de como era o tratamento dos americanos e japoneses nessa época, tendo uma trama bem amarrada pela insanidade de aparecer um bichão ainda mais forte que o lagarto grandalhão. Ou seja, não digo que esse seja melhor ou pior que o anterior, aliás darei a mesma nota que foi bem boa para o primeiro, mas no quesito de um filme de destruição, aqui vemos algo tão maluco e insano, com coisas voando pela tela, e um nível de barulho que ao assistir na sala Imax saí da sessão semi-surdo e com um pouco de tontura, pois é literalmente explosivo.

O longa se passa dois anos após a guerra reduzir o Japão a zero e todos terem que reiniciar suas vidas. Agora, em 1949, o país finalmente conseguiu se recuperar e retomar sua vida cotidiana, mas a família Shikishima encontra uma nova ameaça capaz de provocar mais um estado de calamidade tão ruim quanto o anterior. Depois de um longo período tentando se agarrar a um pouco de esperança, toda uma nação vê ela ser esmagada em um instante. Sem possibilidade de retorno, dessa vez não terá terceira chance. Tudo termina aqui, independente dos resultados. O tempo será curto, mas determinante para decidir todo o futuro do país.

Diria que o diretor e roteirista Takashi Yamazaki foi bem coerente em seguir o que fez bem no primeiro longa, pois talvez se ele entregasse o filme para qualquer outra pessoa o resultado não impactaria tanto e principalmente não envolveria com a precisão de detalhes, porém me incomodou bastante a forma que ele forçou os personagens na tela, de modo que estamos vendo explosões radioativas, pedras gigantes voando, raios monstruosos e tudo mais, e os protagonistas ali em um pedaço todo quebrado da destruição anterior assistindo de camarote tudo, sendo que no mesmo filme é mostrado como a bomba atômica dos EUA fritou todos que estavam nas proximidades, ou seja, faltou um pouco de coerência nesse sentido, mas como estamos falando de uma ficção com bichos gigantes na tela, ele achou que não ligaríamos para isso. Porém tirando esse detalhe, é bacana demais ver como a representação também tem suas mensagens na tela, principalmente no que diz respeito aos americanos presentes no país ou fora deles, vemos muito das ideologias de vingança e também muita entrega disso no roteiro para que não fosse apenas um filme de destruição, mas sim um drama sobre pessoas e interações mundiais.

Quanto das atuações, achei bacana a volta de praticamente todos os atores do primeiro filme que sobreviveram, de modo que Ryunosuke Kamiki trabalhou novamente seu Koichi Shikishima com explosões cênicas bem chamativas e até se entregando um pouco para o drama. Vemos Minami Hamabe bem colocada com sua Noriko, que mesmo sendo estranho de ver ela com o tapa olho se entrega bem e tem seu carisma bem alocado. Ainda tivemos bons momentos de Hidetaka Yoshioka com seu Noda, sendo até mais denso do que no primeiro filme, afinal agora tem todo um departamento para comandar, mas foi chamativo e teve as devidas nuances. Agora não sei se é uma tendência do cinema atual, mas já é o terceiro ou quarto filme só nesse ano, que colocam algum personagem meteorologista, e aqui coube para Masami Nagasawa a missão com sua Aoyama bem trabalhada e chamativa, assumindo bem o protagonismo em suas cenas, mesmo que deixada meio de lado. E por fim vale ainda o destaque para Min Tanaka pela intensidade e loucura de seu Murakami querendo sua vingança contra os EUA, mas sendo inteligente e bem marcante nas expressões do seu personagem.

Visualmente o longa mostrou o Japão já bem destruído na tela, tanto pela guerra quanto pelo primeiro filme do Godzilla, e agora juntou mais um bichão para botar tudo pra voar pela tela, ou seja, o povo não tem dó de gastar na destruição e o resultado agrada bastante dentro do contexto, e claro os bichões foram muito bem desenhados, sendo algo tão diferente dos bichões hollywoodianos que funcionam até mais, além de terem alguns poderes assustadores aonde a presença dos efeitos especiais acabam mostrando um trabalho da equipe de computação imponente e chamativo.

Enfim, é um filmão literalmente, que é um pouco alongado e mantém demais a história do filme anterior, meio quase que como se fosse uma grande trama de quatro horas, e por esse motivo funciona tanto para o bem como para o mal, pois não se vai muito além na tela, mas que como disse o som forte e a destruição compensa, sendo algo que vale mais ir conferir na telona do que em casa, então fica a dica. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Assalto à Brasileira

É engraçado como alguns filmes tão simples e bagunçados conseguem ser divertidos e encaixar tão bem dentro da proposta, de modo que você embarca na loucura e acaba gostando do que vê na tela. E como muitos sabem, minha memória é péssima, então lembrava de quase nada do assalto do Banestado em 1987, aonde o longa "Assalto à Brasileira" se situa, e mais ainda da loucura completa que ocorreu, só lembrando mesmo do começo do filme aonde o dinheiro e os preços das coisas mudavam de valor durante o dia inteiro, valendo praticamente nada para a população do Brasil. O mais interessante é que o filme mostra bem como a proteção nos bancos na época eram inexistentes, as filas e confusões eram literalmente uma bagunça, e nem os assaltantes eram criminosos mesmo, montando um plano frouxo aonde se não fosse a ajuda do jornalista em ir fazendo as conexões e dando talvez as ideias do que eles realmente queriam ficariam ali ou teriam sido mortos rapidamente em alguns minutos. Ou seja, é uma comédia tanto pela situação bizarra quanto pelo texto colocado nos personagens, funcionando como cinema, mesmo já tendo visto diversos filmes do estilo e da formatação.

O longa acompanha um jornalista recém desempregado chamado Paulo que, enquanto tirava sua rescisão no banco, se vê envolvido em um dos maiores roubos da história do país: um crime à mão armada na maior agência bancária de Londrina em 1987, com mais de 300 reféns. Rapidamente o repórter faz bom uso da oportunidade e prepara um grande furo jornalístico. Paulo decide ajudar os mandantes do assalto, Moreno e Barba, durante as negociações com a polícia. Enquanto as autoridades rondam e isolam o local, o jornalista aproveita seu passe exclusivo e livre pela cena do crime e começa a entrevistar os reféns, reunindo evidências, histórias de vida e perspectivas do ocorrido para sua história. Ambientado em um cenário de crise econômica, o longa lembram o assalto ao Banestado que marcou e repercutiu na memória do país.

Costumo dizer que o diretor José Eduardo Belmonte é daqueles poucos diretores nacionais que sabem o que querem fazer do começo ao fim em suas tramas, ao ponto que o roteiro de L.G. Bayão em cima do livro de Domingos Pelleegrini também ajuda bastante, pois vemos o conflitivo resultado de ter tanta gente dentro e fora de um banco rolando um assalto, vemos os policiais completamente despreparados para tudo o que está acontecendo e ainda como o jornalista mesmo quase enfartando pelos seus problemas junto do calor do banco soube ser sagaz para ir montando seu furo jornalístico criando e montando a situação para que algo que seria simples e rápido com várias baixas virasse algo bem maior e chamativo. Claro que muita coisa foi inventada para ficar com mais cara de filme, mas o diretor soube aproveitar cada momento maluco e cada personagem caricato que tinha ali para que tudo fosse bem além e agradasse dentro da essência completa.

Quanto das atuações, foi bacana o trabalho que muitos dos figurantes viraram personagens secundários, tendo algumas falas e dinâmicas, deixando que os protagonistas fizessem somente a base mesmo do assalto e o restante fosse de pessoas "comuns", e assim a brincadeira ficou até que bem interessante. E falando dos protagonistas, sabemos o quanto Murilo Benício sabe brincar até mesmo em filmes mais sérios, e aqui como seu Paulo tem um jeitão mais despojado e de showman, ele se joga literalmente, fazendo o que um bom jornalista faria numa situação para ganhar toda vantagem, e ainda aparecer bem, de modo que agradou bastante com sua representação. Já Christian Malheiros trabalhou seu Moreno com um ar tão calmo e tão descontraído que nem parecia um assaltante, e o mais engraçado de tudo é ver no depoimento final dos verdadeiros funcionários do banco na época, é que eles o retrataram assim mesmo, alguém educado e calmo, ou seja, o ator utilizou-se disso e brincou com a faceta expressiva para dar as nuances e envolver cada um. Ainda dentro do banco vale destacar Robson Nunes e Matheus Macena como outros assaltantes bem em contraponto de entregas, com o primeiro mais fechado e o outro até arrumando uma namorada entre os reféns, e do lado de fora do banco vale falar claro de Paulo Miklos como um comandante meio sem muita base, mas que sendo conhecido do jornalista entra bem na onda da mídia.

Visualmente a equipe de arte merece muitos aplausos, pois conseguiram representar um banco da época com muitos detalhes, e o melhor é que o diretor aproveitou o ambiente praticamente único para dimensionar tudo na tela, dar as nuances da montanha de dinheiro que era o cruzado e brincar com poucas salas, uma bancada e algumas mesas, sendo o gracejo nos figurinos mais diversos, e nas demais representatividades, só diria um grande defeito, que quem já fez filme com armas vai notar que as menores eram todas falsas e isso pesou um pouco no design da tela, mas nada que atrapalhe por ser um ar mais cômico.

Enfim, é um filme simpático que faz você dar algumas boas risadas com toda a confusão, mas que poderia ter um efeito mais chamativo se desenvolvesse algo a mais na trama, porém como quiseram ser representativos com o que aconteceu foi funcional e agrada bastante com o que faz, valendo a dica para conhecerem mais do Brasil maluco dos anos 80. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas volto ainda hoje com mais um texto, então abraços e até logo mais.

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O Sentido da Vida (Soudain) (急に具合が悪くなる) (All of a Suden)

O topo do pôster do longa "O Sentido da Vida" já diz tudo sobre a dupla premiação em Cannes para ambas as atrizes do filme, pois confesso que se não soubesse que elas são atrizes renomadas, diria com toda certeza que são expertises no assunto que defenderam na tela, uma formada em antropologia trabalhando como diretora de uma casa de repouso, e a outra formada em filosofia/sociologia trabalhando como diretora teatral, pois o domínio delas nas entregas foi algo fora dos padrões, inclusive com a francesa dominando tão bem o idioma japonês e vice-versa que olha é de tirar o chapéu. E quanto da história o diretor trabalhou com tantos temas fortes que seu filme de quase 200 minutos poderia ser daqueles que você dormiria e acabaria morto de cansaço com tudo, mas não é de forma alguma, sendo algo tão bem encaixado na tela, tão didático, tão preciso nas nuances para defender as ideias e dinâmicas sobre a senilidade, a taxa de natalidade caindo, a democracia e como manter um trabalho no mundo capitalista atual, ou seja, um filme denso com uma verborragia imensa tradicional francesa, porém com o toque cadenciado e certinho japonês, aonde tudo flui, tudo tem voz e encanta sem cansar um segundo que fosse.

A sinopse nos conta que sendo a diretora de uma instituição para idosos, Marie-Lou tenta aplicar ali uma filosofia de cuidados inovadora, baseada na escuta e na dignidade dos residentes, apesar da relutância de parte de sua equipe. Seu encontro com Mari, uma diretora de teatro japonesa que luta contra um câncer, vai mudar completamente o rumo de sua vida. Ao estabelecerem uma amizade profunda, as duas mulheres se unem em uma luta para tornar possível o impossível.

Diria que o diretor e roteirista Ryūsuke Hamaguchi soube utilizar bem o livro de Maho Isono e Makiko Miyano para que seu filme ficasse bem no seu estilo cadenciado, que mesmo sendo longo, não é alongado, aonde você assiste tranquilamente vendo tudo acontecer e já pensando em tudo o que está sendo mostrado, afinal é algo mundial o envelhecimento da população, e claro que muitas pessoas gostariam de serem tratadas como humanos realmente até os últimos segundos de sua vida, e não como um vegetal e/ou um objeto largado deitado em uma clínica, e a sacada de como tudo se desenvolve na tela é tão bacana que você passa a ter grandes considerações pelas protagonistas, não sendo algo que você vê de forma técnica sem te levar para lugar algum. Ou seja, é o famoso filme que muitos vão torcer a cara só de ver a duração, outros vão achar algo tão de festival que nem passaria perto, mas quem se deixar levar pela ideia proposta e refletir sobre o assunto vai gostar demais no final.

Já falei bastante das atuações no começo, mas é inegável a qualidade de Virginie Efira com sua Marie-Lou e Tao Okamoto com sua Mari, de tal forma que ambas entregam um cuidado para com o próximo, passam por cima até do seu cuidado próprio, e que trabalhando todos os sentimentos possíveis na tela vão se desenvolvendo calmamente, sem precisar apelar para traquejos falsos, que como falei no começo pareceram saber exatamente do que estavam falando ali e não atuando, ou seja, dominaram o tema, entenderam a proposta e colocaram acima de qualquer perspectiva para envolver o público para o assunto, com ambas brincando ao falar misturando francês e japonês quase como se fossem nativas dos dois idiomas, andando e discutindo sem termos afobação ou cansaço, e tudo mais que pudessem fazer para agradar realmente na tela, dando show e claro já levando muitas algumas premiações pelo que fizeram. Ainda tivemos outros bons atores, cada um dando as devidas nuances para se conectar com as protagonistas, mas valendo dar destaque somente para Kyôzô Nagatsuka com seu Goro e Marie Bunel com sua Sophie por serem os que mais se jogaram nos momentos mais fortes.

No conceito visual a trama mostrou bem a clínica de idosos em Paris, mostrando alguns quartos, refeitórios e salas com discussões do que fariam nos quartos do diretor, vemos também a área externa quase como uma grande praça bem trabalhada na jardinagem, vemos uma peça inteira em um pequeno teatro com boas utilizações de instrumentos musicais pela plateia, vamos também para Kioto ver a casa da protagonista, e claro muitos passeios pelas ruas da cidade, sendo até bem interessante de acompanhar elas, isso tudo com muitas dinâmicas e atividades para os velhinhos com muita simbologia em tudo e claro aumentando o envolvimento na tela.

Enfim é um filme bem diferenciado, interessantíssimo pela proposta entregue na tela, com uma densidade que funciona bastante e que segura o espectador, não sendo daqueles que você cansa e acaba desistindo de ver, que claro não é um filme para todos, pois quem gosta de algo mais explosivo talvez não entre completamente no clima, mas ainda assim vale a conferida para se pensar em muitas coisas. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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De Gaulle: A França Livre - Parte 1 (La Bataille De Gaulle: L’âge de fer) (De Gaulle: Résistance)

Hoje fiz o que eu falo todo santo dia para ninguém fazer, que é ir assistir uma trama com a expectativa nas alturas, de modo que desde quando começaram a divulgar os filmes do Festival de Cinema Francês do Brasil 2026 já coloquei num ponto tão alto a ideia de uma trama de guerra que raramente vemos no cinema francês, ainda mais do período que gosto tanto de acompanhar longas, então ao mesmo tempo que estava esperando demais para conferir "De Gaulle - A França Livre", também estava com receio de me decepcionar, afinal quando visitei a França nesse ano aonde eu olhava tinha o nome De Gaulle, e claro que queria entender todo o afinco nisso, e pronto que chegou o dia de conferir, e meu tino para boas tramas continua muito bom, pois mesmo tento 160 minutos somente na primeira parte, o longa mostrou como se fazer um filme político de guerra, aonde você acompanha minuto a minuto cada detalhe, não sendo eliminado as discussões, as imposições e claro as batalhas, aonde a trama segura você e facilmente faria assistirmos as duas partes seguidas com mais de 5 horas sem pestanejar (e olha que estou me adiantando de novo, afinal a parte 2 só será vista no domingo!). Ou seja, um tremendo filmaço do estilo que faz você conhecer por demais muita coisa da Segunda Guerra Mundial que sequer tínhamos ouvido falar, que funciona mesmo sendo bem verborrágico, mas que não cansa um segundo que fosse.

O longa nos situa em Junho de 1940. A França desmorona e assina o armistício. Em meio ao caos, um homem se recusa a ceder. Sozinho contra todos, esse general desconhecido foge para Londres para salvar o que resta de um sonho: a liberdade. Sem exército, sem apoio, sem esperança. Mas com uma convicção insana: a França, a sua França, não depôs as armas. Ele tenta uma última cartada: convencer o mundo de que a batalha da França não terminou e tampouco está perdida. A realidade é obstinada e lhe dá razão. Mas, pouco a pouco, levantam-se ao seu redor, na Inglaterra, na França e na África, resistentes clandestinos, estudantes revoltados e soldados determinados. Sua fé, sua audácia e sua fúria pela liberdade desafiam a História, que, no entanto, parecia ter sido escrita de antemão.

Particularmente o diretor e roteirista Antonin Baudry já tinha me conquistado com seu outro longa de guerra, "Alerta Lobo", que pode ser conferido na Netflix, mas se lá ele só deu o cheirinho de um conflito armado, aqui ele pode brincar a vontade, tanto que fez um longa de 5 horas dividido em duas partes, e aqui vou falar apenas da primeira que já conferi, e ele foi perfeito no que fez, trabalhando a história com detalhes, dando desenvoltura e personalidade para os atores principais irem bem além, e deixando até os secundários ter bons momentos, criando bons ângulos, e principalmente não economizando na produção, de modo que vemos um filme padrão Hollywood com bombas explodindo, cenografias na medida, muitos figurantes e figurinos perfeitos, ou seja, o combo completo aonde cada detalhe conta, mas principalmente a história conta muito, sendo daqueles que facilmente se fosse obrigatório num vestibular saber como foi o processo da França entrando para o nazismo e tendo o outro lado que não aceitou isso seria perfeito para usar em sala de aula. Ou seja, é daqueles filmes para lembrar e ver como foi o começo de um caos, e as pessoas que lutaram para mudar isso.

Quanto das atuações, por um tempo achei o visual de Simon Abkarian com seu Charles de Gaulle muito parecido com Hitler, mas como o ator é bem mais alto e tem traquejos meio que diferentes ele caiu mais no estilão francês, e se o diretor exigiu dele postura e imposição no melhor estilo de um comandante de alta patente, o ator fez com primor, sendo marcante e chamando muita atenção na tela, sabendo segurar suas cenas como precisava. Outro que foi muito bem na tela, e olha que já vimos várias versões do personagem foi Simon Russell Beale com seu Winston Churchill, de modo que ele incorporou traquejos, foi simpático e até carismático e teve boas dinâmicas para que fosse imponente na medida sem passar por cima do protagonista. É até engraçado pensar que você passa o filme inteiro tentando imaginar para que foi inserido o personagem Fernand que Florian Lesieur fez na trama, sendo um papel até ok de alguém que deseja ser revolucionário entre os jovens, que organiza as manifestações, se apaixona por uma garota, apanha e perde ela no caminho de fuga, mas seu fechamento é tão bom, tão cheio de personalidade que acaba impactando e indo muito bem no que faz. Ainda tivemos outros bons personagens e atuações, mas não vou ficar falando de cada um, valendo leves destaques pelo estilo expressivo de Benoît Magimel com seu General Pierre Koenig, Karim Leklou com seu Blazej,  

Campbell Scott com seu Franklin D. Roosevelt e Daniel Betts com seu Dwight Eisenhower.

Visualmente como já falei a equipe de arte não economizou um centavo que fosse tendo cenas no meio do deserto com tanques, aviões, armas de tudo quanto estilo, tivemos manifestações na frente do Arco do Triunfo, muitas cenas dentro de gabinetes e teatros, alguns atos dentro das casas dos protagonistas, reuniões em bunkers e tudo mais que se pensasse, isso claro regado de figurinos marcantes e até tendo cenas no meio de rios, passeando pela França, Grã-Bretanha e até com cenas na África, ou seja, o pacote completo para que cada detalhe fosse chamativo na tela.

Enfim, é um tremendo filmão, literalmente em tamanho e presença, que a primeira parte já impactou demais valendo demais a conferida, e para o pessoal que não conseguiu assistir ele no Festival de Cinema Francês já dou a dica que ele vai entrar na plataforma Filmelier+ no próximo dia 19/11, ou seja, logo mais nas telinhas para todos conferirem. E é isso meus amigos, por incrível que pareça não irei dar a nota máxima apenas por faltar ver ele por completo, mas o gancho deixado impacta e o conjunto talvez valha um 10, mas para isso terei de esperar até domingo, então fico por aqui hoje, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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A Busca de Charlie (Les Matins Merveilleux) (Marvelous Morning)

Não sei se acontece com vocês, mas quer me decepcionar é um filme que aparentemente tem uma proposta mudar para outra e se perder por completo, do tipo que o diretor fica enrolando a receita do pão, dando voltas, colocando mais sal, aí joga mais água, põe mais farinha, completa com mais água, joga sal, e no fim devia ter ido pro lixo e começado de novo, pois não vai dar ponto nunca. E hoje rolou isso com "A Busca de Charlie", pois começou bacana com toda a pegada do luto, meio que cheia de situações sarcásticas com as heranças da velhinha e a neta rindo da situação, vai para uma entrega bacana dos discos de vinil, descobre algo que nunca soube da mãe, tenta ser igual e até aí tudo bem, o filme tinha um rumo, tinha um mote em talvez procurar o pai que nunca conheceu, saber mais das aventuras da mãe, mas não, a diretora simplesmente decide que a moça vai resolver ficar na cidade e tentar se ajuntar com a hospedeira trans, ficando numa enrolação sem fim, tendo conexões desconexas com os demais da vila, algumas perguntas em aberto, e só... resultando em algo até bonitinho, mas bem ordinário.

Com velhos discos de vinil no porta-malas do seu Twingo e ainda se recuperando da morte da avó, Charlie segue dirigindo. Ela ainda não sabe que esses discos vão trazer de volta os passos de dança da mãe nos olhos úmidos de Titou, um somelier sonhador, nem que uma praia deserta do Mediterrâneo será o cenário de seu encontro com Marina, que sonha com seu ideal de liberdade na pizzaria da vila. Por enquanto, ela segue dirigindo.

É bem fácil dar a explicação do problema, afinal é a estreia em longas diretora e roteirista Avril Besson, e diria que é melhor ela voltar para os curtas, pois ela alongou aqui sem dó nenhuma, fazendo com que um filme de 86 minutos tivesse a duração de cinco dias, e o pior, pois poderia ser alongado, aliás essa está sendo uma característica bem marcante do Festival de Cinema Francês desse ano, mas se perdeu totalmente de onde ela desejava chegar, fazendo com que seu filme tivesse uma pegada sem nexo, que levasse nada a lugar algum, e finalizasse ainda sem vértices, ou seja, desanima ver qualquer diretor estreante começar assim, pois é o que sempre falo, faz o básico com começo, meio e fim, que leve algo para o público, que tenha um único mote para ser finalizado, e aí depois você floreia, o que não ocorreu aqui.

Quanto das atuações, até gosto do estilo da India Hair ser meio jogado e até ingênuo na maioria de seus longas, de modo que aqui com sua Charlie é a personificação daquela pessoa que você acaba gostando e rindo, e por vezes até tenta ajudar com algo, mas a personagem abusou um pouco da boa vontade, e acabou indo para outros rumos, de modo que ela segurou toda esse jeitinho bobo do começo ao fim, até forçando um pouco, mas ela não tinha como mudar as ideias da diretora, e assim ficou jogada de lado. Já Raya Martigny com sua Marina até foi bem centrada, teve algumas dinâmicas bem encaixadas na tela, e foi chamativa para o papel, mas até agora ainda não sei aonde ela desejava ir mais, ficando naquele meio do caminho que parece ter sido jogada, mas teve participações demais, o que é estranho de acontecer. Ainda tivemos alguns bons momentos de dança de Éric Cantona com seu Thierry, vulgo Titou, e até teve alguns atos emocionais para chamar a atenção, mas do nada parece esquecido, e isso é algo muito errado de acontecer. Já os demais ainda devem estar se perguntando o que eram seus papeis na trama, pois se nós que assistimos ao longa completo não entendemos, imagina eles que gravaram as cenas picadas nas gravações, então é melhor eu não dar destaque para nenhum secundário, pois se duvidar no roteiro deviam estar escritos até como principais, e acabaram sumindo no projeto final!

Visualmente o longa foi para uma cidadezinha até que bem simpática a beira-mar, mostrou alguns bares de fora de temporada bem simples sem grandes nuances, alguns momentos no pequeno apartamento de Marina, sem grandes detalhes em nada que fizesse chamar atenção, tirando o colchão inflável, e outros atos andando pelas ruas, ficando na brisa de uma droga no jardim alheio, antes conhecendo o túmulo da mãe e da avó, além da casa de Titou, ou seja, tudo bem básico na tela.

Enfim, ainda estou pensando o motivo de ter saído de casa para ver o longa, pois esse com certeza não me desceu, sendo bonitinho, tendo alguns momentinhos emocionais, mas sem um rumo que fosse para falar foi bom, foi ruim, foi qualquer coisa, mas simplesmente não foi, e assim não tenho como dar uma nota maior do que a que colocarei, pois ao menos simpático ele foi. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas amanhã tenho os dois filmes que apostei (ao menos na minha cabeça) como os melhores do Festival de Cinema Francês, então até amanhã para sabermos se vai realizar, ou se será apenas esperança. Fiquem por enquanto com meus abraços e até logo mais.

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O Fantasma da Ópera (Le Fantôme de l’Opéra) (The Phantom of the Opera)

É interessante que quando mexem em algo que conhecemos tanto ficamos com um certo receio, e já perdi as contas de quantas adaptações ou tramas baseadas no famoso clássico "O Fantasma da Ópera" já teve entre tramas oficiais e paralelas, e nenhuma das vezes puxaram a trama para o mundo atual, aonde vemos muito mais ousadia e um frisson diferenciado aonde as pessoas julgam tudo e brigam por qualquer coisa, quanto mais para um papel principal. E a sacada aqui foi muito interessante, ousada e diferente, tanto que trabalhou o lado do romantismo misturado com algo mais puxado para o terror/suspense, resultando em algo que facilmente a juventude assistiria e gostaria bastante, pois não tem a pegada de algo "velho" como as demais adaptações, e assim sendo com uma produção intensa que lembra um pouco a mistura de "Cisne Negro" com "Ghost" acabei gostando até mais do que imaginaria para um filme de diálogos bem fraquinhos, mas que na tela funcionaram.

O longa nos situa na Paris de hoje, aonde Anastasia, uma jovem bailarina, ingressa na prestigiada Ópera de Paris. Enquanto ensaia Orfeu, uma ópera amaldiçoada que teria sido composta pelo Fantasma da Ópera, ela se apaixona por um misterioso pianista. À medida que a estreia se aproxima, entre acidentes inexplicáveis e revelações perturbadoras, Anastasia se vê envolvida em uma história de amor impossível, na fronteira entre o real e o fantástico.

Diria que o diretor e roteirista Alexandre Castagnetti encontrou uma maneira tão diferenciada para colocar ópera e balé numa linguagem acessível para os mais jovens que certamente não teriam a mínima curiosidade para o estilo que até acabou se perdendo um pouco na construção dos diálogos, pois sabemos que a história original é densa, cheia de termos difíceis e intensos, e assim como o seu filme é uma trama arrastada, e aqui ele conseguiu brincar com dinâmicas e intensidades tão bem colocadas que por vezes você até deseja que o filme se acalme, e ele fez isso no momento mais errado que é o miolo da trama, aonde chega até a cansar um pouco com a entrega dos personagens. Ou seja, é o famoso filme diferentão que até acaba saindo completamente do estilo francês, sendo daqueles que facilmente veríamos como sendo uma produção americana, bastaria mudar dois ou três atores e pronto, o filme estaria feito. Claro que estou julgando ele mais com o olhar crítico nesse sentido, pois pelo meu lado produtor a trama foi perfeita, com uma cara lucrativa e personagens que venderia fácil nos cartazes, então tem gosto para tudo.

Quanto das atuações, diria que Deva Cassel trouxe um ar enigmático demais para sua Anastasia Marescu, de modo que se não fosse entregue da forma que foi feita a pessoa culpada, certamente eu também incriminaria ela, pois é misteriosa demais, e com trejeitos levemente desanimados, faltando impactar mais na tela e mostrar que estava feliz de ser selecionada e estar numa grandiosa companhia de balé, mas isso é exigir demais, então faltou algo a mais para ela se mostrar na tela. Da mesma forma, Julien De Saint Jean fez com que seu Ernest Dupré fosse um fantasma meio estranho demais, tendo alguns momentos de fúria, mas exagerando no ar misterioso, quase sendo um encosto chato que aparecia só quando tinha vontade para a garota, e assim mais incomodou do que surpreendeu. Ainda tivemos Romain Duris totalmente forçado com seu James Figueras, sendo daqueles professores de balé que você tem vontade de bater pelo exagero na tela, não ficando nem para um lado nem para o outro, apenas achando tudo ruim e não mostrando o que quer, e isso ao menos funcionou para o papel, e quanto a Laïka Blanc-Francard com sua Georgina D'Angelo diria que a jovem até teve personalidade para seus momentos mais chamativos, mas se perdeu fácil em não botar mais banca, pois dava para ser algo a mais na trama. Quanto aos demais, apenas participaram da trama, não tendo muito o que elogiar de ninguém.

Visualmente não sei se o prédio inteiro da Ópera Garnier possui todo aquele depósito profundo com água e tudo mais, mas a produção da equipe de arte foi tão boa nas cenas escuras que ali formou algo intenso e cheio de nuances durante toda a preparação, sendo algo impactante na formatação da trama, de modo que ainda no final sendo usado como parte da peça, tendo atos nas escadarias, no salão dos lustres na plateia e tudo mais foi algo realmente para impactar e chamar muita atenção sem ser exatamente tudo rolando no palco, ou seja, a equipe fez mais do que apenas utilizar o teatro, mas sim dar novas utilidades e mostrar para as demais peças que podem ir além do ambiente tradicional usado ali.

Enfim, é uma mistura bem diferenciada de drama com suspense com terror e romance junto, que dar 100% certo seria um milagre do mundo cinematográfico, mas que diria que no quesito de uma produção diferenciada dentro do cinema francês foi algo muito chamativo, o caso é se ele irá realmente impactar o público com uma boa bilheteria, pois também estreou por lá nesse final de semana, então irei torcer, pois tirando o fator diálogos e alongamento do miolo, o resultado na tela foi bem bom de assistir. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Molière, Cyrano e o Pequeno Rei (Les Caprices de l'Enfant Roi)

Se pudesse batizar o filme de hoje em português eu colocaria "Dando um Nó na História Francesa", pois o diretor de "Moliére, Cyrano e o Pequeno Rei" conseguiu misturar tantas situações da coroação de Luis XIV, juntando com a fundação da Comédie-Française, com os poemas de Cyrano de Bergerac e tudo mais, sendo uma trama com pegada de época tão moderna e diferenciada que acaba sendo divertido e bem encaixado na tela, não sendo nem bobo demais, nem fora de eixo como fazem em tramas desse estilo nos EUA, mas como estamos num Festival Francês, as coisas ficam mais artísticas. Ou seja, é daqueles filmes que acabamos nos divertindo com algo que até poderia ter acontecido, mas como é frisado no começo, os historiadores não concordaram com essa versão.

O longa nos situa em 1651, Luís (ainda não XIV) é um jovem adolescente. Enquanto a Fronda ameaça o reino, sua mãe, Ana da Áustria, decide retirar o filho às escondidas para colocá-lo em segurança e o substitui por um sósia. Luís é confiado por D’Artagnan a Cyrano de Bergerac, que o esconde no seio da companhia teatral de Madeleine Béjart e Molière. Enquanto Madeleine e Cyrano descobrem uma paixão em comum pelo jovem Molière, Luís descobre a vida e seus prazeres, a arte e o trabalho, a coragem e a estratégia — tudo aquilo que fará dele o Rei Sol.

Diria que diretor e roteirista Michel Leclerc foi muito criativo ao construir sua trama de uma forma mais ampla, pois seu filme poderia ter ficado tão bobo e também tão chato, mas ele floreou na medida certa para que o filme soasse interessante e bem encaixado, com uma produção de época bem trabalhada, cheia de intensidade e com personagens que conversaram bem para o que a pegada da trama pedia, ou seja deu muito certo na tela, mesmo tendo a duração um pouco exagerada, porém foi preciso para desenvolver todos os personagens, então diria que funcionou bastante.

Quanto das atuações, se o garoto Niels Hamel-Brochen seguir atuando com a qualidade e a personalidade que deu para seu Louis XIV e também para o seu sósia, podem se preparar para ver ele abocanhando ótimas premiações futuramente, pois ele literalmente dá show tanto com a entrega quanto com o seu carisma, sendo perfeito demais em cena. Também tivemos bons momentos de Artus com seu Cyrano de Bergerac, sendo alguém imponente, com traquejos meio que emocionais demais e até um pouco confuso de atitudes, mas fez bem o que precisava. Julia Piaton também teve boas cenas marcantes com sua Madeleine Béjart, sendo meio que sucinta demais na tela, mas não incomodando com o que fez, de modo que poderia até ser um pouco mais imponente, porém mudaria o estilo. Agora Némo Schiffman trouxe para seu Molière literalmente um ator galanteador, cheio de traquejos e disposição para atacar quem tiver na sua frente. Ainda tivemos alguns atos bem colocados de Franck Dubosc com seu D'Artagnan meio que falso demais e Doria Tillier com sua Anne da Áustria sem tantas explosões como sabemos que foi, mas fizeram bem seus papeis.

Visualmente sabemos bem o quanto trabalho dá para se fazer longas de época, e ainda mais quando tudo precisa ser meio que bagunçado como o longa pedia, brincando com peças, barcos, palcos e salas reais aonde tudo tem significado e imposição, porém foram muito espertos em mostrar apenas uma ceninha com a revolução ocorrendo do lado de fora do palácio, pois gastariam muito com uma produção de batalhas, e o mais engraçado é que praticamente fora de onde está o caos que é o palácio não estava rolando mais nada, ou seja, esqueceram de trabalhar isso, mas o resultado dos figurinos e da essência em si funcionou bem na tela.

Enfim, foi um filme bem bacana de conferir, divertido e cheio de boas sacadas, aonde a mistura completa funciona bastante, mas que dava para ser menos alongado para empolgar mais, e assim sendo o diretor pesou a mão em não cortar espaços sem muitas desenvolturas. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas hoje tem mais um filme do Festival de Cinema Francês, então abraços e até daqui a pouco.

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Medley

Mais cedo falei que estava muito feliz com a variedade dos longas nacionais, e principalmente com a qualidade que isso tem sido entregue nas telas, de modo que hoje vendo três em sequência pude observar muito técnica e estilos, e o longa "Medley" surgiu do nada nas telonas daqui do interior, afinal não constava nas programações dos cinemas e acabou nem chamando muito público como aconteceu nos longas que vi mais cedo que estavam bem recheados, e a história trabalhada é interessante e tem pegada, ao mostrar a jovem que nunca soube mais do pai, tendo conflitos familiares com a mãe que vive presa no trabalho e claro que indo para uma cidade menor (e roubando a vaga de outras garotas no time de natação) sofreria com os moradores mais antigo, porém a base da trama é pequena, e dava para cortar muitos espaços reflexivos de modo a dar mais dinâmica para a produção, pois o longa não é ruim, mas ficou com mais cara de filme "homenagem" ao livro do que um desenvolvimento maior que chamasse público. Ou seja, é o famoso filme aonde ficamos esperando muito e entrega pouco no final, sendo emocional pela essência, mas não tendo uma grande construção.

No longa vemos que aos 16 anos, Lola é uma nadadora talentosa, dona de várias medalhas, mas incapaz de executar o estilo borboleta. Marcada pela misteriosa ausência do pai e por uma relação difícil com a mãe, ela decide passar as férias sozinha em Salto Bonito. Na cidade, ela se apaixona, faz novas amizades e se junta ao enfraquecido time de natação local. Porém, cada vez que entra na água, emoções despertam lembranças dolorosas que ela tentou esquecer. Enquanto se prepara para um importante campeonato, Lola precisa enfrentar os medos e traumas que a acompanham desde a infância. Para seguir em frente, ela também terá de descobrir a verdade sobre o pai.

Como falei no começo, diria que a diretora Ana Luiza Azevedo não quis ousar muito e se prendeu demais ao livro da roteirista Keka Reis, "Medley ou os dias em que aprendi a voar", pois vemos na tela um filme que até poderia ter ido muito mais além, ou então ser mais fechado nas dinâmicas e cortar todos os espaços em branco, pois com uns 30 a 40 minutos a menos não necessitaria de muitos enfeites e dinâmicas "desnecessárias" e o resultado ficaria singelo e direto para contar tudo. Claro que sabemos bem que alguns projetos precisam de espaços reflexivos, mas não era o caso aqui, e talvez essa porrada daria ao longa um chamariz bem maior e impactante. Volto a frisar que o que vemos na tela não é ruim, pelo contrário vemos uma boa técnica e principalmente não entrou no estilo novelesco, contando com cenas bonitas e emocionais, mas infelizmente não convence, e assim o resultado acaba não acontecendo como deveria.

Quanto das atuações, diria que Mel Maia é daquelas atrizes que precisa de uma direção forte para entregar muito mais na tela, de modo que sua Lola tem personalidade e vontade, mas não puxa o carisma para si para que torçamos por ela no desenvolvimento do filme, e isso é um problema gigante quando se é a protagonista de uma história, então ficou faltando chamar o filme para si e envolver o espectador com a personagem, o que não rolou. Já Guthierry Sotero até teve um carisma até que bacana para com seu Gabriel, sendo intenso e bem chamativo nas cenas com a protagonista, e trabalhando sua expressão em vários atos, o que foi bacana de ver, só faltando ter uma química maior com ela também, pois o romance soou até bem artificial na tela. Ainda tivemos alguns bons momentos de Alana Cabral com sua Linda mais diretona e André Ramiro fazendo bem um treinador da equipe de natação, sobrando para Mariana Lima a participação mais fraca como a mãe da garota, aonde chega a ser ainda mais sem expressão que a protagonista, dando até um desânimo exagerado na tela, o que incomoda bastante.

Visualmente o longa tem o clássico estilo de ser projeto de cidade, aonde tudo filmado em um lugar simples, mostrando apenas a piscina municipal e alguns atos em uma pracinha, além de momentos no mercadinho da família do garoto e na casa do sítio do tio da garota, sem ter grandes detalhes, apenas uma caixa aonde acha fotos antigas que fazem ela querer saber cada vez mais do passado da mãe e do pai, sendo o elemento chave da trama, mas sem grandes floreios, além claro de torneios de natação, ou seja, a equipe de arte foi bem econômica.

Enfim, é um longa que tinha potencial para ir mais além e ser melhor desenvolvido para impactar na tela, mas que acabou sendo simples e alongado demais, o que resultou em algo mais mediano, que não deve ter tanto público infelizmente, pois como já frisei não recai para o lado novelesco, e também não é uma ideia comum de vermos tanto em nosso cinema, então se tiver sem muitas opções até vale uma conferida. E é isso meus amigos, acabo aqui essa maratona que fiz no dia de hoje, e amanhã volto para o cinema francês, pois a outra estreia os horários não estão batendo muito, então vou empurrar ela para a próxima semana, fiquem por enquanto com meus abraços e até amanhã com mais dicas.

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As Dez Vantagens de Morrer Depois de Você

Nao sei o motivo, mas desde quando vi o trailer de "As Dez Vantagens de Morrer Depois de Você" há um bom tempo atrás tinha duas impressões bem opostas que ou eu amaria o longa ou detestaria ele demais, pois tinha um quê de "P.S. Eu Te Amo" e também tinha tudo para virar uma novelona amarrada e chata, e felizmente minha intuição de que amaria estava certa, pois fiquei completamente encantado dele não ser uma novela em minutos algum, não ter subtramas jogadas, muito menos ter cenas forçadas na tela, sendo daqueles filmes emocionais fortes e leves ao mesmo tempo, que consegue passar para o público tudo na tela, e principalmente sendo uma adaptação de um livro não ficar com capítulos ou paradas na tela, se desenvolvendo com personalidade, tendo personagens emocionais bem trabalhados e atuados, e conquistando nosso coração com um filme que nem parece ser nacional, mas felizmente é, ou seja, sai encantado com o que vi na tela.

O longa acompanha Julia e Gabi que, por mais que sejam amigas desde crianças, são completamente diferentes uma da outra. Gabi é uma menina cautelosa, tímida e tem medo de enfrentar novos desafios. Por outro lado, Julia é totalmente extrovertida, carismática e se joga em tudo o que a atrai. Para a surpresa das meninas, tudo está prestes a mudar quando uma mentirinha espalhada sem pretensão vira uma tragédia, resultando em um acidente de carro com a Julia. A menina precisa fazer uma cirurgia de risco e então resolveu deixar um presente para Gabi: dez cartas com dez desafios diferentes. Julia fez isso caso ela não sobreviva e a amiga precisará cumprir cada desafio, mexendo completamente com a vida de Gabi.

Diria que o diretor e roteirista Diego Freitas, que já vem encantando demais com suas obras anteriores ("Caramelo" e "O Segredo de Davi") é daqueles que sabe marcar território e sai completamente da caixinha, agradando com tudo o que faz, e aqui ele soube trabalhar seu filme com uma proposta tão leve e solta que realmente impressiona, sendo daqueles que usa a tela para valorizar a essência, que consegue capturar o momento sem deixar pontas jogadas, e que principalmente não faz uso do drama como algo apenas para fazer chorar, mas sim para ampliar o feitio do estilo com personalidade e valores marcantes, sendo daqueles diretores que sabem entregar o filme funcionando na tela, e isso acaba encantando demais, com planos simples, montagens diretas e um resultado único, aonde ele soube usar e ousar bem o livro de Fernanda de Castro Lima e não ficar preso somente nele.

Quanto das atuações, inicialmente já sabia que a personagem Julia que Giulia Be interpreta morreria logo de cara na trama, mas também pelo trailer imaginava que ele iria ficar meio como um fantasma conversando com a protagonista, e isso foi bem legal de ver, pois a atriz teve uma personalidade e uma intensidade bem interessante de acompanhar, aonde vemos ela mais como alguém para dar força, e assim foi usada assertivamente com presença e estilo. E falando em estilo, Any Gabriely conseguiu se jogar por demais na tela com sua Gabi, trabalhando meio como alguém mais tímida (o que sabemos que ela não é), mas se jogando literalmente nas ideias das cartas, passando pelos problemas bem encaixados que provavelmente aconteceria, e agradando conforme vai mudando a personificação sem estragar o lado bom dela, ou seja, foi bem demais. Outra que foi muito bem na tela foi Pamela Germano com sua Lorena, dando as devidas conexões para a protagonista realizar os desafios, mas sendo chamativa e encaixando tudo para não ficar jogada apenas. Ainda tivemos as mães que foram vividas por Regiane Alves e Sheron Menezes, sendo bem encaixadas na tela, mas sem tirar o brilho das protagonistas, e claro vale destacar demais a entrega de Leo Jaime e  Arthur Kohl como um belo casal, e também o jovem Daniel Rangel que teve poucos atos, mas mandou bem no que precisava fazer.

Visualmente o longa foi bem completo, tendo algumas cenas mais fechadas como no apartamento da família de Gabi e alguns momentos na escola das garotas, mas entregou cenas na Avenida Paulista pedindo abraços, em livrarias, em salas de cursos de danças, boates, hospitais e até mesmo em um acampamento e em saltos de paraquedas, tendo ainda uma espécie de limbo escuro com água aonde a protagonista vai durante seus sonhos enfrentar seus medos, ou seja, a equipe de arte brincou com figurinos para os vários momentos e muitas locações para amplificar o estilo do livro, ou seja, trabalharam com primor técnico para que o filme não ficasse muito caro, mas ainda assim o resultado aparece bem na tela.

Enfim, não era um filme que estava nos planos de ser conferido hoje, aliás tinha até programado ele para a próxima semana já que os encaixes com o Festival estão bem difíceis, mas como mudei tudo para ver mais filmes hoje acabou dando certo, e para a minha felicidade foi o melhor filme que vi hoje, me envolvendo e emocionando de uma forma que nem sei o motivo, mas isso me deixou extremamente feliz, pois o cinema nacional tem crescido demais com histórias diferenciadas, mas quando volta para o básico costuma derrapar, e aqui me lembrou grandes e bons exemplares de dramas adolescentes bem feitos fora do país, e isso é mostrar que estamos indo no rumo certo do cinema nacional. E é isso meus amigos, agora vou para minha última sessão e volto logo depois com os vários textos, então abraços e até logo mais.

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100 Dias

Ja venho elogiando o cinema nacional tem um bom tempo, e não seria hoje que mudaria isso com um dos longas que quase foi o nosso indicado ao Oscar, que sendo a primeira direção 100% de humanos na carreira de Carlos Saldanha, "100 Dias", acaba sendo daquelas tramas que tem pegada, que se desenrola bem na tela, e que mesmo sabendo exatamente o que vai acontecer sem precisar nem ter lido o livro de Amyr Klink funciona bastante. Ou seja, é daqueles filmes que são bem trabalhados dentro do recorte feito na tela, que talvez com algumas pitadas densas na tela empolgariam mais, mas não quiseram inventar moda, e assim o resultado fica bacana sem ter grandes reviravoltas.

O longa retrata a impressionante jornada do navegador brasileiro, que se tornou a primeira pessoa a atravessar o Oceano Atlântico Sul a remo. Em 1984, Klink realizou a travessia solitária em um percurso de quase sete mil quilômetros, partindo de Lüderitz, na Namíbia, até Camaçari, na Bahia, ao longo de 100 dias, entre junho e setembro. Além de narrar a aventura épica, o filme explora camadas mais profundas, como a relação complexa de Amyr com sua família, especialmente com o pai, e como essa travessia pode simbolizar sua busca por autoconhecimento e superação.

Sempre gostei muito do estilo do diretor Carlos Saldanha, mas me incomoda demais a segurança que ele entrega na tela, de modo que seus filmes acabam ficando mornos demais no miolo. Ou seja, acredito que ele tenha focado demais no livro do próprio Amyr e assim não desenvolveu a história como ela poderia, ficando com um filme que não impacta como a jornada em si parecia, e isso para uma história ousada como o filme pedia soa fraco na tela. Não estou dizendo que seja um filme ruim, muito pelo contrário, mas fica parecendo faltar explosão para que no final estivéssemos afobados e empolgados com tudo o que estava acontecendo na tela, é assim talvez o diretor poderia ter ido mais além.

Quanto das atuações, diria que Filipe Bragança entrou por completo no papel de Amyr, remando aos montes, trabalhando trejeitos intensos e marcantes, e principalmente bem seguro do que o papel precisava, aonde suas expressões fluíram bem na tela e tiveram as devidas nuances do começo ao fim. Como é uma jornada bem solitária a do personagem, tivemos outros atores no apoio atrás do rádio, seja no navio grande aonde o verdadeiro Amyr apareceu como comandante Ayres, enquanto sua voz foi feita por Daniel Farias, ou com a mãe e o irmão bem interpretados por Philippine Leroy-Beaulieu e João Vitor Silva, mas o destaque mesmo ficou para o garotinho Enzo Rosetti que fez o personagem jovem, é assim sendo ao menos não operaram o orçamento da trama com tantos atores.

Visualmente o longa teve uma boa entrega com o pequeno barco contando apenas com o dormitório do rapaz, um fogareiro e suas comidas dessalgadas para preparar com a água do mar, sendo representativo ao máximo com as tempestades e animais marinhos que apareceram durante o trajeto no Oceano Atlântico.

Enfim, é um filme bem feito, que talvez pudesse ser muito mais impactante e empolgante na tela com poucas mudanças na estrutura, pois volto sempre a frisar que em adaptações literárias, principalmente as biográficas, precisam ser mais ousados para chamar mais atenção, mas ainda assim é um bom exemplar diferenciado dentro do cinema nacional. E é isso meus amigos, eu fico por aqui agora, mas hoje ainda verei mais dois filmes, então abraços e até daqui a pouco.

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Três Horas Para Viver (Runner)

Costumo dizer que os longas da Angel Filmes entregam tramas tão mornas e com cunhos voltados para a religião, porém com "Três Horas Para Viver" temos um filme com tanta ação, com muitas cenas violentas, perseguição em nível máximo do começo ao fim, aonde entramos de carona junto com um entregador que tem de levar um fígado para uma garotinha enquanto traficantes também querem o mesmo órgão para salvar a chefe do cartel, e aí com uma pegada intensa e cheia de nuances vamos torcendo pelos personagens, rimos de algumas sacadas boas e acabamos impactados com a pancadaria toda que o protagonista e o vilão se desferem, ou seja, é daqueles longas que não temos respiro em sequer um minuto, e isso acaba sendo bacana demais de entrar no clima.

O longa acompanha Hank Malone, um transportador de elite contratado para uma missão urgente: levar um órgão vital que pode salvar a vida de uma garotinha de 7 anos. Ao seu lado está o Ben Bishop, responsável por proteger e monitorar o carregamento durante todo o trajeto. O que parecia ser uma entrega direta logo se transforma em uma corrida desesperada contra o relógio quando Damián Zaldívar, líder de uma perigosa organização criminosa, entra em cena determinado a roubar o órgão a qualquer custo.

Diria que o diretor Scott Waugh pegou a trama para fazer achando que não daria para impactar na entrega, mas botou toda sua ousadia para jogo e conseguiu fazer com que seu filme fosse muito mais além do que uma história de redenção do protagonista pelo passado de guerra e de perda da filha seguida de separação, criando dinâmicas de ação no melhor nível possível, e assim sendo seu filme acabou chamando muita atenção, pois ele soube brincar com tiros, explosões e traquejos fortes de luta corporal com os personagens, fazendo com que a entrega na tela fosse sem respiros ou enfeites, é assim sendo agradando demais.

Quanto das atuações, diria que Alan Ritchson soube segurar demais a intensidade de seu Hank Malone, não deixando ele apenas como um brucutu jogado na tela, pois ele foi marcante e teve muita personalidade para impactar nos seus principais atos, não ficando deslocado, nem se perdendo com o que o filme pedia, é assim foi bem demais. Já Owen Wilson foi falante demais com seu Ben Bishop, ao ponto de até ser engraçado e cativante com suas entregas, mas acho que até o papagaio estava querendo que ele fechasse a matraca, mas ao menos seu carisma tradicional chamou muita a atenção para o personagem, e isso acabou sendo legal. Agora se Hollywood assistiu ao filme já sabe quem contratar para vilão dos próximos filmes, pois Rodrigo Santoro deu literalmente o sangue com seu Damián Zaldívar, de forma que cheguei a pensar que ele era imortal na luta final com o protagonista, mas antes fez muitas caras e bocas, falou português, espanhol, inglês e tudo junto na mesma frase para se impor e claro xingar o protagonista sem que ele entendesse (e isso é o clássico dos brasileiros fazer com gringos!), ou seja, se jogou, lutou, atirou e fez de tudo que um bom vilão deve fazer para conseguir seu objetivo. Não digo que os demais personagens tenha tido atuações ruins, apenas não foram importantes para que a trama se desenvolvesse, tendo um leve destaque apenas para Leila George com sua Kate Baker e Scarlett Crabtree com sua Ellie pelos gracejos e simpatia da garotinha e claro os desesperos da mãe para salvar o fígado da filha, mas nada muito além disso.

Visualmente a trama foi quase como ver um filme de grande saga de ação, com perseguições pelas avenidas da Austrália (que eu nem sabia que era mão inglesa invertida!), muitos tiroteios, carros partindo ao meio com trombadas malucas, carro de polícia voando e capotando, explosões, facadas e tudo mais que possa ser usado como arma, tendo claro a bolsa de transporte de órgãos bem tecnológica e refrigerada (não sendo a prova de balas, pensem nisso nas próximas invenções!), e até tendo um mote interessante ao mostrar o protagonista com seu ano livre de álcool, mas sem muita importância para a trama. Ainda tivemos alguns atos dentro de um hospital bem equipado como deve ser, e claro um fechamento digno em Paris para dar a devida nuance inicial da trama.

Enfim, achava que seria mais um filme com mote religioso chato que tradicionalmente a Angel Filmes traz para o país, mas o resultado me surpreendeu e me fez ficar conectado durante o longa inteiro, sendo bacana na medida pela ideia, e principalmente mostrando para o pessoal das tramas de ação que dá para criar ao menos uma história envolvente sem ser apenas tiro e pancadaria, então fica a dica. E é isso por enquanto pessoal, pois hoje vou morar nos cinemas vendo um filme atrás do outro até perto da meia-noite numa saga maluca para matar as estreias e depois amanhã voltar com o Festival Francês, então abraços e até logo mais.

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Feito Pipa

Sei que sou curioso e não aguentei esperar pela estreia oficial na próxima semana do nosso candidato ao Oscar, então eis que hoje aproveitei que já tinha visto o segundo filme do Festival de Cinema Francês e encarei "Feito Pipa" para tirar logo a prova de se era realmente um filme para podermos brigar como aconteceu nos últimos anos ou se estava com um leve sucesso apenas pelos temas delicados que trabalha na tela. E agora que conferi posso falar que temos uma trama bem bonita, que me emocionou principalmente pelo tema da avozinha com o Alzheimer que perdeu a filha de um modo fortíssimo que vamos saber só lá quase no final do longa, mas também o fator do garoto que sonha em ser jogador de futebol, mesmo tendo um lado mais artístico e puxado para o lado feminino, ou seja, o diretor quis trabalhar com muitas coisas ao mesmo tempo, e soube ser sutil com ambos, não explodindo tudo na tela, de modo que funciona bem, mas aí ser o melhor exemplar nosso desse ano para competir pau a pau com as produções do mundo afora, aí já não sei, pois a trama tem muitos gargalos para um filme de apenas 93 minutos, e isso é perigoso demais quando levado para fora do país, então irei torcer certamente para batermos 3 anos seguidos nas maiores premiações, mas não apostaria todas as minhas fichas nisso.

O longa nos conta que Gugu é um menino de quase 12 anos, sonhador e apaixonado por futebol, que vive com a avó Dilma, uma professora aposentada que o cria de forma livre e afetuosa, sem se preocupar com os julgamentos dos moradores da cidade. A relação do garoto com o pai Batista é difícil, feita de ausências, expectativas e afetos não ditos. Avó e neto moram sozinhos ao lado da barragem de Araújo Lima que, após anos de seca, começa a revelar as ruínas de uma antiga cidade submersa, trazendo à tona lembranças que mudaram a vida da família.

Diria que o diretor Allan Deberton é o mais ousado do cinema nacional, de modo que já fez uma trama sobre empregada que explodiu mundo afora, fez um musical nacional homossexual, e agora botou em pauta os temas de Alzheimer, política de terras e questões de sexualidade e bullying na infância, ou seja, nem sei mais o que esperar de seus filmes, pois pode surgir daqui alguns anos com qualquer coisa nas telonas, e seu estilo é muito diferenciado do padrão, de modo que para se apaixonar por seus filmes tem de estar muito preparado, pois não é o longa tradicional que quem vai ao cinema apenas para ver algo na tela grande sem sentir tudo o que a mensagem maior passa, então ainda não sou o maior fã dele, pois volto a dizer que a trama aqui tem muitos momentos sem dinâmica, com reflexões tentando serem ditas no vazio, mas ainda assim o resultado agrada e funciona na tela.

Quanto das atuações, o garotinho Yuri Gomes mostrou tanta desenvoltura para o seu Gugu que quem for assistir certamente ficará na dúvida se realmente é sua estreia, pois ele soube segurar as emoções nos olhares e na entrega de personalidade para que cada momento seu fosse além, e isso é bem raro de acontecer na primeira vez que está diante das câmeras, e isso também é um ponto bem positivo do diretor que soube trabalhar isso e tirar o máximo do garoto, então torcerei para ver ainda mais trabalhos dele, pois tem futuro. Outra que deu um show a parte foi Teca Pereira que trouxe para a tela sua Dilma imponente e cheia de traquejos, passando muita emoção nos seus atos mais densos de perca de memória, trabalhando bem a emoção de se perder, e isso foi algo muito forte de ver na tela, mostrando o quão boa é como atriz. E ainda tivemos alguns atos fortes de Lázaro Ramos, que sempre entrega bons personagens, e aqui mesmo seu Batista não tendo tanto tempo de tela, nos atos mais fortes passou imposição e soube trabalhar algo que já disse ser completamente contra na vida real, que deve ter lhe doído por dentro, e assim segurou a onda para marcar na tela.

Visualmente o longa é simples demais, tendo uma casa bem rural, sem grandes luxos, aonde vemos muitas fotos da filha da protagonista e mãe do garoto, vemos o lado rural e até singelo da população do sertão, vemos a barragem fictícia da trama, mas com detalhes que já vimos existir em outros lugares do país, a escola simples e o campo de futebol de terra, e claro o asilo aonde a velha vai, e o ponto mais marcante que enquanto tendo a vida simples junto da avó vemos uma tremenda festa do pai para o novo bebê apenas para a revelação do sexo, e claro a casa com mais luxos para a outra filha, ou seja, uma trama cheia de detalhes que marcam e funcionam muito bem na tela.

Enfim, volto a frisar que não acredito que seja o nosso melhor longa nesse ano, pois já tivemos outros bons e ainda teremos outros que talvez sejam até melhores, mas o impacto junto dos temas certamente vai reverberar muito mundo afora e na cabeça de quem for conferir, e assim sendo funcionou bem dentro da proposta. E é isso meus amigos, volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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O Beijo Elétrico (La Vénus Électrique) (The Electric Kiss)

Muitas vezes vejo alguns filmes que se classificam como comédia, mas que forçam tanto a barra para fazer o público rir que acabamos saindo da sessão pensando se realmente foi algo engraçado ou apenas situações cômicas absurdas e sem nexo algum que jogaram na tela, porém a real comédia francesa sabe brilhar demais quando é bem feita, fazendo o público rir de gargalhar somente com a essência e a história, é isso é incrível de ver. E claro que o longa que abriu Cannes nesse ano não ia ser diferente, de modo que "O Beijo Elétrico" acaba permeando situações tão envolventes, tão cheias de brilho e boas sacadas, que quando vemos já estamos encantados com tudo na tela e com os olhos cheios de vontade por tudo o que vai acontecendo, pois os personagens são bons demais, a trama acontece com um sentimento gostoso, e mesmo sendo um pouquinho arrastado no miolo acaba sendo perfeito demais, de modo que até posso gostar de outro filme do Festival de Cinema Francês que ainda faltam ver muitos, mas estará na lista dos meus prediletos do ano!

O longa nos situa em Paris, 1928. Antoine Balestro, um jovem pintor em ascensão, não consegue mais trabalhar desde a morte da esposa, para desespero de Armand, seu galerista. Certa noite, embriagado, Antoine tenta entrar em contato com a mulher por intermédio de uma vidente. Sem saber, porém, ele está falando com Suzanne, uma modesta artista de feira que entrou sorrateiramente na carroça para roubar comida. Suzanne revela-se talentosa para a impostura e, rapidamente auxiliada por Armand, começa a realizar uma série de falsas sessões. Aos poucos, Antoine recupera a inspiração, mas, para Suzanne, as coisas se complicam quando ela começa a se apaixonar pelo homem que está enganando…

Diria que o diretor e roteirista Pierre Salvadori foi tão bem na entrega de seu longa que ficamos extasiados com toda a entrega na tela, de tal forma que assim como a amiga da protagonista vai ficando interessada pelo diário da morta, nós também entramos na mesma onda, querendo saber mais e mais, é isso é algo que poucos diretores conseguem trabalhar em filmes com uma pegada mais artística, e claro de época também. Ou seja, será daqueles diretores que pretendo ficar no radar para ver mais trabalhos dele, pois soube escolher bem a forma de entregar tudo, não deixando pontas abertas, e principalmente não forçando o espectador em momentos algum, é isso é saber conduzir um projeto, pois fazer rir como já disse outras vezes com meia forçada de tela funciona, mas divertir, encantar e fazer sorrir ao ponto de gargalharmos é algo que bem poucos conseguem.

filme de abertura de Cannes 2026

Quanto das atuações, Pio Marmaï tem sempre um estilo meio bobão nos papéis que pega, e aqui seu Antoine Balestro caiu tão bem na tela, que deixamos ele florear sua ingenuidade e ir se desenvolvendo na tela conforme a trama vai pedindo, não deixando que o público desistisse dele, mas sim torcesse para ele ir ainda mais além. Já Anaïs Demoustier inicialmente parecia meio que desinteressada de sua Suzanne, parecendo estar forçando um papel que não queria, mas conforme vai desenvolvendo a entrega da personagem, entra completamente em sintonia e vira alguém tão cheia de nuances, que empolga e cativa demais. Outro que não apareceu tanto, mas entregou bons momentos foi Gilles Lellouche com seu Armand, de modo que ele tem personalidade, tem dinâmicas fortes, e principalmente consegue chamar o filme para si em seus momentos, acertando demais o que precisava fazer. Ainda tivemos bons momentos de Vimala Pons com sua Irène cheia de estilo e bons olhares, Gustave Kervern com seu Titus fechado e chamativo e até Madeleine Baudot com sua Camille teve expressões marcantes para colocar o público com um olhar idêntico ao seu.

Visualmente o longa foi bem bacana ao mostrar os anos 20 com um charme bem trabalhado nas nuances, nos figurinos e quadros, além de entregar bem os atos do show de talentos itinerante que era bem comum na época, tendo boas sacadas nas brincadeiras dos jogos mediúnicos que a protagonista faz com o rapaz com muitas velas e outros elementos tão bem encaixados que o resultado acontece na tela e mostra que a equipe de arte estava atenta a todos os detalhes para empolgar bastante.

Enfim, é um filme que me encantou demais do começo ao fim, fez várias pessoas da sessão rirem sem parar em diversos momentos, é isso na minha concepção é acertar com perfeição para ganhar a nota máxima em uma comédia, ou seja, não perca a oportunidade de conferir ele o quanto antes no Festival de Cinema Francês do Brasil 2026, pois dificilmente esse estilo de longa acaba sendo lançado depois no interior, ou seja, é pra se jogar e está mais do que aprovado. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas vou conferir mais um longa hoje, então abraços e até daqui a pouco.

PS: Até poderia tirar um ponto pelo miolo, mas quando o filme funciona tão bem na tela, me emociona e me diverte, além de fazer o mesmo com o público, é difícil remover, então vai ficar com a nota máxima!

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O Bosque Selvagem (Wildwood)

É interessante como muitas animações atuais não estão mais sendo feitas para as crianças, ao menos as menorzinhas que eram o público alvo anteriormente, mas agora pegando os adultos com mensagens fortes e densas aonde acabamos nos envolvendo e até emocionando com as mensagens na tela. E dito isso, hoje conferi a tremenda animação "O Bosque Selvagem" toda feita em stop-motion, as famosas massinhas e bonecos animados quadro a quadro, aonde a essência forte de magia, briga por terras e emoções fortes acabam floreando tanto na tela com batalhas e mensagens sobre a vida, sobre crescer, e até mesmo sobre gravidez e não desistências, aonde o diretor soube criar tanta coisa que o longa demorou cinco anos para ser feito, mas impacta demais com tudo na tela, desde as histórias faladas quanto no visual impressionante que nem parece animação e muito menos massinhas, mas sim algo real marcante e cheio de nuances que funciona demais.

Sendo um épico mágico e fantástico, o longa acompanha a jornada perigosa de uma jovem de 13 anos chamada Prue McKeel que precisa recuperar seu irmão mais novo de uma horda de corvos que o raptou. Mac foi levado para uma cidade desconhecida para além dos limites de Portland, um lugar no qual ninguém deveria pisar, nem ao menos saber que existe. Mas determinada a salvar seu irmão, a obstinada e corajosa Prue, junto com sua desafortunada e nerd colega de classe Curtis, resolve se embrenhar nas profundezas dessa escondida floresta mágica. Prue acha que está velha demais para contos de fadas, mas se vê no centro de um reino encantado repleto de animais falantes estranhos, bandidos desonestos e figuras sombrias com intenções macabras. Wildwood é um conto sobre amor, perda, sacrifício e segredos que explora o crescimento de uma jovem numa fase amarga e agridoce entre a infância e a adolescência.

O diretor Travis Knight já vem mostrando já um bom tempo que sabe trabalhar com boas histórias em suas animações, e após não ter dado muito certo com os filmes com humanos retornou para onde não deveria ter saído, pois com muita técnica ele trouxe o que fez de bom em "Kubo e as Cordas Mágicas" e incrementou o estilo para algo que marca demais, afinal a protagonista tem carisma, os vários personagens tem impacto e dinâmicas tão bem colocadas que ficamos impressionados em como conseguiram animar frame a frame para que o resultado virasse algo cheio de personagens e gigantesco no melhor estilo que os longas de guerras tradicionais, sendo direto e funcional da melhor forma possível. Ou seja, ele criou algo que tem classe e impacto, que funciona bem na tela principalmente pela técnica em si, mas diria que o exagero da ousadia em querer uma trama mais densa pesou, tanto que o longa não anda fazendo a bilheteria que merecia, e isso para um estúdio pesa mais do que a qualidade em si, então precisará ganhar muitos prêmios para ao menos explodir nesse sentido. 

Quanto dos personagens, nem tenho o que falar da qualidade das estruturas, pois em momento algum você fala que está vendo um filme de massinhas, e sendo assim a equipe mandou bem demais em tudo, entregando algo incrível, cheio de texturas, sombras e formatos, impactando demais, além de que a personalidade de cada um é tão diferente que acabamos nos envolvendo demais do começo ao fim, primeiro com a protagonista Prue imponente, astuta e com traquejos que seguraram demais cada ato dela. Depois passando para a vilã Alexandra que se mostrou bem mais do que apenas uma bruxa, mas sim uma líder imponente, cheia de momentos de impacto na tela, e conseguindo trabalhar as dinâmicas com tanta intensidade que chega até incomodar, e isso é o fato de um bom vilão. Ainda tivemos o garotinho Curtis que chega a ser irritante pela essência meio que boba e pela timidez, mas se entrega bem nos atos finais e acaba agradando. Além do rei dos bandidos bem imponente, a Iphigenia bem doce e cheia de sínteses, e os coiotes bem marcantes, ou seja, um elenco de personagens de peso, que tanto na versão brasileira quanto na original tiveram ótimas dublagens e com certeza fizeram o filme funcionar como a densidade da trama pedia.

E falando em densidade de trama, nem tem como não aplaudir aos montes cada dedicado criador que fez o filme ter tantas camadas, e se pensarmos que tudo foi construído, desde cada detalhe da cenografia, passando pelos personagens, pelos figurinos, pelos trejeitos e tudo mais, com cores bem impactantes e escuras, mas sem perder o brilho em momento algum, ou seja, a equipe de arte que é muito maior em um estilo como esse mostrou que sabe bem aonde queriam chegar e deram show, ao ponto que facilmente levarão todos os prêmios nos festivais de animação mundo afora, e devem brigar muito nas categorias do estilo nas demais premiações.

Enfim, é um filme que funciona demais na tela, que tem personalidade, e que mesmo sendo longo não teve tantos pontos de corte, daqueles que ficamos olhando e falando que daria para ser eliminado, porém como disse no começo não é um filme para a criançada, sendo que os mais jovens (acima dos 12 anos) devem até embarcar na ideia toda, mas temos guerra, sangue, cabeças cortadas, suicídios e tudo mais que precisa pensar bem antes de levar os menores, e sendo assim não acredito que vá chamar tanta gente para as sessões, mas as mensagens são bem colocadas e vale a conferida. E é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas hoje ainda tenho mais duas sessões, então abraços e até logo mais.

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